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martes, 25 de mayo de 2021

ERIZONTE y V.V.A.A. - "SONIDOS EN EL SILENCIO, música y arte sonoro a la obra de OPS" (DISCOS NECESARIOS DN57, 2021)

Dejad que me sitúe en el medio. El futuro de ERIZONTE no se ha escrito y la tercera parte de la trilogía sobre "los medios de comunicación como transmisores de ideas progresistas" está por componerse. El pasado ya ha sucedido y se fueron Los Caprichos de Goya, disco sobre el que (hostias, qué cosas) escribiré en un futuro. ¿O no será que la historia se repite y es un cordón umbilical sin principio ni final, y justo por donde cortemos es `cualquier presente´?. No sé ni qué diablos estoy diciendo, pero Andrés Rábago, más conocido como El Roto o para situarnos en un contexto histórico más concreto, OPS, seguro que sabe de lo que estoy hablando... transgresor, avatar del trazo Dadaísta y punta de lanza en toda esa vorágine contracultural en plena dictadura de (emulemos aquí a Lovecraft en una especie de sincretismo político imposible) Aquel Que No Merece ni llevar Vocales, Frncsc Frnc. Que yo tenga que resumir aquí la obra cultural de OPS es poco menos que demencial, así que os basta con indagar por aquí o aquí para quienes anden más despistados.

La guerra y sus excesos, la guerra y sus faltas, la guerra y sus decesos. La manipulación de los medios de no información y la información de los no-medios, las anti-formas cañís y su fatal última consecuencia de la violencia hacia la mujer, lo impuestos y el tú mandas por mis santos cojones monárquicos de memorias históricas imperialistas... bueno, en definitiva cosas que os pueden sonar cercanas pero que tienen ya bastante recorrido en la hemeroteca existencial de todo y toda aquel que en algún momento de la Historia dijo NO. Diametralmente opuesto al coloreado Warholiano Kitsch y al Pop de determinadas publicaciones que se reflejan en el reciente libro "Todo era posible: Revistas underground y de contracultura en España, 1968-1983" de Abel Cuevas y Manuel Moreno (Editorial Walden, 2020) y véase muy como ejemplo a STAR, OPS por contra era puro blanco, negro y gris o si acaso con tramas bicolor... dicho de otro modo, Andrés Rábago parte de una base con más empaque (no me atrevo a decir bohemia porque a veces luego hay que citar lo poético y de ahí a la náusea hay un simple paso) y quizás menos `fanzinera´ (no sé si estoy explicándome bien). 

De cualquier modo, tal y como se dice en la contraportada del álbum Sonidos en el Silencio (Música y arte sonoro a la obra de OPS), sí que hay una estética en la contracultura en tiempos de dictadura / postdictadura / transiciones / postransiciones y lo que es más, una ÉTICA en esos dibujos a veces desasosegantes en Hermano Lobo, Triunfo, Cuadernos para el Diálogo y otras. Si Forges reflejaba lo cutril íbero desde el acercamiento del Humor (para bien o para mal), OPS te dejaba paralizado con metáforas visuales de Sátira, término distinto (quizás tangencial) a veces al humor pero desde una óptica diferencial. Y dejad que me plante históricamente en ese surrealismo de OPS y no entre en EL ROTO porque no acabaría este texto nunca.

(Erizonte)

Hagamos otra hipérbole. ERIZONTE se funda en 2002 por Julián Sanz, ente vinculante y vinculado al ochentismo musical underground hispano con La Fundación, 429 Engaños, Mar Otra Vez... He de reconocer que yo no llego a su música ERIZONTAL (enlazando a través de La Fundación) hasta que no me hago con el imprescindible recopilatorio Tensión. Spanish Experimental Underground 1980-1985 (Munster, 2012). Resumiendo, desde la Dark Wave al Punk, la No Wave, lo experimental y todo ello sin entrar en su faceta de producción. No obstante, ERIZONTE es un mamífero de múltiples patas donde también pululan Jesús Alonso (batería y percusión) o Javier Escudero (guitarra y electrónica), otros dos con una biografía que merecen artículos aparte. Dependiendo del momento y la circunstancia, también hay apoyo  aquí y allá con danzas de Kateryna Humenyuk, visuales de Marcelo Fioramonti, arreglos de Scud Hero o la agrupación teatral La Intemerata.

El álbum que nos ocupa (segundo de la trilogía mentada), se edita en formato vinilo Gatefold con artwork del propio Andrés Rábago, encargado de elegir la imagen visual que representa a cada pieza sonora y que queda maravilloso cuando abres el disco. Si el anterior lo editaba Munster, en esta ocasión se trata de Discos Necesarios y sónicamente queda como una obra redonda y coherente... me explico; Sonidos en el Silencio funciona a modo de (no es el término adecuado) suite en la que colaboran nada más y nada menos que Mecánica Popular, La Fura dels Baus, Macromassa, Mar Otra Vez, Esplendor Geométrico, Pelayo F. Arrizabalaga, Eli Gras, Jesús Alonso, Scud Hero y Corcobado... así que de sopetón el riesgo (susto o muerte) es alto si no diriges bien el asunto y más que un disco conceptual (sin pretenciosidad ojo) te queda un simple recopilatorio. Afortunadamente, el vinilo es perfecto; permitidme decir la chorrada "redondo", y hay una vértebra/estructura muy mimada.

Tracklist por tanto perfectamente elegido donde cada artista además de poner su sello, se ha convertido en camaleón y llevado su estilo un pasito más allá para que todo se adapte a lo cuasi-instrumental y que encima el principal director del asunto sea la parte visual del dibujo de OPS. Si no entendéis lo que acabo de explicar, posiblemente os falte alguna asignatura que recuperar en vuestros estudios (lo cual no es malo ni bueno, es como una dentadura mellada). Desde la música concreta al Avantgarde puro y duro, con esfacelos industriales muy minimalistas, Sonidos en el Silencio maneja a la perfección la atmósfera, subidas y bajadas de intensidad y sobre todo, lo SURREAL (no existe el adjetivo como tal en español, pero me importa un ops). Mitad disco, mitad guía para saber cómo adentrarse en esos nombres que rompieron la norma en los ochenta para las nuevas generaciones, está tan bien pergeñado que funciona como el disco de una radial de corte... no importa cuantos veces lo pongas en bucle que cortes por donde cortes, el periodo de la historia al que te remite es el mismo. 

(Macromassa)

Dicho lo cual, la Cara A abre con "Obertura" (Erizonte), pequeña perla subyugante a modo de pulso que transiciona sin pausa con "Dos Veces en la Vida" (Mecánica Popular y Erizonte). La pieza avanza como uno de esos autómatas dieciochescos. Fluxus, dadaísmo copulando con la New Wave acompasándose con la rompedora base sintetizada de Erizonte al más puro estilo Diseño Corbusier. Sintético, bailable y adictivo como ponerte píldoras de diverso tipo al azar bajo la lengua. "¡Mierda de Guerra" cuenta con Miki Espuma como elemento principal de La Fura dels Baus. Antonin Artaud en modo procesado recita La recherche de la fécalité. Guitarra mínima, distorsionada y alienígena en sus riffs desangelados.... si Artaud hubiera dado instrumentos electrónicos a la tribu de los Tarahumara en su convivencia triposa allá en 1936 llegaríamos a algo parecido. Surgen bajos sintetizados y un ritmillo cuasi funky, tribal y muy, muy lisérgica. Flipante el extrañísimo tempo con el que juega Erizonte transmitiendo irrealidad y el abotargamiento de un país metido en salmuera desde hace décadas.

                   

Sigue "Tonsura" con Erizonte acompañando a la leyenda Macromassa (Juan Crek y Víctor Nubla) de los que sobran presentaciones... corte compuesto en 2017 dedicado al fallecido Nubla con la mayor arma de destrucción masiva jamás conocida, el Korg MS20; además, la farfisa y audiogeneradores. Más industrial que una trepanación con taladro Black & Decker. La pequeña nana "Difracción" en modo `caja de música´ a cargo de Erizonte, está compuesto mediante la técnica citada a propósito de la cual se cita: "la difracción es un fenómeno que afecta a la propagación del sonido. Se produce cuando el sonido se curva y dispersa como consecuencia del encuentro con una abertura o con obstáculos que no le son transparentes". La impresionante ilustración de OPS con un piano transformado en punto de fuga engrandecen una especie de interludio sobrecogedor.

 
(Mar Otra Vez)

La leyenda de Mar Otra Vez se reúne aquí con Javier Corcobado, Luís Corchado, Javier Rodrigo y Andrews Wax para "Calma", alegato contra la violencia de género. Fantástico vuelta para una ocasión especial... nunca puede decirse `de este agua no beberé´ porque el ser humano es un 80% agua y si te metes en Edema Agudo de Pulmón te acabas bebiendo y ahogando con tu propio líquido. A medio caballo entre el Post Punk, el Noise Rock ácimo y en modo instrumental, suena el saxo asordinado sobre una base de swing y punzante base rítmica. El ambiente sosegado ilustra a la perfección la fase de `luna de miel´ en la violencia contra la mujer y que acaba inevitablemente desembocando cual ouroboros en la repetición del ciclo del maltratador mediante la `tensión´ y la `explosión´. Fabuloso el clímax final que contrasta con la abrupta "Trío para Dúo de Generadores" de Erizonte dividida en tres partes bien diferenciadas; la primera `El Poder Ordena el Imperio´ hipnótica, noir y mistérica, contrastando con los prístinos sonidos de cuerdas (emuladas) de `El Imperio Puede al Orden´. La final `El Orden Impera en el Poder´ es pura eyaculación de casiotones.

 
(Esplendor Geométrico)

La Cara B empieza con "(Des) educación" ya recogida en la Suite de Los Caprichos de Goya. Piano con clústeres crepusculares y aroma a años 50 pronto se ven arropados por toques de copla cañí electrónica, enfrentada como un corte de digestión con el tribalismo percusivo techno ancestral de Esplendor Geométrico. Arturo Lanz crea un coro infantil virtual abordando la corrupción del clero. Como no podía ser de otra manera, el corte se titula "Clerecía" y es de una visceralidad descomunal... huyendo de la parte más abstracta de EG y con los aportes de Erizonte, se comulga con una hostia en oblea de bronce indisoluble en la mucosa bucal. Alucinante cómo se parte la melodía a mitad de tema y va oscilando en pútreas idas y venidas.

Nada más y nada menos que Pelayo F. Arrizabalaga (clarinete bajo, turntables, generadores de tonos) y Eli Gras (refrigerador estrellado, guitarra preparada, arpa de rebotes) acompañan a Erizonte (fretless, subbajo). "Miedo a la Verdad" se sitúa en ese lugar libre de coordenadas de la improvisación libre, el free jazz y la música de cámara esbozada desde lo electroacústico. Uno de los cortes más complejos del álbum y con marcado ambiente Lo-Fi a la producción dotan de desasosiego al conjunto, quizás por ese obsesivo siseo de fondo. Por cierto, el inicio cuasi-tribal puede recordar perfectamente a una versión bastarda de la primerísima Art Ensemble of Chicago cuando estaban en pleno proceso formativo. Jesús Alonso muestra sus versatilidad percusiva con "El País del Silencio", aleación de percusiones, vibráfonos y los aportes etéreos de la electrónica de Erizonte. Cada segundo que pasa, se vuelve más y más extraño, complejo y lynchiano... juguetón, arrítmico en sístoles y diástoles fibrilantes y muy circense.

 

Javier Escudero (Scud Hero), parte también de Erizonte, nos invita a la "Hipnosis Colectiva" con cierto asomo de soundtrack y retrowave. Si me quito la tapa de los sesos, estoy seguro que la masa gris me brilla en la oscuridad como un jodido neón ochentero en plena Rave. Por su parte, Corcobado, inspirado (corto y pego) en "la catarsis que del subconsciente al consciente nos producían aquellas viñetas sin plabras de OPS", destruye la cordura con "Sol sotnemurtsni es nacot". Voces, cajas de ritmos, sintetizador, percusiones metálicas, la característica guitarra tormenta y cable jack-amplificador-delay, Nora Uriarte Aranguena a los gritos y Erizonte con secuencias, el tema me recuerda a la versión extendida de "Los Estertores de la Democracia"... es decir, mantra vocal inverso con toques orientales pegadizos como las adherencias intestinales y desarrollándose de manera pulsátil a caballo entre los primerísimos Die Krupps y Einsturzende Neubauten

Mitad proto techno bailable, mitad tetania védica de estructura a Shloka hindú ralentizada al extremo, Corcobado dirige el epílogo de Sonidos en el Silencio a un nivel de intensidad psicorrágica difícilmente soportable. Apabullante, arrollador temazo. "Coda" de Erizonte cierra esta OBRA DE ARTE IMPRESCINDIBLE en todos los sentidos. Falta el olfativo y el gusto, pero te los digo yo, sabe a violencia y huele a cobre sangre.

https://erizonte.bandcamp.com/

sábado, 22 de mayo de 2021

TRÍO MUDO presenta EL CENTENARIO DEL VAMPIRO / NOSFERATU, Una Sinfonía del Horror (La Caja Blanca, 21 de Mayo)


NOSFERATU
El Centenario del Vampiro
"Una Sinfonía del Horror"
TRÍO MUDO
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Máximo Luque sube al escenario en un sobrio ambiente; justo antes, el tema en bucle "Massa Confusa" de Archäia había ejercido su labor hermética egipcia sacándome los sesos por las fosas nasales como un alambre sonoro. La Sala con el aforo Covidiano llena, con gente que desafortunadamente se quedó fuera. Conseguí la jodida primera invitación, y gracias a ello puedo traeros en exclusiva material visual de primera línea (no de primera calidad, que yo no soy fotógrafo). Unas proyecciones y narración de Máximo sobre el origen, contexto social y cultural del film de Murneau son atmosferizados por minimalistas clústers de notas del piano de Cristina Ruano y Belén S. Guzmán... y extasiado de cómo el foco principal de la luz dota de `expresionismo´ (no podía ser otra palabra) la faz de Máximo (mitad luz, mitad sombra), una sonrisa de oreja a oreja sobrepasa el ancho de mi mascarilla... por primera vez, tras un jodido año, soy capaz de meterme dentro (en cuerpo y alma) de un espectáculo que hiede a oscuridad romántica teñida de tragedia de entreguerras. 

Como una suerte de sincretismo poético, la poesía de Panero parece amoldarse a la perfección en lo humano a un determinado momento histórico por un lado, e iconográfico en el otro (la particular estética de los fotogramas teñidos de esa primera edición del film de 1921 de Nosferatu). Esa canalización de emociones de la que habla el díptico que repartieron en el espectáculo anoche alcanzó cotas curativas en la psique del inconsciente colectivo, permitiendo a los asistentes ser partícipes de una casualidad entre miles y de una idea única entre millones... hacer coincidir simbólicamente (Mito) la Pandemia que antecedió al rodaje del Film (La Gripe Española), con la que estamos sufriendo (DIVOC 91). Una paradoja o una singularidad, cada uno puede elegir su bando, pero lo que sí es cierto es que TRÍO MUDO han hilado tan fino con este asunto que las costuras van a tardar muchísimo tiempo en reabsorberse en mis tripas.


La relación Panero - Expresionismo Alemán se me antoja de una genialidad sublime, porque tan oscura es La Noche del Alma en periodos funestos de la historia, con sus derruídos / horadados y porosos edificios de hormigón en descomposición, como funestamente maldita era la realidad en la que vivió Leopoldo M. Panero. Y así, lenta, arrastradamente entra ese acople onírico y lejano de "Canción de Cuna para los Muertos (La Balada del Coronel Mortimer", un in-crescendo de arpegios de la guitarra de Antonio Acién y machacante, pseudo marcial abordaje de la percusión por Damián Fernández... de fondo, en la pantalla, comienza la excitante proyección de la versión coloreada (fotograma a fotograma) de Nosferatu con sincronización de relojero a cargo de Manuel Luque, otro que anoche habitaba en las sombras. Antes de la película, ya nos había surtido con exquisiteces durante el soliloquio de Máximo, con imágenes de la postguerra, el potentísimo logotipo de Prana Films y diversos paralelismos visuales con el ocultismo incipiente de la época.



"Yo soy sólo mi Perfil" es el Haiku existencialista por antonomasia de Panero, a la que sigue el "El Circo" en Acto I de un total de cinco del film de Murneau, perfectamente medido por Manolo Luque en edición de tal suerte que diversas partes de la percusión, o subidas y bajadas del tempo en la guitarra, hacían referencia a esos proto efectos especiales visuales de cámara rápida, o toques de campana y demás de talles. "A la Manera de Trakl" se torna crudísimo en directo, rozando el Noise Rock, mientras que "Perdido" sigue incomodándome letrística y musicalmente con su extrañísimos ecos, Acién casi mordiéndose los labios, Damián parodiando el surgimiento de la Industria Automatizada y la ingeniería con esa manera ciclópea de medir los tiempos, las paradas, los cascabeles o las cajas de madera. Ya lo advertía Antonio al principio del espectáculo, que se dejaran los aplausos para el final pero era difícil, muy difícil contenerse.


Entrando el Acto III con la oscurísima "El Último Espejo" y "Proyecto de un Beso". A propósito de la primera, voy a rescatar dos textos... el primero de ellos es lo que comentaron TRÍO MUDO sobre el corte en cuestión y que casa a la perfección con los tiempos que estamos viviendo: "es un cruda visión de lo que somos como individuos y como colectivo, capaces de auto-infligirnos daño con absurdas prohibiciones, generando una sociedad del miedo donde impera atemorizar para adoctrinar, donde la maldad nace de la supresión hipócrita del gozo". Impresionante la sincronicidad, además de que no deja de ser paradójico que se hable de un espejo donde Nosferatu precisamente no puede reflejarse... ¿Quizás no podrá entonces atravesar el Corredor del Miedo y llegar a El Último Espejo?.... no lo sé, pero aprovecho para reproducir el poema entero y la grabación que pude hacer in-extremis porque me sigue poniendo la carne de gallina:


"Todo aquel que atraviesa el corredor del Miedo
llega fatalmente al Último Espejo
donde una mujer abrazada a tu esqueleto nos muestra
cara a cara el infierno de los ojos sellados
de los ojos cerrados para siempre como en una máscara
de muerta representando en el más allá el teatro último:
así miré yo a los ojos que borraron mi alma
así he mirado yo un día que no existe en el Último Espejo"

"El Lamento del Vampiro" en directo no pierde el aroma a Copla Séptica, Acién regurgitando la bilis verdosa de unas letras que se clavan como puñaladas asestadas por unos baquetas casi latinas acompañadas de acres cascabeles como ramilletes de ajo. Un sampler de las campanas de la Iglesia de San Martiño, Bueu (Pontevedra), sirve de sombra percusiva Junguiana a Damián para crear atmósfera en la inédita hasta ahora "Como una Cruz hecha para Morir", que acaba enganchando un Acto V con dos cortes nuevos más, "El Baccarrá en la Noche" (sencillamente espectacular) y "Un Asesino en las Calles". Según el especialista Berriatúa, es imposible descifrar Nosferatu sin las claves de la Ordo Templis Orientis (OTO) de Crowley... me hubiera gustado saber cómo hubiera descifrado Alesteir a Panero.


Tras la destrucción social y de la psique, llega la reconstrucción. Ojalá en los tiempos venideros disfrutemos de un vergel (pandemia) cultural de un nivel tan altísimo como lo que se vivió anoche. Me faltan las palabras para definirlo mejor así que mejor despedirse así:

"Yo soy solo mi perfil.
Cuando la nieve cae de mi rostro
nada se ve.

Cuando la Nieve caiga
no estaré ya".


Bueno, no voy a despedirme así porque llegó el enfervorecido aplauso y el post concierto... ese que generalmente trae a una desagradabilísima señora que no entiende de cultura (no sé si es funcionaria de algo o qué se yo) y que seguramente piensa que tras un espectáculo las personas, instrumentos, sentimientos y sensaciones deben teletransportarse a una dimensión paralela para que a ella no le estorben. Ni a ella ni a su también ultra desagradable compañero de Seguridad, casi un matón que cada vez que voy a La Caja Blanca va con la misma historia. Ambos son el binomio perfecto de la otra cara de la moneda... esa que te hacen divagar por qué en un lugar público que pagamos todos, y ojo con confundir esto con seguridad de pandemias, tienen el poder de hablarle mal a la gente. Sí, tienen su horario, pero a tenor (y lo sé con certeza) de que se están tocando las gónadas estos meses en La Caja Blanca, pudieran tener en cuenta de que la cultura y los sentimientos a flor de piel deben expresarse y que los eventos culturales no se podan como los Bonsais... ya pasaba con grandes como Evan Parker o los Atomic holandeses que los echaban a la calle en el Museo Picasso tras el concierto para que vendieran su merchandising en la jodida calle al pie de la higuera. 

Señores y señoras del MAF, del Festival de Cine de Málaga, de MálagaProcultura.... larguen a esta gente porque los ciudadanos, espectadores, o como queramos definirnos, nos merecemos un respeto y es desolador que te hablen y traen con semejante soberbia y malos modos. Yo también soy funcionario, trabajo en un Hospital, y en mis 24 años de experiencia laboral en condiciones horribilísimas ni por asomo he tratado a la gente con tanto despotismo.

Esto es Málaga.




viernes, 21 de mayo de 2021

EL LABERINTO DEL LEPISMA (34) / "Mitos" (Alexander Eliot y Otros Autores)

 


* Mitos / Alexander Eliot y Otros (Editorial Labor, 1976) *

Este espectacular tomo de Editorial Labor  (33 X 24,05 CMTS), profusamente ilustrado, con capítulos de Mircea Eliade, Joseph Campbell y muchos más, se monta en las 317 páginas y es de los descubrimientos arqueológicos lepísmicos que más me han dejado tocado. Me costó distinguirlo tras una enorme capa de ponzoña que lo cubría en forma de plástico de forrar libros tan pegajoso que podría haberse quedado pegado a un techo durante 3 Kali Yugas. Para que os hagáis una idea, costaba ver tras el plástico esa preciosa portada satinada.... porque sí, cuando quité el forro, apliqué amoniaco mezclado con agua... aquello empezó a brillar con el esplendor de antaño. Conserva la sobre cubierta en perfecto estado, engalanando una encadernación en tela super rústica y gruesa. Algo que de verdad, cuesta creer que vuelva a fabricarse. 

Sí, por ahí puede encontrarse, pero a mí me hace más ilusión encontrármelo en la Gran Caza. Sobre el contenido y la calidad, poco que discutir... altísimo nivel como todo lo que publicaba Labor en los 70.





ENJOY LEPISMA WEAPONS



miércoles, 19 de mayo de 2021

EL LABERINTO DEL LEPISMA (33) / "Payasos y Monstruos" - Albert Sánchez Piñol

* Payasos y Monstruos / Albert Sánchez Piñol (Editorial Aguilar, 2006) * 

Cada vez tengo más claro que hay una historia oculta dentro de este maravillos, brutal libro de Sánchez Piñol (La Piel Fría, Pandora en el Congo...). Descatalogadísimo casi desde que salió, con precios que a día de hoy orbitan desde los 150 a los 500 euros, estoy plenamente convencido de que por alguna razón, las conexiones que citó Piñol con el Gobierno, Monarquía y los Dictadores Africanos llevaron a eliminar este libro de los estantes. No es algo contrastado, es una suposición y sigo manteniéndola... por eso, por segunda vez en el blog, rescato este imprescindible documento sobre el que ya hice una entrada y donde entré en profundidad sobre el contenido:

https://lamuerteteniaunblog.blogspot.com/2012/09/payasos-y-monstruos-de-albert-sanchez.html

Conspiranoia o no por mi parte, si lo encuentras en tu camino, ni dudes en adquirirlo.

ENJOY LEPISMA WEAPONS

PALE PREACHER - "SADNESS MAKES ME LESS UNKIND" (CLIFFORD RECORDS 151LP, 2021)

"She takes me down
she takes me down,
takes me down to the dungeon stairs

when the night smells of sadness
and the candles go out
she locks me up with a kiss and a scythe".

I. UNA PLEGARIA POR LOS QUE QUEDARON ATRÁS.

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Hay varias formas de encarar esta reseña sobre el impresionante debut de PALE PREACHER. La vía rápida sería simple y efectiva: "Aleluya hermano, Dios no ha resucitado!!". Pero claro, en ese caso tendría un grave problema con mi sueldo psicológico. No me apetece empezar por ningún sitio, sino quizás por en medio... y allí estoy, en medio de un concierto de los Blackberry Clouds en el Centro Cívico de Málaga en indeterminada fecha de mi adolescencia y posiblemente acompañado de algún colega. Recuerdo una versión de Deep Purple y a continuación una colaboración en dueto de Francisco Báez con una cantante Blues, o Soul o no recuerdo ya.... hay que tener en cuenta que por aquellos tiempos el calimocho se fabricaba en hormigoneras. ¿Puede ser 1995?. Podría comprobarlo... guardo carteles de casi todo de aquella época porque los arrancaba cuando terminaban los eventos (nunca antes). Posiblemente mi recuerdo más vergonzoso sea pedir 25 pesetas a un vendedor de Almendras para poder coger un Bus y regresar a casa un día que andaba también viendo a los Blackberry Clouds en el Recinto Eduardo Ocón, pero eso era todavía antes.

Pero hay un momento en que pasa el tiempo, yo me largo a otros estilos, chico conoce a chica, chica y chico hacen el amor, uno estudia una carrera, aquella también, tiempo pasa, uno se redime... y me veo con un disco que no me cuadra. Se llama Dry Wind y presentaba la siguiente formación: Francisco Galacho: voz, guitarra, piano, órgano; Francis Barba: guitarra, pedal steel; Frank Mora: contrabajo y Juan "Lillo": batería. Un estilo en cierta medida a caballo entre Australia y América, en medio, un jodido desierto. Brotando/escindiéndose de la célula madre y con cambios de formación entre más o menos 2007 y 2013, el Blues Punk Drunk Junk de Tupelo Bound para contrarrestar y vivir en el reverso oscuro de la belleza de aquellos. Damián Howson (batería), luego sustituido por Juanillo Basura, Max Fernández (guitarra) y Paco Báez (voz).... el resto de ambas agrupaciones, como diría Richard Matheson, es LEYENDA.


"Oh, sadness, come
you know, i felt that thing
are you worried about me?
thanks, sorrow, to be by my side".

II. JESÚS CRISTAL, EL FABRICADOR DE META EN EL DESIERTO:

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Clifford Records, al igual que los dos últimos trabajos de Blackberry Clouds (Blood on her Boots, Flies on his Wounds de 2015 y Farewell Songs de 2018) y que reconozco que tengo pendiente de pillar/escuchar, recoge el debut de PALE PREACHER, en inicio proyecto en solitario de F.J. Galacho (Vocals, guitars, piano, organ, bass, banjo, percussion) que surge en la parte malagueña de Wuhan y que lenta pero inexorablemente va transformándose en trío con Máximo R.B (Resonator, harmonica, organ, backing vocals) y Victoria Villa (Vocals, backing vocals, scythe) de tal suerte que graban, mezclan y masterizan en los clásicos HOLLERS STUDIOS este "Sadness Makes Me Less Unkind", cuyas ropas litúrgicas visten de maravilla el fantástico artwork de Manuel Luque, y me vaís a permitir una pequeña serie de incisiones a lo largo del texto (suturables luego, que nadie se preocupe) en forma de galería gráfica con las imágenes de los singles y del acabado. Por cierto, de lujo cómo queda el tacto poroso del Gatefold, detalles que a mí sí me importan.

Ah, por cierto, colaboraciones estelares aquí y allá de F. Barba (Guitar and steel), F. Mora (Bass y double bass), J. Lillo (Drums) y Luz Prado (Violin)... en sí, todo lógico viendo la trayectoria y formación de Blackberry Clouds a partir de ese Dry Winds y los dos posteriores, pero insisto en que tampoco estoy aquí para contar la historia de Málaga y remontarme a los Fenicios. Eso sí, antes de seguir, me encantan varios detalles Pro-Vida como son la dedicatoria a "The pharmaceutical companies producers of Sertralina, Mirtazapina, Diazepam and Paroxetina" y el necro-influencer texto de Jim Jones"No hay que tener miedo. No hay que tener miedo." (Rev. Jim Jones).

 

- "Andaba Jesús por Palestina, y viendo que uno se estaba comportando mal,
soltó La Palabra y le arreó una hostia, diciendo: te portas bien o te jodo la vida" 
- "Y Dio la vida y Resucitó por Todos Nosotros... excepto por tí, sí, tú... el de las gafas"

CORONEL MORTIMER

III. USOS Y COSTUMBRES MUSICALES DE LOS PREDICADORES PÁLIDOS. DEFINICIÓN, DEBATE Y APLICACIONES PRÁCTICAS DE LA PALABRA REDENCIÓN.

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Al más puro estilo Leonard Cohen, con bellísimo piano y grave voz, arropado por ecos sixties en la steel guitar y barroquismos noise en la lejanía, se abre en abanico esa maravillosa apertura casi Folk de "Dungeon". Estructura de himno gospeliano, con acogedor arrope de la voz de Victoria Villa, a caballo entre ese melancólico/séptico y poético Cohen o el último Lanegan, que hiede a charcos iluminados por lámparas de gas en la neblina del Último Día. Oda a la muerte o la mejor canción sadomasoquista después de "Venus in Furs" jamás escrita, es verdaderamente sobrecogedora en su simpleza vertebrada en plegaria. Imposible no acordarse de Nick Cave, Waits y otros entes con almas osteoporóticas, especialmente en cómo se acelera cargada de Swing pantanoso "Sorrow, Thanks", con buen arreglo de órgano (modo Farfisa) detrás como muro de contención psicorrágica. El estribillo, posiblemente lo más jodidamente pegadizo que me he echado a las orejas en mucho tiempo: "oh, sorrow, thanks / oh, sorrow, thanks / thanks for coming / i've missed you so much", que cada vez que estalla es seguido de una línea exquisita y sixties de la guitarra.

Muy intimista "Are You Gone?", quizás con ese puntito redentor de Lou Reed en solitario. La ejecución vocal es de maestro... el timbre perfecto mitad salmuera, mitad aguardiente pero sin traspasar el límite ni llegar al desgarro Blues. El acompañamiento de Victoria y la forma de desarrollarse el tema está también a un pasito de Micah P. Hinson. Harmónica, palmas y "señor, poséeme" en una fabulosa interpretación de "Daddy Walked in Darkness" de Hoyt Wayne Axton con un puntito casi marcial en la base rítmica... folk americano coqueteando con un ritmo procesionario y una fuerza descomunal que aporta la percusión.


Oh, gloria cuando le doy la vuelta al plástico y "Train Is a​-​Running" me trae a la cabeza a Wovenhand (menos a los 16 Horsepower). Vellos de punta tal y como los sentí en The Threshingfloor (2010)... perfectamente medidos los tiempos, con la voz en primer plano y la minimalista percusión haciendo que resalte todavía más un estribillo pegadizo como un sudario con cadáver abandonado en una escombrea, y que cuando suena por segunda vez se acompaña de una pequeña parte instrumental fantástica y a partir de ahí, la voz se torna lloro y la épica sube a flor de piel tal y como los gusanos salen de la carne putrefacta cuando aplicas agua oxigenada. Como una infección del alma, como una arteria que se rompe de la pena, el puto tren no solo pasa más de una vez, es que te espera el hijoputa para arrasarte si puede.

Sigue la crepuscular "Preacher On the Bench of Blows", contrastando con las dos anteriores en minimalismo. Prácticamente voz y guitarra, acaba convirtiéndose en una nana para dormir a niños muertos o una prédica de salvación para almas condenadas. Entra el piano (casi percutor) subrayando la melodía principal y se culmina con una pequeña línea acústica Morriconiana. Vuelta de viaje a la América Profunda de Iglesias de madera encaladas de blanco y Funerarias con ominosas buhardillas como negocio familiar en "(Aaaaaah) Jesus Is No Longer" que, permitidme que pare un rato y acompañe con palmas el violín de Luz Prado y luego comulgue con el ácimo pan mojado en alcohol destilado en barrica. Circense y arrebatador tema que preludia la sobria "Ballad of Will Hurt", cerrando por todo lo alto un álbum que se convierte en un clásico instantáneo desde ya.

Lo único que le pido a Jesús Cristal es que esto no sea cosa de un solo disco, porque esos drones apocalípticos que consiguen la steel guitar y el órgano entre párrafo y párrafo cantado tienen que continuar. O eso, o me temo que el Apocalipsis llegará, y tampoco me importará tanto tomarme mi tapita con Kool Aid.

https://palepreacher.bandcamp.com/album/sadness-makes-me-less-unkind


martes, 18 de mayo de 2021

SCYTHE / LIKE DRONE RAZORS THROUGH FLESH SPHERE - "EXECRATIONE MALEDICTA CONGESSIT" (THOTH TAPES 001, 2021)


"Silence, étres Mortels"
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El más soterrado underground extremo patrio nunca ha conocido el apoyo de la prensa musical por una sencilla razón. La prensa musical no suele adentrarse más allá de lo que es "enlazable" desde algún link, y si se trata de bandas como Like Drone Razors Through Flesh Sphere o Scythe.... bueno, eso no creo que vaya a ocurrir nunca, de la misma forma que a mí me resultó verdaderamente complicado llegar hasta EMANATION y destilar un quizás (infumable) extenso escrito (aquí). De igual manera que te encontrabas un apartado de correos en un flyer perdido para pedir información sobre una banda o alguna casete, acceder a las formaciones regladas de algunas agrupaciones de mediados de los 90 en el metal extremo hermético internacional provocaba más de un dolor de cabeza... es decir, todo aquello que no era distribuido por gigantes holandeses como Bertus o los papelitos de Mastertrax parecía directamente no existir, a lo que hay que añadir que en el caso de la leyenda de LDRTFS la cosa tiene miga porque las ediciones salen y se agotan con una rapidez extrema. 

Ahí entró la grandísima labor en el 2000 de los foros primerizos, metástasis digitales de difusión de información obscura, mistérica y carne de edición limitada. Ahí tope con el rimbombante, obsesivo nombre mántrico de Like Drone Razors Through Flesh Sphere (parece sacado de cualquier cuento de los Libros de Sangre de Baker) y ha tenido que pasar más de una década y media para conseguir completar mi Ouroboros de conocimiento y "acceder" a la persona detrás del proyecto. No os facilitaré datos... vuestro proceso ritual, vuestro estado cognoscible, es único, personal e intransferible. Como decían Unholy, "The Trip Was Infra Green". Así que haya podido reseñar, os dejo por aquí el texto de la "reedición" de Sacred Quietus a cargo de Zazen Sounds.

THOTH TAPES surge para aportar otro diente a la boca mellada del underground. Detrás del sello, Miguel Souto (Sudaria, Suspiral, Anoxia Records....) ejerce de dentista sonoro reparando las bocas sépticas acústicas con prótesis putrescentes como lo es esta maravillosa primera edición formato Split Cassette entre SCYTHE y LIKE DRONE RAZORS THROUGH FLESH SPHERE. Por cierto que sobre Scythe tampoco os va a resultar fácil encontrar información... su Dysanaesthesia irrumpió por los foros donde frecuentaba allá por el 2013 con esa malsana forma de llevar a extremos Black, Dark Ambient y Doom dentro de una burbuja de oscura electrónica y producción Lo-Fi. La información sobre la LEYENDA (mayúsculas) de LDRTFS está escrita y dispersa en la red, así que no voy yo a pretender hacer un trabajo que es vuestro, y lo mismo digo de Scythe... dejadme que me vaya del tirón a la música. Por cierto, los más viejunos quizás recuerden una entrevista que se realizó en la fantástica publicación Reacciones Negativas a LDRTFS que si tenéis oportunidad de rescatarla disfrutaréis bastante (a ver si consigo permiso para escanearla y ponerla en la red o algo).

La cassette tiene un sonido espectacular, nada de ruidos de fondo innecesarios, pero sin perder ese ápice de irrealidad monocromática de la cinta magnética. Execratione Maledicta Congessit, que así se llama el asunto, de negro `corpus´ viene dentro de una bolsita de terciopelo negro con insert impreso a la antigua usanza con su sangrecita esparcida y esos detalles hematofílicos que hacen la vida más agradable. La distribución de los temas es algo liosa... Execratione Maledicta Congessit se divide en cuatro partes, las dos primeras con cada proyecto en solitario, y las dos últimas en formato conjunto.... apertura de Scythe con unas letárgicas notas de piano, una batería ponzoñosa y sibilantes toques de lo que parece un teclado minimalista que me recuerda a los primerísimos usos ululantes del sinte en Varathron o Rotting Christ (allá por Satanas Tedeum o Passage to Arcturo). 

Black Doom pero desde el acercamiento avantgarde/experimental que da un tempo por lo general lento y una guitarra histriónica que inevitablemente me lleva a esos aberruntos extrañísimos que habitan en el fondo de catálogo de Crucial Blast o Cold Spring. Funestos pasajes ambientales conectan con Unholy quizás, posiblemente por la extrañísima base rítmica y lo triposo del resultado.... fundido a negro magnético y entra LDRTFS con burbujeante uso de teclados analógicos tipo Korg. Cósmicos vientos estelares, cantos homiliescos/ litúrgicos que llegan muy lejanos en lo que parece una suite compuesta en clave de Dungeon Synth por lo aparentemente simple de las líneas melódicas pero jodidamente efectivo de la atmósfera. Cuando entra la guitarra distorsionada, o lo que sea que produce ese malevolente acople, tus hemisferios están definitivamente separados pero todavía eres capaz de captar entre esa vorágine de ruido unos lentos tonos/toques hipnóticos y repetitivos de fondo completamente alucinantes (me recuerdan a "Dunkelheit" de Burzum pero más enterrados en la mezcla). Lejos de perder fuerza, se añaden elementos y dejas de hacer pie para flotar por pasajes opresivos pero de una belleza arrebatadoramente fúnebre. Más quisiera la gran mayoría de bandas de Funeral Doom poder llegar a estas cotas de intensidad.


Cierra la Cara A ambos proyectos en conjunto. Electrónica en una sístole/diástole como base percusiva, fondos de guitarra abotargados como un cadáver en salmuera y lo que es un inexorable pulso existencial. Los acordes de guitarra están tan espaciados que necesito una atropina sonora para poder captar el conjunto, pero como estoy habituado a estos tempos, pronto estoy metido dentro del `todo´ minimalista de "Execratione Maledicta Congessit III" y "Execratone Maledicta Congessit IV" que abarca toda la Cara B con el reverso oscuro de la anterior. Blast Beats de corte casi industrial son la plúmbea cabalgada de unas guitarras de afiladísimos riffs que me recuerdan a los propios EMANATION o la piñata roma oxidada "susto o muerte" de TEITANBLOOD. Determinados juegos vocales entroncan con Bethlehem o incluso Ataraxie... es decir, la sensación que se tiene es de estar ante algo más sacado de la manifiesta depresividad de Emil Ciorán que de los bosques nevados nórdicos.

Se me ocurren muchísimas razones más por las que recomendarte una y mil veces esta obra de arte. SUBLIME, DEVASTADOR.

 


jueves, 13 de mayo de 2021

REGEN GRAVES - "HERBSTLICHT" (PARIAH CHILD CD012 / BLOODROCK RECORDS BRRCD036; 2019)

Hace apenas unas dos semanas os traía por aquí a la leyenda TONY TEARS y su fantástico nuevo trabajo The Atlantean Afterlife donde el músico de Génova Regen Graves participaba a los teclados. Parte integrante de los fabulosos Abysmal Grief, y alguna colaboración con los más progresivos Malombra, el proyecto en solitario REGEN GRAVES data más o menos de 2017 coincidiendo con la edición de la cassette Doctrines of Fear, a la que sigue The Cruelty of Hope (2019) en uno de mis sellos de cabecera, At War With False Noise. 

Herbstlicht, que ya tiene dos años, es el disco que os presento hoy, sacado en formato digipack por Pariah Child (UK) / BloodRock Records en lo que me resulta un fascinante ejercicio de Dark Ambient pseudocinematográfico al más puro estilo Umberto, Zoltan, Rashomon (podría encajar perfectamente en sellos como Cineploit o Dagored) e incluso detalles propios de los discos más minimalistas de Coil o Cyclobe.

Cuando uno escucha música relacionada con este tipo de proyectos italianos no puede evitar dejar de lado la sensación vívida de estar inmerso en una película de los años 70, con esos fotogramas en cinta magnética abrasados por el bamboleo de viejos rodillos de proyectores. Así se siente en la fotografía que engalana la portada, atemporal y que invita al decaimiento, la nostalgia y la zozobra. 46 minutos de un fluído y orgánico Dark Ambient que comienza oscuro con Das Morgengrauen (El Alba). Serradas notas de osciladores (Korg MS) tendiendo una siniestra y asfixiante pátina donde serpentean espaciales y minimalistas giros de los potenciómetros. Un Soundscape que se va deslizando como un alfilado escalpelo sobre carne abotargada por el tiempo.

"Leere Straßen" (Calles Desiertas) apunta hacia el Horror synth italo al más puro estilo Simonetti o Goblin. Perfectamente podría adornar cualquier film perdido de Lucio Fulci o ser una bastarda grabación de Fabio Frizzi descartada para The Beyond (L´aldilá). Muy buenos los toques acampanados, casi sinfónicos y el aroma espacial de los osciladores caracoleando. La soledad no solo queda patente en la portada, sino en la mastodóntica (12 minutos) "Der Erste Schnee" (La Primera Nevada) donde surgen lejanas voces radiadas, espectrales y carentes de alma... como la luz de las estrellas muertas que nos llega miles de años después. Voces masculinas, femeninas o cánticos infantiles que ponen la piel de gallina... discursos acompasados a un constante flujo melódico al inicio, luego girando hacia ciertos atisbos del Kraut más electrónico, experimental y oscurantista. Sin histrionismos, transcurriendo todo en una línea suave y meditativa, a veces me recuerda a la heladísima atmósfera que rodea al legendario proyecto finés Jääportit.

Sigue "Besuch" (Visita) con cierto aroma a Dungeon Synth y unas herméticas voces en segundo plano. Sábanas de sintetizador con ligerísimas variaciones y una cacofónica melodía infantil procedente de lo que parece una caja de música y roce de cadenas son más que suficientes para ponerte en un estado de consciencia particular. Más cercana al Noise experimental conforme avanzan los minutos, se va dirigiendo inexorablemente a un catártico clímax al más puro estilo película de horror años 70 con una especie de discurso/homilía litúrgica con ecos eclesiásticos. Puede parecer forzado, pero me recuerdan a los portugueses DEFUNTOS pero despojados del Black Metal. Por primera vez aparecen bases rítmicas en "Zersetzung" (Descomposición), simple y directa, sirve como epílogo corto y paso a "Rote Blätter" (Hojas Rojas), resumen de todo lo anterior y todo un colofón de 11 minutos que se mueven con la impronta volátil del humo de un pebetero tóxico, mitad Misa Negra a lo Jacula (el espeluznante órgano), mitad cópula onírica con íncubos y súcubos.

Un must-have para los amantes de estos estilos. Especialmente recomendado.

http://www.pariahchild.co.uk/

https://regengraves.bandcamp.com/album/herbstlicht

martes, 11 de mayo de 2021

CONDE - "LA CANCIÓN DEL RÍO" (DISCOS BELAMARH BL07, 2021)


El nuevo trabajo de CONDE por Discos Belamarh responde a esa categoría arriesgada que suele habitar entre la poesía y la música. Cada uno de los temas de La Canción del Río discurre por un meandro existencial diferente dando como resultado un bellísimo disco de canciones trabajado con el mimo de un artesano, algo que resulta palpable merced a una forma de escribir letras en peligro de extinción, Aunque no me atrevo a decir Canción de Autor hay un sello personalísimo que hace a CONDE único en su forma de expresarse, tanto musical como letrísticamente, así que permitidme que invierta el término y hable de Autor de Canciones. Conde es un Autor de Canciones perteneciente a esa estirpe todavía viviente de músicos con raigambre, atados telúricamente a la belleza de la música y con `trayectoria´... precisamente una palabra tan denostada en estos tiempos de cultura rápida, vacua y de usar y tirar. Es verdad que nadie es cualquiera pero no todos los cualquiera son alguien.

Musicalmente el álbum es lo que a mí me gusta llamar un jodido clásico que se disfruta mejor de un tirón porque cada canción da paso a la siguiente de manera orgánica y sin histrionismos.... no es un álbum conceptual en sí, pero sí que tiene la conceptualidad justa para que necesites completarlo entero y sentirlo dentro como un viaje. Desde esa apertura inicial homónima de "La Canción del Río", suerte de Caronte sonoro, parto metempsicótico plagado de baterías programadas que se funden al final en bases de Trip Hop, fondos de teclados atmosféricos y adornos de piano, a la emotiva "¿Quién nos Llorará?, tan íntima que me cuesta describirla con palabras... si lo psicorrágico puede ser también música, sería como ponerte una clavija jack en el alma y escucharte "vivir" con los auriculares. La voz más barítona de Conde se arropa de una atmósfera apagada pero no oscura. Un fondo lo suficientemente sobrio para acompañar una interpretación vocal a flor de piel que recuerda a esos grandes `crooners´ de la canción española en los 60... un Getsemaní de lágrimas que contrasta con la pegadiza esencia de SynthPop en "Agujas Eléctricas" o "España es una Casa con mil Habitaciones".

Una preciosa melodía de piano acompaña de forma minimalista "Donde Duermen las Canciones", hasta que se van abriendo sincopadas bases percusivas electrónicas que casan a la perfección con la voz de Conde. Enaltecedor y luminoso, anímicamente te dirige a las sencillas melodías de Pop atemporal de "Los Días Amarillos" y "nihilismo y Rock & Roll". Quizás si tuviera que quedarme con un solo tema, sería para mí sin duda "Una Tienda Abierta de Madrugada", fascinante con sus coros de Melke Schönhütte... si David Lynch hubiera llamado a Conde para cerrar alguno de sus capítulos de la tercera temporada de Twin Peaks en el Bang Bang Bar creo que este tema habría encajado a la perfección, aunque no le va a la zaga la intensidad de "El Último Vals del Verano", exquisita en detalles (pianos, cambios de ritmo, distorsiones de guitarras...) y soberbia en el apartado vocal. 

El tramo final es maravilloso. "Si Muero alguna Vez" tiene una impronta curiosa; a veces me parece un bolero y en otras capto detritus de Bosa Nova... dan igual los estilos porque es tan sobrecogedora y trágica como una puñalada en un pulmón mientras inflas un globo en una fiesta de cumpleaños de amigos muertos. Siempre vuelven, como los recuerdos... esos viejos pensamientos en carrousel letárgico, abotargado y oleoso. ¿Conocéis esa sensación de flotar en tu propio sueño?... pues "Un Cielo Interrumpido" alcanza cotas tan bellas en lo letrístico como esta maravilla: "Dicen que ya conocen el verbo y la carne, que dominan el medio, que entienden la vida, que doman el mar / Dicen que en este mundo hay señores y siervos, dicen que hay mil expertos en todas las cuitas de la humanidad".


"La Vida es un Milagro" cierra el disco pero en ningún caso es el final del río. Todavía no ha desembocado en el mar, eso lo tengo claro. Vamos a remontarnos río arriba, a ver a dónde llegamos:

I. Mucho antes. (ENERO).

"La verdad es que yo siempre he estado sobre el escenario. Empecé como solista de un coro infantil a los siete años, así que llevo toda la vida sobre las tablas, pero yo diría que fue el día de mi primera actuación con mi flamante banda de rock en el Auditorio Eduardo Ocón de Málaga. Tenía 16 años y no fue el concierto en si lo que me llevó por esta senda, por mucho que hubiera disfrutado en él, que lo hice. Lo que me llevó a decidirme fueron dos chicas que me besaron apasionadamente cuando se acabó el bolo, en ese momento supe que esta profesión era la mía".

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II. Segunda Toma. Dejadme que insista sobre antes. (FEBRERO).

"Bueno, empecé muy joven con una banda llamada Sociedad Anónima, que pronto empezó a llamarse Cámara. Con Cámara grabamos dos discos, el primero fue un EP compartido con otras tres bandas, entre ellas Danza Invisible y el segundo fue un single para el sello Tres Cipreses producido por Eduardo Benavente unos meses antes de morir. Un tiempo después montamos una banda llamada Serie B con la que grabamos varios discos e hicimos muchos bolos, con Mosquitos hicimos dos álbumes, el segundo de ellos producido por Phil Manzanera y grabado en su estudio a las afueras de Londres. Tras ellos, monté Harry Octopus y grabamos varios discos, también, luego vinieron un par de bandas con las que solo hicimos conciertos, estas eran Cinnamon y Basmatic, por último creé Santos de Goma, con los que hice tres discos y muchos conciertos. Luego me cansé de las bandas y ahora estoy más solo que la una"

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(Sociedad Anónima)

III. Entre antes y ahora, dejar las bandas. (MARZO).

"Supongo que el hartazgo y el cansancio de tirar de una banda durante tanto tiempo. Cuando uno supera los treinta años es imposible mantener una banda más o menos unida si no se gana mucho dinero o no tienes demasiadas ambiciones y lo haces por puro placer. Cuando la gente tiene que trabajar y mantener una familia es muy difícil llevar adelante una banda con pretensiones de hacer algo serio.  Es muy complicado alcanzar consensos, viajar, tomar riesgos y perder dinero cuando tienes que madrugar cada mañana. Tener una banda es lo mejor que se puede hacer cuando eres joven y estudiante, pero después puede ser una losa demasiado pesada. La carrera de un solista es más solitaria pero no tienes que discutir tanto".

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IV. Poco antes pero no tanto, un batería lanza mortíferamente una baqueta. (ABRIL).

"Supongo que fue el concierto que hicimos con Ella baila sola!!! No sé qué pintábamos allí, la verdad. He tocado muchas veces en la Feria de Málaga, pero siempre eran carteles equilibrados de bandas más o menos afines, pero ese concierto lo recuerdo como un bolo fallido en el que no nos sentimos a gusto en ningún momento y supongo que Antonio (el batería) expresó de una manera muy gráfica el sentimiento que nos embargaba"

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(Santos de Goma)

V. Hace no demasiado tiempo Corcobado dijo que Conde era un Crooner. (MAYO).

"Bueno, no sé si hay mucho que explicar, en realidad, supongo que le gusta como canto jajajajajajaja. No sé, en España no hay demasiados `conservadores´ de esa tradición antigua, casi de museo. Aquí los crooners se confunden con los cantantes de `Canción ligera´ que son igualmente respetables y maravillosos, pero no son lo mismo. Los crooners deambulan, digámoslo así, por zonas algo más oscuras del alma humana y eso sí que es algo que tanto Javier como yo tenemos en común con algunos de los gigantes a los que que admiramos".

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VI. La composición siempre estuvo, antes y ahora. (JUNIO).

"La verdad es que no imagino mi vida sin la composición, puedo imaginarla sin actuar, el escenario no es tan importante para mi, pero hacer canciones y grabarlas es una de las cosas que le da sentido a mi vida, creo que no podría vivir sin eso. Mis canciones son yo mismo, ellas me representan, absolutamente, aunque hablen de otra cosa siempre acaban hablando de mi, de alguna manera. Uno no elige esta profesión, la profesión te elige a ti y es casi imposible abandonarla. Cuando te han encerrado  en esa intangible y maravillosa prisión que es la música ya no puedes escapar.

Espero que algún día alguien me llore, eso significará que le importo a alguien, pero yo poco puedo hacer aparte de intentar ser buen tío, un tío que vive muchos días amarillos pero también de otros muchos colores, tengo una tabla de pantone vital a mi disposición".

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VII. Antes de ayer, un disco con un propósito. (JULIO).

"Lo grabé prácticamente solo ya que no podía disponer de ningún colaborador, ni siquiera podía ir a un estudio de grabación ya que estábamos confinados. Pero a mi me gusta hacer virtudes de las carencias y pensé que era la mejor manera de contar una historia tan personal, hacerlo en mi casa y completamente solo, pensé que era, en realidad, la única manera de hacer este trabajo. Aunque me costó mucho hacerlo ya que en mi casa no dispongo de un estudio profesional ni tampoco yo soy un gran técnico, pero aún así, estoy satisfecho del resultado y he aprendido un par de cosas en el proceso.

El río del que hablo es el tortuoso río de la vida. La canción del río empieza con una muerte y un traslado a otra ciudad, y acaba en un milagro. Ese río nace de las nieves de las montañas, recorre valles, fertiliza desiertos, se oculta en cavernas profundas, atraviesa pantanos, meandros y prados, ese río que con su agua trae vida y cuando se enfurece y se desborda acaba con ella. 

Ese río acaba su camino en el mar que es el fin y a la vez el principio de todo. Quizás me esté pasando de misticismo, pero creo que la imagen de un río fluyendo es para mi la metáfora más poderosa de la vida y la muerte. Las canciones fueron surgiendo de una manera natural y fluida cuando decidí qué disco quería hacer. Al darle forma a la idea general las canciones salieron solas, sobre todo la música, la parte lírica me costó un poco más porque a veces me daba un poco de pudor desnudarme tanto, pero en cuanto asumí que era necesario hacerlo la cosa fue como la seda. Las canciones debían ser diferentes entre si para poder representar mis cambios de humor durante todo el año que narra el disco, y de ahí viene la variedad que hay entre ellas.

Sí que hay un propósito, esas canciones están ordenadas así porque relatan hechos o sensaciones o emociones o sentimientos que se circunscriben a un mes en concreto. El álbum relata un año de mi vida a través de 12 canciones que son los 12 meses de ese año al que me refiero. Se abre con la muerte de mi madre en enero (La canción del río), `¿Quién nos llorará?´ habla de la pérdida del hogar y de los seres queridos y, en concreto, `Agujas eléctricas´ habla del dolor físico. Debido a la tensión tuve problemas con mis hombros que tuve que tratar con un tratamiento de fisioterapia en el que, literalmente, te clavan unas agujas eléctricas que deshacen poco a poco el lío de tus músculos. Es cierto que la canción también habla de mudarse a otra casa y a otra ciudad (que fue el caso) y del abandono: Pero en el fondo, es una canción de esperanza y de amor, aunque ese amor llegué a través del dolor".

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VIII. Después de ahora. (AGOSTO).

"No añoro en lo más mínimo el pasado, no miro atrás nunca, es parte de mi vida y ya está, son etapas superadas. No creo que vuelva a montar una banda, es más, estoy seguro de que no lo haré, no lo echo de menos, en absoluto. No sé si he madurado, tampoco sé muy bien lo que significa madurar, lo que sí soy es más viejo, y cuando uno envejece pierde la vergüenza, el miedo al fracaso y el miedo al ridículo. Los jóvenes están llenos de prejuicios y de miedos tontos que van superando poco a poco, dicen que la juventud es una enfermedad que se supera con el tiempo, y es verdad.

Uno va mutando a lo largo de la vida, lo podemos llamar madurez o simplemente cambios, no lo sé, pero a mi, hasta que no dejé atrás los cuarenta y tantos, no ha empezado a gustarme mi voz y las canciones que escribía.

Si algo significa madurar, quizás sea eso: perder el miedo".

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IX. Bloqueos y caídas de ahora y siempre. Seguir o no. (SEPTIEMBRE).

"No sé si existe ese `bloqueo´, yo nunca lo he padecido, la verdad. A veces me he retirado una temporada por puro hartazgo, pero siempre que estoy trabajando suelo estar enfocado y no tiendo a bloquearme, también es verdad que llevo ya muchos años en este negocio y soy perro viejo, me conozco todos los trucos.

Las frases a las que aludes son las preguntas que yo me hago casi cada mañana: ¿Realmente merece la pena seguir en esto cuando tan poca gente se interesa de verdad por tu trabajo? En realidad nunca respondo a esas cuestiones, siempre dejo la respuesta para mañana, al final nunca acabo de decidirme y hago una canción sobre ello, como `Nihilismo y Rock & Roll´. 

En España dedicarte a esta bendita profesión es llorar, la falta de respeto que se le tiene a la Cultura (y a sus creadores) es legendaria y uno, a estas alturas, tiene eso asumido, aunque no lo hace más sencillo ni menos dramático".

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X. Ayer se escribía un poco, hoy día no tanto, pero nunca se ha leído. (OCTUBRE).

"En España la prensa desde hace demasiado tiempo vive de la publicidad y eso es malo, muy malo. Primero porque debes favores a mucha gente (y quieren cobrarlos) y segundo porque la pasta de publicidad es caprichosa y veleidosa, no es leal. La única manera de ser independiente es no debiéndole nada a nadie, quienes deben pagar el sueldo del personal del periódico son los lectores. Los lectores son fieles, no te abandonan a no ser que tú les abandones a ellos antes. Entiendo que si no consigues el dinero para comer caliente a través de los lectores busques otras vías de financiación, pero entonces ya no debería llamarse prensa, quizás habría que buscarle un nombre nuevo, ya que es un nuevo formato.

Aunque, seamos sinceros, nunca ha habido muchos lectores de prensa musical en nuestra querida tierra".

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XI. Acaba de ocurrir en Discos Belamarh. (NOVIEMBRE).

"Yo creo que Luis, nuestro querido jefe unicamente responde a un criterio y este es su corazón. Él elige lo que le gusta, la música que ama, que le conmueve de alguna manera. No creo que tenga otro criterio que ese: la pura y genuina pasión por la música. Llegué al sello porque un día pensé que sería un buen sitio para mi, un sitio en el que se respeta el buen hacer del artista y se pone cariño en lo que se hace: Imaginé que aquí no haría frío y podría resguardarme de la lluvia los días de tormenta. 

Una mañana lo pensé, y debí lanzar un SOS al universo, ya que pocos días después, Luís se puso en contacto conmigo para hacerme una propuesta de cara al futuro. Yo le dije: claro, aquí tienes un disco y le mandé “La canción del río” terminado, no se lo esperaba, la verdad, le pille con la guardia baja. 

Lo nuestro fue un flechazo, supongo".

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XII. Mañana veremos. (DICIEMBRE).

"Siempre es un placer que a uno lo traten tan bien como en esta casa a la que espero volver cada vez que me invites. Muchas gracias y un abrazo muy fuerte a todos tus lectores y a ti. Por cierto, eso que dices es rotundamente cierto: la vida sin música es un error y la música sin vida una tragedia".

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https://condemusic.bandcamp.com/