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martes, 30 de marzo de 2021

ŠIROM - "I" (TORTO EDITIONS TRT006, 2020)

ŠIROM son una de las agrupaciones más alucinantes que os podéis llevar a las orejas dentro del siempre arriesgado panorama del Folk Avantgarde. Formados en Eslovenia como trío en 2015, han ido pasando por reputadísimos sellos como Glitterbeat y tienen tres álbumes hasta la fecha. Ahora TORTO EDITIONS de Italia reedita su primer disco I (anteriormente sólo en CD a cargo de los sellos Klopotec y ZARŠ) en un lujoso doble vinilo formato Gatefold con impresionante ilustración de Marko Jakše y añadiendo dos cortes de las mismas sesiones de grabación. En cuanto a los aspectos del sonido, se graba sin Overdubs en Posavec (Slovenia) para luego masterizarse (esta nueva edición de Torto) en La Pérgola (Tel-Aviv) por ni más ni menos que Udi Koomran (una visita por internet os dará el calibre de bandas con las que ha trabajado).

Formación de trío con Ana Kravanja, Samo Kutin e Iztok Koren (cada uno proveniente de distintas regiones de Eslovenia como son Kras, Tolminsko y Prekmurje, y a la vez partes integrantes de otros proyectos como Najoua, ŠKM BandaHexenbrutal, Samo Gromofon y Horda Grdih). Los instrumentos utlizados vienen a ser:

Iztok Korenbanjo, bass drum, chimes, percussion, balafon
Ana Kravanja violin, viola, voice, ribab, kalimba, bendir, balafon, percussion
Samo Kutinukulele, kalimba, voice, selfmade harps and steel drum, percussion, balafon

Adentrarse en los pasajes ensoñadores de ŠIROM puede ser arriesgado para el que reseña. Sin estar del todo (a pesar de los instrumentos usados) en la World Music, sí que cogen elementos de esta para llevar el grueso del sonido a un cruce entre Clásica Contemporánea y el Folk de tal modo que pequeñas bagatelas minimalistas (las arpas y detalles del violín) van vertebrando un bodegón acústico atemporal y difícil de geolocalizar. Si tuviera que dejarme llevar por un primer instinto, es sorprendente lo que se me repite en la cabeza la música Tuvan de las estepas Rusas y por ende también al Folk de Mongolia. 

Sin embargo, la profusión de pasajes minimalistas que invitan al hipnotismo tejen patrones vanguardistas que lo mismo pueden recordarte a lo Celtíbero que al Gagaku o al Gamelán de Java. Coger todos esos elementos y llevarlos a un terreno sin etiquetas es lo que convierte a ŠIROM en un auténtico enigma para mis oídos.


Se abre el disco con los 15 minutos de "A passage of Light on Return" de la forma más alucinante que puedas imaginar. Los instrumentos en una vorágine controlada (tambores, violines, cascabeles....) dan la sensación de ir a la inversa; inicio puramente Kraut Pastoral a lo Kalachacra, Siloah, primeros Popol Vuh, Sergius Golowin y sobre todo Witthüser & Westrupp. De repente, todo parece detenerse en un Drone mantenido (recuerda a una Shruti Box) sobre la que se desarrollan en capa dos melodías de cuerdas en contraposición que de forma sutil evolucinan a una estructura muy de Raga india punteada por la maravillosa voz de Ana Kravanja, los arranques de la Steel Guitar y el Banjo dando aroma sureño. Como en un bucle en espiral, entramos en el último tramo llevando la música a parámetros todavía más introspectivos... la viola, arpas y guitarras alteran el estado de consciencia tornándose sus sonidos en dúctiles y maleables. Soberbio.

Sigue la larguísima (17 minutos) "Trilogy" por derroteros similares. La Steel Guitar pronto se ve amenazada por un crujir que parecido al roce de una cuerda de contrabajo destensado; entran las percusiones marciales marcando un ritmo cuasi celtíbero (a un pasito del NeoFolk) que se toman ligero descanso cuando ruidos juguetones pasan a primer plano (cascabeles, toques abstractos de las Kalimbas...) y de repente, vuelta a entrar la percusión alcanzando un clímax que pone los vellos de punta. Un giro hacia la Cámara minimalista, plagada de vibráfonos y percusiones deudoras del Gamelán me llevan a una reflexión personal.... la música de ŠIROM se desliza dentro de un flujo y no cesa nunca; es decir, cuando se inicia, no hay interrupciones, vacíos ni paradas, sólo un chorro de sonidos que discurren a través de una acequia ornamental de energía ancestral en estado puro. 

Parar este flujo sería morir. Por cierto, como su nombre indica ("Trilogy"), el grueso se mueve en 3 motivos melódicos distintos donde el último de ellos resulta encomiable en tanto en cuanto me parece estar escuchando los sonidos del Cuarto Mundo de John Hassell pero sin electrónica o vientos manipulados.


El otro vinilo se compone en su Cara A por temas más cortos. "The Lonesome Has to Scent" es una preciosa melodía donde los instrumentos se tocan con arco (si mis oídos no fallan) dando un cuerpo y empaque vibrátiles al resultado. De cierto cariz fúnebre y más parca en instrumentación comparada con las grandilocuentes aperturas del primer vinilo, invita a la meditación en su mantenido flujo drónico. Un soundscape que más bien parece una herida en el alma por donde se va derramando la sangre de la psique. Sigue "Roar’s Soft Steps" que en un inicio casi se mueve dentro del Lounge o la Exótica.. ese primer Easy Listening / Spage Age adaptados a algo mucho más avantgarde. Pero es sólo el principio porque luego se torna abigarrada en sus eternos ritmos Gamelán. A mitad de tema muta con la aparición del toque grave del Bendir y ya estamos en terreno desconocido. La pequeña perla final "Tomorrow, Each Day is a New Day" la dejo al arbitrio del oyente. Para mí descomunal.

Comentaba que en esta nueva edición en vinilo de TORTO se recuperan dos temas de las mismas sesiones. "A Question Flung Across Bridges is Almost Like a Bang" perfectamente habría podido ser interpretado por flautas o algún instrumento de viento. En su primer tramo recuerda al Folk Chino por la cadencia circular del arco sobre la cuerda aunque lentamente van irrumpiendo percusiones minimalistas que discurren más bien por las estepas. Arpas y kalimbas anteceden un fantástico cambio de ritmo con el Banjo (si no me equivoco) tocado con arco y dobles voces difíciles de clasificar. Fin de fiesta con "I'm the Ostrich You Keep Seeing in the Neighbouring Hollow" que en cierta medida recuerda al final de "Trilogy".

Poco más voy a añadir sobre esta IMPRESCINDIBLE obra de arte.

https://tortoeditions.bandcamp.com/album/i


jueves, 25 de marzo de 2021

A.A.A. - "SATERNOTE" (LA TATUCERA , 2021)



Mariana Piñeiro, Jose María Pastor Sánchez y J.G. Entonado habitan en el acrónimo A.A.A. y sus dos primeros trabajos se remontan a 2017, Untitled y Untitled II que vine a reseñar por aquí. Si la memoria no me folla, o falla, este Saternote que os traigo hoy es su continuación directa, ahondando todavía más si cabe en los aspectos retorcidos de la música del trío. Músicos curtidísimos en todo aquello que tiene que ver con el Teatro, la Improvisación Libre o el Free Jazz, lo que ofrecen aquí bien podría ser un anexo apócrifo del Manual DSM-5 de Psiquiatría. Estructurado en 4 partes (se graba en 2019, sale físico ahora), suites, movimientos o qué se yo... pitracos quizás, cada uno bajo el subtítulo Zafarrancho de Xxxlocquio y editado en doble cd-r en digipack bajo los auspicios del colectivo lA tAtUcErA, estamos ante unos 80 minutos de Música Ácrata realmente difícil de definir en estado sobrio, así que me voy a mi fumadero de Opio más cercano armado con un bloc de notas y bueno, más o menos es esto lo que ha salido:


"Indudablemente, el musico acrata atenta contra el espíritu de una estetica convencional en el momento en que, apoyado en sus sonidos, plantea esteticas perturbadoras, contrarias al gusto del público y a la estabilidad del mainstream; la musica acrata no tiene otra alternativa..., solo nos quedará la opcion de un mundo mejor por llegar¡¡¡".

"Un Cuis en la Radio", "Un Ruso Pasó" y "Coming" van tan juntitas que comparten cierta estructura; percusiones extrañas, instrumentos de extraño origen electrónico (no estoy seguro, pero parece un Cello electrificado y modificado por pedaleras), junto a las magníficas ecolalias vocales de Mariana jugando a las homilías de salvación construyen cierto clima apocalíptico y surrealista, al borde del Dadaísmo y la Toy Music, especialmente en esos exabruptos de "Lasciate Mi" muy deudores del Zorn de los Parachute Years. Con todo, hay tramos en los que la base rítmica (batería y samplers o lo que sea) derraman una especie de Jazz Noir charolado brutalmente sugerente y puntuado por una electrónica salvaje de ondas aceradas que irrumpe en pequeños cortes de digestión acústica. Especialmente patente todo esto en "Un Chino, La Dentista y un Mosquito en Moscú", donde las influencias de Sun Ra flotan a la superficie; aunque el ambiente sea sosegado, hay cierta calma tensa en la calima acústica.


"La acracia musical constituye, fundamentalmente, lo que podríamos llamar una rebeldía visceral. Tras prolongadas sesiones de debate, llegamos a la conclusión de que el acrata musical es, en primer lugar, un individuo que se ha rebelado".

La segunda parte de Zafarrancho de Xxxlocquio entra con "Essss", básicamente percusión a lo Ed Blackwell o Colin Walcott, muy tribal y taimada. Advertencia a los oyentes fláccidos de corazón con la bestial entrada de "Tres Triples Timbres"... son 45 segundos pero tened cuidado, sobre todo si estáis con auriculares. Flauta, teclados Sun Ranianos, cascabeles y Entonado haciendo de las suyas a la voz en idiomas no terrestres en "Eldnz9". Técnicamente viene a ser como Mu de Don Cherry o los Heliocentric Worlds de Sun Ra pero llevados a Ganímedes Norte. "Washaker" riza el asunto con ruidismo y Pastor en estado de gracia; igual pero distinta (por las voces) es "Huida hacia..." con una excelente interpretación voltaica de Piñeiro en crescendos que ponen la piel de gallina, y contrastando con los Haikus biliosos dadá en "Es una Cruz Formada por una Barra Inclinada y una Flecha de Ida y Vuelta" en un fondo de teclados ásperos mellotronianos como sierras romas en un concurso de cosquillas. "Cosmo Dance" termina de dilapidar mis esperanzas de cordura con soundscapes espectrales producidos por un tratamiento extremo de la voz de Mariana, y todo a un paso de la música Industrial. Soberbio.


"La acracia musical, no es un concepto que se sella con una palabra. No es una teoría musical. Es una forma de concebir la musica y la vida: es una apuesta que debemos jugar día tras día. El sonido acrata vive y pervivirá, a pesar de los intentos por recluirnos en el olvido mas absoluto¡¡¡".

Tercera parte del Zafarrancho, segundo CD, y la larguísima "Norte, Sur y Transversal" donde se subliman todos los elementos del tema anterior. Aun clavando sus raíces en el Jazz, aparecen toques espaciales y ruidistas inclasificables como voces en vocoder que dialogan con exabruptos de lo que podría ser una trompeta modificada. Golpes metronómicos de un cuenco tibetano dan paso a un clímax bestial mitad Industrial, mitad Jazzero (gracias a la enorme percusión otra vez). "Histerioterapia Arabisca" sin embargo se mueve en terrenos Free Jazz con acetábulos de Teatro necrosado (etiqueta que encaja a la perfección con "Un Cuento para no Dormir"), de apretadísimas líneas a las manipulaciones electrónicas de Entonado, subiendo la necesidad de Litio para la estabilización mental justo en el momento de la entrada a "De cuando Adolf se pilló un Pedo"... ¿Hitler borracho haciendo guturales?... no, eso sería demasiado simple.

De las cuatro partes en las que se vertebra el asunto, esta tercera es sin duda la más agresiva.  Desde el diálogo obtuso de "Downtitude Jazz" con pátinas Doom (no estoy seguro si el vibrátil instrumento de fondo es un Contrabajo) a los devaneos deconstructivistas de "Facciamo una Chiacchierata" que incluyen unas encabronadas líneas retorcidas de guitarra eléctrica, instrumento que se vuelve a recuperar en "El Destino de Hutter y Ellen Murnau" (por cierto, mezcla de los nombres de los protagonistas de Nosferatu con el apellido Murneau). Es curioso, pero entre las entonaciones de las voces y los fondos musicales no puedo quitarme de la cabeza una mezcla Kraut entre Faust y Floh de Cologne, válido igualmente para "Sancocho Light".


"Corre corre que te voy a echar el guante......, le dijo el músico ácrata al músico retrógrado¡¡¡".

Si has llegado hasta aquí, eres más fuerte mentalmente de lo que te creías. "¿Cómo?" es una panfletaria homilía Ballardiana de Mariana con fondo musical de A.A.A. (las similitudes con AMM cada vez se me hacen más patentes). Uno de los aciertos en una obra bastante vocal es el equilibrio entre la parte teatral y lo musical, de tal suerte de que funciona a la perfección como `música escuchable´. Cada tema tiene su cuerpo musical independientemente trabajado y no son sólo recursos para que la voz se apoye y flote. "Experimental Band of Marcianitos Rockeros" se mete de lleno en el Jazz Marciano... profusión de teclados analógicos en duelo con la batería de Pastor, cosa que se acentúa en "Bruma". Es bastante curioso pero esta cuarta parte del Zafarrancho suena mucho más sobria y oscura no sólo en los teclados, sino también en los soliloquios grandilocuentes de Piñeiro acercándose a Lydia Lunch en la putridez de algunos pasajes ("In the Cave" pone los vellos de punta). Tramo final con "El Profesor Jirafales" (puntito Prog), "Allá Cerca y acá Lejos, ¿Viste?" en onda parecida y "Sobrevolando la Paella" cerrando en modo cuasi Noise. 

Una obra difícil de clasificar, avanzada como pocas, y que desafía la cordura del oyente merced a un triposo alegato ácrata que manipula los filamentos de una ciclópea bomba sonora. Las comparaciones suelen ser odiosas, pero es que lo de A.A.A. es de otro mundo.

viernes, 19 de marzo de 2021

JINÁ HUBDA - CZECH EXPERIMENTAL AND PROGRESSSIVE COMPILATION (DYSPHORICAM AUDIO PRODUCTIONS DYSAP 001, 2020)

La escena musical de la República Checa siempre me ha fascinado y no es casualidad que esté escribiendo ahora mismo estas líneas. Tirar de hilos hace que una cosa lleve a la otra y cuando te das cuenta, te has traido las tripas enteras de alguien. Pues bien, trazando una línea que va desde finales de los 60 y primeros de los 70 y la aparición de ese Underground militante de DG307 o la Plastic People of the Universe acabas llegando a lo que os traigo hoy... pero ojo, no es mi intención hacer un ejercicio nostálgico y sí dirigirme del tirón al presente de una segunda ola de experimentación en República Checa que, fíjense ustedes qué casualidad más extraña, doy con ella a través de sellos y músicos griegos. Y me explico. 

Hay ciertos paralelismos estilísticos en el underground musical de Grecia (mucho Noise, Punk y Freejazz) y esto que os presento hoy; a través del sello Sweetohm Recordings dí con un proyecto que me voló literalmente la cabeza y que he ido reseñando por estas páginas. Se trata de Uncle Grasha´s Flying Circus y bueno, podéis si os apetece investigar las reseñas del Split con Kostadis (aquí), otro con los maravillosos CALF (aquí), su impresionante último Stalinist God (aquí) y la joya de la corona, una larga entrevista con Willhelm Grasslich (aquí). 

Fruto de todo aquello, se me revelan Napalmed, grupo imprescindible de la escena Noise Industrial de allí y que hunde sus raíces hasta mediados de los 90; su cuya alma máter, el difícilmente clasificable Radek Kopel que acaba extendiendo sónicamente su legado en los brutalíficos Eine Stunde Merzbauten,  de quienes dicho sea de paso, os recomiendo N.S.M. (reseña aquí) y nESMysl (aquí). Lo que vino después es fácil de intuir... chico conoce a chico, chico presenta a otro chico a chico, todos los chicos hacen un recopilatorio que aquí os traigo, yo conocía a uno de los chicos que llama al otro chico y le dice que me mande la promo. Chico Yo recibe recopilatorio de todos los chicos y escribo una reseña no precisamente chica.

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DISPHORICAM AUDIO PRODUCTIONS es un sello de Brno dirigido por Josef Šetek. Su primera edición es este Jiná Hubda (traducido al español, algo así como `Música Diferente´), recopilatorio de 8 bandas de la escena (Blachut, Masáž, Ohne Stunde Minuten, Eá, Mankurt, Duobetic Homunkulus, Massola y Nachttante). Si uno lo analiza bien, no es un recopilatorio en sí sino un Split ya que cada banda aporta nuevo material para la ocasión (2 por cada cara del plástico), al igual que un pequeño booklet dedicado a cada agrupación. La edición es en vinilo de alto gramaje, gatefold, y con artwork del propio Josef Šetek

Prosigo con nuestras clases de idioma checo... el Lp 1 se titula Deska Duchovní (no, no tiene nada que ver con David Duchovny ni es ningún familiar...), traducido al inglés como `Spiritual Records´; la Cara A es Strana Lyriky (`Side of Lyrics´) y la Cara B Strana Nespoutanosti (`Side of Unrestrainty´). El Lp2 se autotitula Deska Materiální (`Material Record´) con la Cara A como Strana Kovu (`Side of Metal´) y la Cara B rizando el rizo como Strana Kávy (`Side of Coffee´)... ¿y esto en qué se traduce?... pues básicamente ne que las Caras A de ambos vinilos son de grupos con cantante y las B con instrumentales. Después de estas pequeñas nociones del idioma, vamos al lío:

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BLACHUT es un cuarteto con ex miembros de la banda hardcore Maso, y abren el recopilatorio con "Intro​/​Smysl". Bastante difíciles de definir, hacen una especie de (definido por ellos) Kraut-Core o lo que es lo mismo, una especie de Post Punk hardcoreta con una aplastante base rítmica, toques caucásicos del acordeón y voces muy particulares. El conjunto puede recordar a los dioses Už Jsme Doma pero menos progresivos y sin vientos aunque la experimentación (desarrollo casi neurótico, cercano a veces al Downtown Neoyorquino) y el espíritu Punk son más que evidentes. Sigue luego el trío MASÁZ que hacen una alucinante mezcla de música acústica y Grindcore; doce pequeños cortes titulados como los meses del año y cuyas letras se basan en la poesía de J. H. Krchovský. Ritmos entrecortados de la guitarra, abigarradas sábanas de la batería y partes de la voz muy cercanas al Zeuhl y al Rock en Oposición. Impresionantes los 45 segundos de "Červen" o "Červenec"... qué manera de concentrar en segundos toda una panoplia de recursos (doble bombo o voeces guturales por ejemplo). 

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OHNE STUNDE MINUTE o lo que es lo mismo, otra de las mutaciones cuasi aleatorias de Eine Stunde Merzbauten de los que os hablaba al inicio del texto. Ocho minutos de Noise, Industrial y trazas jazzísticas que te van horadando con su extremo uso de los acoples, las bases rítmicas aceradas y cualidad pseudo-bailable. "OSMinut" es estasis electrónica en estado puro a base de decenas de capas que se superponen de forma bastante esquizoide. Un diálogo imposible de máquinas desbocadas y sus homilías de glitches y feedback internos. Siguen , potentísimo power trío instrumental con un aroma progresivo en sus estructuras de la guitarra. Rozando la bizarrez del Zeuhl, pero pasado por la óptica sonora del Math Rock, presentan dos joyas como son "Phill Et" que pasa por todos los estilos imaginables con una facilidad pasmosa (Jazz Fusion inclusive) y el crudo "Phakt Amt" con un trabajo encomiable del bajo.

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MANKURT son una apisonadora metálica con miembros de Altvater Gebirge o Lionel Dixit. Un paquidermo de acero bruñido con toques Math Core y lo suficientemente técnicos para hacerte nudos irreversibles en las neuronas. "Nícení Struků" tiene incluso un toque Sabatthiano en la distorsión eterna de los riffs de guitarra, al menos antes de lanzarse a terrenos que rozan el Sludge; "Od Strojů!", por su parte recuerda a un cruce entre Machine Head y Messugah. DUOBETIC HOMINKULUS se forman con músicos de los grindcore !T.O.O.H.! y tocan un endiablado Death Metal técnico que no aburre ni un instante. De los dos temas que aportan me quedo con "Fotosyntéza" y su excelente incursión dentro del terreno de lo Avantgarde. Excelentes.

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MASSOLA han sido todo un descubrimiento. Una apabullante mezcla de Grind con Free Jazz al más puro estilo Naked City o Painkiller pero con un sonido propio. Traen cuatro nuevos temas (llevan en activo desde 2014). Vientos desquiciados en "Aokigahara" con un soniquete electrónico desquiciante de fondo, susurros guturales, asomos de melodías cuasi Klezmer a los vientos ("Hekatombé") y todo lo que se te pueda ocurrir. Me quedo con ese minuto y pico demoledores de "11 Cutting Moments" y los ecos guturales de la voz en el fondo; todo un descubrimiento de banda en la que tengo que ahondar y conseguir cosas de ellos. NACHTTANTE es otro dúo que tiran más por el espectro oscuro del Jazz a lo Bohren and Der Club of Gore, Deveykus, The Mountfuji DoomJazz Corporation, The Kilimanjaro Dark Jazz Ensemble o Last Call at NightOwls... ocho minutazos de "Sturmlineführer" que se te pega al cerebelo con su ritmo machacón y brumoso. Oscuro, hipnótico corte Doom Jazz que cierra por todo lo alto este impresionante recopilatorio, split o lo que sea. 


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jueves, 18 de marzo de 2021

MIGUEL SOUTO - "ODE TO THE TORTOISE, A tribute to La Monte Thornton Young " (PURE PATTERNS 001, 2021)


surāsurāṇām udadhiṁ
mathnatāṁ mandarācalam
dadhre kamaṭha-rūpeṇa
pṛṣṭha ekādaśe vibhuḥ

"La undécima encarnación del Señor tomó la forma de una tortuga, cuya concha sirvió de pivote para la colina Mandarācala, que los teístas y ateos del universo estaban usando como batidor".

Śrīmad-Bhāgavatam

Adentrarse en la figura hermética de La Monte Young y salir vivo es quizás el equivalente a descubrir el sentido de la vida. Convertir el ronroneo de una pecera en una composición o vibrar en la misma longitud de onda que los cables de alta tensión me llevan sin duda a unir su figura a David Lynch, sobre todo en esa tercera temporada demencial de Twin Peaks en la que la electricidad adquiere tintes cuasi antropomórficos y cuya producción de sonido es digna de tesis (realmente todas las obras de Lynch tienen un importante trasfondo sonoro). El significado ascético, prístino y brutal de La Tortuga como monolito imperecedero dedicado a lo inamovible / inmanente a su vez es eterno, va de la mano incluso con Teorías de la Creación (sobre todo asiáticas) espejo de lo cósmico y lo longevo.... una suerte de máquina de movimiento (sonido) perpetuo que figuras tan clave y rompedoras como La Monte Young descifraron a la perfección. 

Tomando ese punto de partida, Miguel Souto, de quien os he hablado bastante por estas páginas digitalesriza el rizo llevando al extremo otras obras suyas como son Lilith (aquí), Eurídice (aquí) y en menor medida Untitled II (aquí) para traernos en Ode to the Tortoise una suerte de oscuro, pútrido y eterno, circular y broncíneo Drone que se retroalimenta a sí mismo hasta el infinito en lo que se me antoja la exhalación del Universo entero. Dicho de otra manera, lo que escucho en estos más de 70 minutos son unos pulmones de metal que se vacían tras una inhalación que nunca ha ocurrido (porque el presente siempre se come al pasado)... son una espiración forzada en el Pranayama del Cosmos que vibra y resuena al pasar aire, electricidad, metal y madera por un Ciclópeo Tubo Corrugado, símil y reflejo pulmonar de una tráquea humana.

Dicho todo lo cual, a grandes rasgos, Souto usa los siguientes instrumentos: cello, violín de 5 cuerdas, una amplia gama de cuencos tibetanos, voz y generadores de ondas sinusoidales. ¿En qué se traduce todo esto?. Pues a pesar de que Ode to the Tortoise está radicalmente amputado de cualquier elemento percusivo, se mueve en unas cadencias y tempo similares al Gamelán más hermético (soy consciente de que estoy comparando una música totalmente percusiva con otra que no lo es) en lo que se refiere a microtonos y afinaciones no usuales (algo de lo que La Monte Young era un maestro). Para que se me entienda mejor, si cada nota que suena en el Gamelán y cada nota que suena en este disco de Souto pudieran ir dibujando una forma esquemática / mapa de sonidos, ambos coincidirían en sus trazos en al menos un 80%. ¿Y qué forma por cierto tendría ese dibujo?.... bueno, eso lo dejo a vuestra investigación.

Como pistas digo que ahondéis en el concepto de AKUPERA y las diversas Cosmogonías de cada etnia.

Primera referencia del sello Pure Patterns en un cuidado Cd-R, y con la colaboración de Alejandro Pedreira al euphonium en el primer corte, el álbum convierte 70 minutos en un suspiro con la particularidad de modificar tu estado de consciencia y hacer que el tiempo se moldee como plastilina saturnal. "Descenso a una Pequeña Región de Luz en el Reflejo del Afilado Colmillo Eufónico del Tigre Sinusoidal a través de la Razón Prístina de los Cuatro Tercios en el Enlace Metálico del Oasis Intersticial", que así se titula la apertura, tiene ese cariz onírico (prueba a cerrar los ojos y llevar la mirada al entrecejo) de la música atonal meditativa de la India, a lo que ayuda la cadencia barítona del euphonium, siempre cercano en espíritu a una shruti box. De fondo, las cuerdas del cello en un bucle maravilloso y atisbos vocales muy a la distancia. Sencillamente impresionante. 

Tras un crescendo contenido en el que el cello sustituye la melodía del euphonium, silencio brusco y entran los cuencos tibetanos en toda su amplia gama de metales con "La Versión Xenoarmónica del Quinto Sueño Glial en la Función Sigmoide tras la Ingestión de Hematoxilina, Jurema y Víscera de Bothrops Alternatus". Ondas sinusoidales procesadas tejen un fondo ominoso, catedralicio y en forma de loop caleidoscópico que ayudan a esa sensación de `flotabilidad mental´ que se capta mucho mejor con los auriculares (el roce de la madera con el cuenco se convierte en algo físico para el oyente).

La voz de Souto en una especie de Throat Singing, el frotar de cuerdas que parecen electrificadas (no estoy seguro de si se trata del violín) y un segundo `zumbido cósmico´ más al fondo proveniente del Cello rozado con arco se triangulan en una violenta Raga vertebrada en conjunto mediante un exquisito Drone meditacional que arrasa con todo lo que se encuentra como un flujo de partículas radioactiva. La música no cesa un instante, haciéndose referencia a ese concepto tan La Monte Young de lo eterno... y vuelvo a recordaros ese símil del aire pasando por una tráquea metálica AD NAUSEAM del inicio del texto. Fascinante la manera en que la voz se ha tratado en un ya no segundo plano sino tercero o cuarto, hasta el punto de que es difícil discernir cuándo es voz y cuándo son generadores de ondas. Estoy completamente seguro de que La Monte Young encontró el Bosón de Higgs mucho antes que la Ciencia simplemente acelerando sonidos y dejándolos en animación suspendida. La Ciencia está sin duda sobrevalorada. Lo que ocurre de aquí hasta el final del tema y cómo se funde con elementos de Noise, Industrial y Dark Ambient es tarea de investigación acústica vuestra.


Cierra "Ensayo Sinusoidal de la Versión Hexátona de la Oda a la Tortuga sobre el Quinto Grado en los Cien Ciclos por Segundo Derivada de la Sección Pitagórica de sus Sueños y Viajes", mucho más abstracta que las anteriores y haciendo hincapié en la generación de sonidos y ondas sinusoidales. Dicho de otra forma, un tono "puro", de una única frecuencia y constante sobre el que a penas se esbozan cuencos tibetanos. El símil con la Eternidad es de una simpleza que asusta.

Imprescindible.

"One of the aspects of form that I have been very interested in is stasis - the concept of form which is not so directional in time, not so much climactic form, but rather form which allows time, to stand still". La Monte Young


https://miguelsouto.bandcamp.com/album/oda-a-la-tortuga-un-tributo-a-la-monte-thornton-young

sábado, 13 de marzo de 2021

DOCE FUEGOS - "EL TEMPLO DE LAS CUEVAS" (SENTENCIA RECORDS SR009, 2021)

A pesar de que escribí largo y tendido sobre DOCE FUEGOS, proyecto de Miguel Palou, con conexiones límbicas hacia el hermetismo de Pylar, quisiera revisitar otra vez esa magna obra que es El Templo de las Cuevas desde una óptica diferente (la del directo ya la tenéis en la reseña que hice en su día y que podéis rescatar aquí). Por tanto, haciendo un poco de historia, la grabación (auspiciada por Pabellón Solar) se remonta a esa mágica noche del 2 de Mayo de 2018 en el Sacro Santo espacio de la Capilla de Afuera (Monasterio de la Cartuja), así que tres años ha estado enterrada esta grabación que yo conservaba en un CD-R autofabricado y que ahora ha tenido a bien SENTENCIA RECORDS publicarla en un bonito Digipack con artwork de Reuben Sawyer y maquetación de Gonzalo Santana

Al inicio del evento se repartieron 90 octavillas, una de las cuales tengo ahora mismo aquí presente, y de la que copio: "Este concierto pretende refundar un espacio de sacralidad inventada a través del sonido, dentro de los muros de tierra que confinan las vibraciones. Mientras que una capilla católica guarda un retablo con las hagiografías o la narración bíblica, la música en este proyecto busca ser el elemento que instituye el lugar sagrado y, a su vez, y que conforma un relato sonoro, abstracto y sin palabras: un retablo sónico simbólico. Es un viaje en lo material y lo inmaterial de muchas historias y nnguan; una suerte de cosmogonía atemporal, de ningún y cualquier lugar, aunque seguramente, de manera inconsciente e inevitable, esté en el Mediterráneo el foco de inspiración".

Cuando tuve aquella grabación en mi correo electrónico como regalo por haber asistido, y quemado un CD-R para la posteridad, me quedó claro que aquello era tan bueno que tenía que ver una edición física en algún momento. Intenté meter mano por aquel entonces para colocar la grabación a modo de obsequio en la Revista Karate Press, pero bueno, Palou andaba buscando sello y la cosa quedó en el aire, además de que quedaba realizar la prospección económica pertinente para ver si aquello no era una tontería Mortimeriana. Es bastante curioso que la segunda opción que tenía yo en mente era Ophüls, proyecto de Nacho Jaula que salió en digital... y digo curioso porque lo sacaría Sentencia Records que a la postre han sido quienes han acabado por editar El Templo de las Cuevas. Antes de seguir, hago un inciso enlazándoos a la entrevista con Miguel Palou (y reseña de las Demos) que titulé Las Piedras Sangran y donde os podeís hacer un perfil psicológico/musical sobre el artista.

Musicalmente, la obra se vertebra en forma de Suite con cinco movimientos que van desde el Dark Folk al Drone experimental. Partes camaretísticas en violento contraste con otros pasajes electrificados y con un incipiente metal presto siempre a eclosionar, percusiones tipo Bodhrán, cuencos tibetanos y Loops electrónicos mediante pedaleras grabadas `in situ´ magistralmente. Aunque se cite la escena neoyorquina como influencia en la Bio, para mí está más cerca de Current 93 y ese primer Neo Folk con trazas industriales de finales de los 80, o de la acidez Psych de Fursaxa, Espers o los proyectos de Tara Barnes (con Evangelista, OvO...), aunque es imposible dejar de citar a los Swans en la etapa más tardía con esos crescendos revienta esmalte dental de los últimos años.

"Obertura - La Puerta de la Luz" comienza con percusión (cuenco tibetano y bodhrán si no recuerdo mal). Violín acústico, violín eléctrico y mandolina se van usando en capas para crear un relato sombrío pero épico... los toques del violín electrificado y la distorsión de las pedaleras coquetean con Sunno)) y Earth elongándose hasta el imposible en una ruptura del espacio/tiempo al más puro estilo Bong. El pizzicato a la mandolina habla de un Folk necrótico, olvidado y perverso... no es oriental, ni sabría qué escalas usa (soy un amateur en esto), pero si tuviera que llevarlo a mi terreno, es como leer a Lord Dunsany mientras escucho las partes instrumentales de los discos de los austríacos Summoning. Absolutamente embriagadora la melodía del violín que entra en el minuto 7. Puro néctar sonoro cómo se va fundiendo la música en una serie de Loops que huelen a jazmín podrido y dando paso orgánicamente a "La Bruja Blanca: Amor, Vida y Muerte". Línea melódica ancestral del violín (celtíbera quizás) y todo fluyendo tan hipnóticamente como observar a 3 ranas saltar de un nenúfar a otro hasta el fin de los tiempos.

Preciosa joya incrustada a la mitad de la grabación, "Cadenza - El Toro y el León" es un soliloquio al violín a modo de puente a "El Árbol, el Lago, la Montaña", con Palou golpeando la madera con los nudillos y silbando, jugueteando con un minimalismo que se va rompiendo poco a poco a partir del minuto 3 y medio en que Palou comienza de nuevo a rasgar las cuerdas con los dedos en toques muy marcados que de alguna forma recuperan un motivo (score) que parece repetirse a lo largo de los 39 minutos, ya sea de forma patente o sugerida. 

Recuerdo a la perfección este momento del concierto y cómo la brutalífica amplificación del violín eléctrico se tragó por completo la acústica de la Capilla; una letanía pseudo Doom me puso media sonrisa en la jeta y a fuego lento, bien urdida... la música se transformó (transforma) en una marcha fúnebre apocalíptica para acompañar al sepulcro estelar a los Astros que se apagan. Un agujero cósmico que draga el Universo a ritmo lento pero inexorable. Percusiones gruesas, marciales y de cariz ritual terminan por llevar a "Finale - La Puerta del Ruido" a cotas de intensidad que más quisieran para sí la mitad de grupos de Drone. Tan, tan intenso resultó, que fuí incapaz de conectar después con Sangre de Muérdago.

Una edición absolutamente IMPRESCINDIBLE.

https://sentenciarecords.bandcamp.com/


jueves, 11 de marzo de 2021

HALTER - "FOR THE ABANDONED" (MFL MFL 012, 2015)

Tras Omnipresence of the Rat Race, la continuación se haría esperar dos años para la banda rusa de Death/Doom HALTER que vuelven a sacar el disco en MFL (Modern Funeral League). Año 2015 y con formación de quinteto... Wad (bajo), Vaness (batería), Igor y Mid (guitarras), y la profundísima labor a las voces de Alex Pyshkin. También por cierto colaboración a los teclados de Marina Ignatovich de los góticos Lorelei creando atmósfera y profundidad.  Un disco grabado con la misma formación que el debut y compuesto casi que de forma paralela.

For the Abandoned retuerce el sonido del debut en un compost mucho más lento y seco, con incursiones muy bien trabajadas hacia el Funeral Doom merced a una base rítmica plúmbea como pocas. Con la excepción de ciertos pasajes que tiran más del palo finlandés, vuelven esos riffs pétreos a lo Evoken o My Dying Bride, y siempre teniendo en cuenta ese enorme filón que es el uso de dobles guitarras tanto para el relleno del sonido como para lanzar pasajes solistas que evidencia un crecimiento importante como banda (el ejemplo está en la soberbia parte central del último corte "Ode to the Abandoned"). La producción es excelente por cierto... por poner una pega al disco, el artwork es bastante anodino y no refleja absolutamente nada la música que encontramos dentro (si cambias el logo podría ser un disco de Anathema de mediados del 2000) pero bueno, son cosas que siempre pueden estar al arbitrio de cada cual.

"...of the Part of Nature" ya evidencia cambios. Potente, lento y aletargado, el bajo se erige en toda su gloria con una soltura que no estaba en el anterior disco. Adornos épicos que parecen instrumentos de viento creados por el teclado le dan ese empaque que necesitan los discos de Funeral Doom para abrirse en abanico. Entra la voz de Pyhskin y todo vibra... se mecen las guitarras al ritmo de unos Mournful Congregation, Evoken y perlas del estilo. Toma tiempo hacerse con la melodía, pero eso lejos de ser un hándicap juega a favor de HALTER, sobre todo cuando (minuto 3 y pico) se abre paso la guitarra solista garabateando miseria a base de riffs que se mecen y quedan colgados hasta disolverse como copos de nieve. Ni rastro del aspecto romántico/gótico del género... más bien una alquitranosa maraña gruesa rellenando tus intestinos como un enema de poliuretano.

"Hunters' Brotherhood" mete ya detalles fineses y suecos en las guitarras pero sin perder el aire de miseria que imprima de carácter a todo el disco. Impresionante la profundidad de las guturales que me siguen recordando a Ophis en su debut. Sigue "First Snow" con una forma de abrir que pone los vellos como escarpias... al más puro estilo Amorphis primera etapa, aúnan el groove épico de las guitarras con la decadencia claustrofóbica del Doom. Para cuando se asientan todos los instrumentos, aparecen los ecos a My Dying Bride. Sin ser originales, HALTER tienen su propia forma de desarrollar la música y pocos defectos puede uno encontrarles.

Live, 2020. (Photo: Vyacheslav Kornilov)

Tramo final con "Pain Which Never Sleeps" encuadrado en un Death/Doom a medio camino entre Bolt Thrower y la Peaceville 3, con otro excelente muestrario del bajo. "Keepers of Persistent War" con la guitarra solista trabajando filigranas clásicas del género y un imperturbable Alex Curche abriendo su tráquea como si de un parque de atracciones se tratase. Fans de primeros Opeth, Amorphis, Katatonia, Rapture o Swallow the Sun... aquí tienen diversión asegurada antes de ese bestial monolito de doce minutos de "Ode to the Abandoned". Abre el piano de Marina Ignatovitch preludiando una caída libre, descenso anímico por esos recovecos imperturbables del mejor Funeral Doom en un más que notable disco. 

Y la historia sigue...



jueves, 4 de marzo de 2021

CAMECRUDE - "ENCLAVE II-II" ( CIORAN RECORDS 009, 2020)

"Sin Bach, Dios sería una figura completa de segunda clase. La música de Bach es el único argumento que lo justifica, la creación del Universo no puede considerarse un fracaso total" 

E.M.CIORAN

La particular visión existencial del Pesimismo visto por Valentín Laborde en su personal proyecto CAMECRUDE adquiere tintes litúrgicos de pesadilla gracias a lo que se me antoja uno de los discos de Dark Ambient Ritual más personales que me he echado a mis ponzoñosas orejas. A modo conceptual, se toma el Pesimismo Perpetuo de Cioran que hunde sus raíces en el antiexistencialismo y se fusiona de forma coherente y sutil con Shopenhauer o Kierkegaard. Todo ese bolo alimenticio depresivo se regurgita en forma de música Occitana, Industrial y Dark Ambient, todo cabalgado por ese sonido tan particular del Hurdy Gurdy capaz de agitar la calma paz de un amplio mar de serotonina. 

Creado (ideado) en 2017 tras actuar en L´Homme Sauvage Festival, CAMECRUDE edita Enclave I en una limitadísima edición de 120 copias en caja de madera negra, pulido y diseño a mano. Posteriormente en 2019 Cioran Records pone en circulación Le Danger D´engendrer donde Laborde se une al filósofo y escritor Roland Jaccard para realizar una alucinante mezcla de Dark Ritual, Filosofía y experimentación en estado puro. La continuación del proyecto nos llega de la mano de Enclave II-II, que repite línea argumental de caja de madera negra en cuanto al diseño, pero esta vez con 199 copias en circulación (incluyendo 2 láminas, libro ritual de 8 páginas y algunas más exquisiteces). En cuanto a la formación que graba el disco:

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Valentín Laborde - composición, voces, Hurdy Gurdy, Lyra 8, grabaciones de campo y ruidos.

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Clément Joseph Alexandre & Laurent Hayet (de Ginkgotuk) - percusiones adicionales.
Malou Rivoallan & Stase:Orgone - voces y letras adicionales.
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Todo el proceso de masterización corre a cargo de Cioran Records en los Haurot Studio y el impresionante, devastador artwwork es obra de Victor Tuurngaq dentro de una forma de trabajar bastante artesana y analógica a base de recortes. A nivel conceptual, los más de una hora y 40 minutos se dividen en una primera parte de 3 largos temas que tratan sobre el Insomnio y el Sufrimiento (ambos temas muy Cioranos), y una segunda parte que ilustra la brujería, el fracaso y los pactos suicidas, temas por cierto recurrentes en la escudería CIORAN RECORDS, donde se dan cabida a experimentadores musicales influenciados por la corriente del Pesimismo de E.Cioran, A.Caraco, E.Saltus, P. Wessel Zappfe y H.Roorda.

Una vez que pulsas Play, te ves metido de lleno en un triposo ambiente pesadillesco donde el Noise se mezcla a la perfección con el Dark Ambient y alguna que otra textura Neoclásica. Primeros Current 93 quizás como referente, la masa sonora es lo suficientemente original como para que te resulte complicado establecer algún paralelismo. "Les Maux: Minja Los Que Non Te Mingen" son 15 minutos alucinantes que van in crescendo. Ruidismo y lejanas percusiones militares/procesionarias se adueñan del fondo sobre el minuto 4... difícil discernir qué elemento pertenece a la distorsión y cual a los instrumentos acústicos. La voz de Laborde entra flotando sobre lo que se me antoja una de las bases percusivas más jodidamente marciales que he escuchado en los últimos años; recita, canta, vomita y se desliza mientras el Hurdy Gurdy se marca una repetitiva, mántrica melodía que ni es Folk, ni es de esta jodida Tierra. Al lado de esto Cyclobe de Ossian Brown y Stephen Thrower es música infantil. A modo de reflexión, a veces he tenido la sensación (sobre todo en la primera parte de Enclave) de estar escuchando a unos apócrifos Acid Mothers Temple rebozados con Der Blutharsch; y sé que es un símil extraño y difícil de explicar pero ahí queda.


Una maraña brutalífica de distorsión manejada por pedaleras se sirve de una retroalimentación ultracargada; cinematográficamente perversos y cercanos a las versiones más pétreas de Psychic TV y Throbbing Gristle, no hay segundo de relleno en Enclave II. La forma de abordar la Lira o el Hurdy Gurdy no son (o no responden) a pautas estándares, por lo que cualquier atisbo de estructura convencional se va a quedar corto. Sigue "Les Sorts: A La Tèrra Volatz" con las percusiones adicionales arriba comentadas dando un enfoque tribalista a lo Cut Hands (William Bennett) o Controlled Bleeding. 

Con una fuerza pecusiva demoledora, asoman ligeros toques de Darkwave y no puedo evitar acordarme de los discos más arriesgados de olvidados grupos franceses (comparación lejana pero creíble) como Rajna, Am Ganeshan, Ashram o Elend....pero claro, en CAMECRUDE todo es más filoso, ancestral y primitivo, quizás obedeciendo a impulsos reptilianos de la psique humana. Brillan las voces en modo de cánticos Occitanos (un poco a lo Stille Volk) y largo fade out de Harsh Noise. Impresionante.


"Interlude" es la molécula de oxígeno olvidada que necesito para seguir vivo dentro de tanta energía negativa, un pequeño oasis hasta que entra el Hurdy Gurdy otra vez en plan Apocalyptic Folk con "La Mort: Précis de Décomposition". Si los viejos constructores de Catedrales supieran que toda su Magna obra Fulcanéllica puede derribarse con los circulares compases drónicos de Laborde, se levantarían de sus aciagas tumbas para acallar el histriónico vaivén de las notas y los salmódicos cantos que erosionan las antiguas piedras extraídas de angostas y ciclópeas canteras. La electrónica es telúrica y parece emular instrumentos de viento tocados por olvidados dioses sépticos... fascinante cómo disuelven (solve et coagula) la música en los últimos cuatro minutos en un anticlímax de Dark Ambient de cariz ritual que te saca el tuétano a bocados industriales, voces rayanas en el throat singing y un intenso, inacabable loop. Como bailar un Vals a ritmo de Nurse with Wound. FIN DEL PRIMER CD.

"A somno mortis pravo
Omnia mors perimit
Et nulli miseretur.

Du mauvais sommeil de la mort
La mort détruit tout
Elle ne respecte rien"


"Anathème" huele a carne cruda. Ruido de moscas, amenazante sintetizador y un acople distorsionado crean un pulso sobre el que se elevan las voces dentro de lo que es un corte con aires a `Miserere´ clásico. Amantes del sonido Cold Meat Industry tienen aquí un filón inabarcable... voces Power Electronics, fondos musicales bombásticos recuerdan a los primeros Blood Axis, Sol Invictus o No Festival of Light. Contrastando con tanta acritud, teclados propios de la Darkwave y ecos a Laibach pasados de rosca... sigue "Rituel d'Avortement", al más puro estilo de mis idolatrados PYLAR pero dejando de lado al metal (si me ponen un cuchillo al cuello, los toques electro me suenan a los últimos CANAAN)... impresionante la cantidad de recursos de Laborde a la zanfoña.

Acojonante "La Jambe Crue" pulida por lo bajo en el Lo-Fi dándole si cabe un toque más ritual si cabe. La melodía principal y la suciedad de conjunto te traerá a la palestra a Christian Death pero puestos hasta las cejas de polvo de tumba esnifada y las letras... bueno, las letras se te clavan como un mantra gótico de esos que se marcaba en los primeros años noventa Anna Varney Cantodea (Sopor Aeternus): "Plora plora ploricós, cantaràs quan sias mort / Pleure, pleure, pleurnicheur, tu chanteras quand tu seras mort" suena en la anterior "Ritual D´Avortement" o ese latín infecto contagioso en "Anatheme": "A somno mortis pravo / Omnia mors perimit / Et nulli miseretur".


Imposible no acordarse de los últimos discos de Elend (Sunward the Dead, A World in their Screams) con los fantasmales ecos de "La Malor", que da en tornarse aquelarre allá por el minuto 2 y pico poniéndome los vellos como escarpias. Si te queda hálito, bienvenido a la psicorrágica y casi bailable "Broishami" o la decadente "Tableau d'Inconstance", prestando especial atención a las voces de Stase:Orgone en "Sauge Lente", suerte de requiem con una base de Hip Hop francés tremebunda. Ocho minutos increíbles de poesía necro existencial (¿alguien recuerda a Eros Necropsique?); simple, directa y muy, muy oscura, brillan las notas de synthwave y la retorcida letra (podéis leerla aquí). Vuelve la marcialidad occitana del inicio con "Que Las Arraditz Que't Sèquin" con un recitado simplemente espectacular y a la sazón oscurísima respuesta al Pagan Folk de cosas como Sangre de Muérdago.

Lo de CAMECRUDE me ha dejado totalmente tocado. Es realmente complicado expresar con palabras la intensidad de las composiciones de Laborde y esa fantástica línea de trabajo entre la electrónica y las posibilidades de la zanfona. Quizás ese broche final de "Vœu d'Échec" pueda ayudar a empezar por abajo e ir subiendo a lo largo de un disco (Enclave II-II) que tiene tantas posibilidades de lectura y orden como tragedias tiene la vida.

«El hombre despide un olor particular: de entre todos los animales sólo él apesta a cadáver.»
CIORAN


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martes, 2 de marzo de 2021

VVAA - "SYNTHOMES" (EX-NIHILO RECORDS 011, 2020)

Muy poca cosa puedo añadir al maravilloso texto de presentación de SYNTHOMES que realiza Javier Piñango recogido en la contraportada del digipack editado por la plataforma artística EX-NIHILO RECORDS. Piñango establece varias posibilidades de relación entre sintetizador y sintetista... a la sazón, la más débil, la de simple coleccionismo fetichista del objeto. Más interesante es la de `conversión´ musical de la aguerrida máquina en `instrumento musical´.... es decir, Piñango nos sugiere una comunión sincrética del músico con su aparato (o quizás un duelo Músico vs Aparato, dependiendo del Feedback de descarga o residual) desde una óptica académica que no tiene nada que envidiar al abordaje de cualquier músico con respecto a su guitarra, flauta, mandolina o lo que diablos queramos citar. 

Existe algo anárquico en el uso del sintetizador; en sus ásperas curvas serradas, sinusoidales o triangulares y en su infinita multiplicación de los potenciómetros... es quizás ese Deus Ex Machina lo que a algunos les da tanto pavor en la música experimental. SINTETISMO viene de Anarquismo de Síntesis y se remonta a 1888, la así llamada técnica pictórica francesa y el trabajo artístico de Gauguin, en batalla perpendicular contra el Impresionismo, y que puede reducirse a la simple premisa de: "obtener una cosa combinando varias". En cierta medida el sintetizador es un enorme aparato de dibujo anárquico donde la suma combinatoria nos lleva a paletas expresivas sonoras que rompen con el proceso creativo tradicional de digamos, componer por acordes en una guitarra española.

Así que en los 5 cortes del álbum tenemos a 5 sintetistas y sus consiguientes sintetizadores, y de su manipulación obtenemos como resultado esta maravilla de Synthomes, coordinada por David Área y Tomás Gris, y con dibujos/artwork de Marta Román. Sólo nos queda pulsar Play para ver quién tiene el sinte más largo...

José Guillén, armado del Clavio Nord Rack 2K arremete en los 9 minutos de "Un Sastre Giróvago" en lo que se me antoja una nana espacial para robots nonatos, cíclopes y con ambas piernas amputadas. La textura del sintetizador casi balbucea antropomórficamente cuentos de chatarra; subidas y bajadas de impulsos, glitches, eructos imposibles a través de una tráquea de acero. La maravillosa palabra Giróvago habla de lo errático, del vagabundeo imposible de notas cuasi aleatorias que cuando se juntan forman trajes (Sastre) de sonidos con sus complementos y abalorios pertinentes. Fantásticas las partes percusivas tubulares/en campana y ese aire de soundtrack apócrifo de Tetsuo que imprima de carácter a toda la música, y el largo y mistérico fade out final con partes propias de la Música Concreta y el Minimalismo Post Cageano.

El siguiente es Javier Piñango con su Korg MS20. "Ni Anvero ni Reverso" rompe el Statu Quo con una vibrátil capa oleosa que se queda en segundo plano como una fruta rasposa de esas que claman engordar o engrosar la epiglotis y la lengua. Como casi todo lo que compone Piñango a través de su arma de destrucción masiva, el siempre aniquilador Korg MS20, se siente en el plexo solar de forma física. Moldeamiento extremo del sonido en realidades de multicapa dan lugar a heridas anímicas (para que me entiendas, no es lo mismo limpiarse el culo con papel de lija que con un Scottex de 5 capas). Me gustan especialmente las partes en las que Piñango entra en el Harsh Noise Wall pero sin perder el norte... no habrá anverso ni reverso pero ÉL es ÉL. Su manera de sacar pequeñas extrema-unciones de consumo rápido sublingual son marca de la casa... es decir, de manejar los glitches y errores como burbujeantes calderos en los que si pegas la oreja notas la grandilocuente danza de las partículas en su lucha electromagnética.

Jose Luís Maire pilota un Modular Eurorack / Korg Ps-3200 en "L'oiseau Est Chanté Par Son Chant". Inicio amenazante con un agudo zurzado por notas más graves (y muy espaciadas) de las teclas. Parece que quiere entrar cierto sinfonismo decadente pero sigue desarrollándose al más puro estilo "In C" de Riley. Repetición hasta la náusea de un motivo melódico (patente o sugerido como es en este caso). Fantástico cómo se va agriando el tema sin perder esa base de las notas del teclado de tal forma que la sensación de `explosión inminente" se pega al paladar. Si te alejas del sonido (entiéndase esto a como cuando uno mira una pintura desde una perspectiva mayor y sin foco central), brilla un cariz oriental cercano a lo que se obtiene con una Shruti Box... es decir, un Drone luminiscente que me recuerda a Rafael Femiano con Oikos o algunos trabajos de David Cordero en tanto en cuanto hay cierta pátina metalera en el resultado final.

Siguen los 10 minutos de Cárlos Suárez con su Modular Doepfer / DIY, lléndose al lado más acre del Noise industrial con "Exéxese Do Caos", pero siempre con pequeñas bases y adornos propios del Dark Ambient. Por tanto, fácil de enclavar en esa base brutalífica de experimentadores de Cold Meat Industry por la frialdad de la producción musical y por meterse de lleno en el inhóspito terreno del Ambient Drone más abstracto e inventivo... ese que se construye mediante subidas y bajadas de intensidad que ponen a prueba la elasticidad y capacidad de elongación de tus hímenes timpánicos.

Antonio L. Guillén opta por el Moog Lp / Doepfer DE en "Unum Vas" (Un Recipiente). Empieza amenazante, con lo que parece una sirena antibombardeos (o será un acúfeno?) rodeada de extraños sonidos de dudosa procedencia. En el minuto tres hay un cambio extremo del hilo narrativo y se usa el sintetizador para obtener elementos percusivos casi tribales, apelmazados y rápidos que curiosamente, aunque puedo estar equivocado, remiten muchísimo a la manera de tocar la guitarra con pedaleras de Guillén en la Improvisación Libre... es decir, por alguna extraña razón, me parece estar asistiendo a un volcado de Frith al sintetizador. Sigue un crescendo intenso con aroma a música fabricada con ordenadores de 8 bits: ráfagas cortadas de cualquier atisbo de alta fidelidad, impulsos percusivos producidos por viento sintético y lo que yo llamo "Música Tetris"..... es decir, es como notas cayendo de forma muy rápida pero con vida media muy corta. Suena un sonido y al instante desaparece para crear un sensación de rapidez Lo-Fi de espíritu Arcade (vale, creo que me he explicado muy mal, pero alguien lo entenderá).

Una vez terminado el trabajo del Sintetista, este vuelve a descomponerse en sales de óxido, mini partículas electromagnéticas danzando alrededor de un imán y tornillos pasados de rosca. Para volver a usar, aplíquese grasa, enchufar a la corriente, e invite a una cerveza al menos. La parte artística la ponen ellos.

https://ex-nihilorecords.bandcamp.com/album/synthomes