HIDDEN FORCES TRIO - "THE SET-UP" (RAW TONK RECORDS RT055, 2022)

Nueva entrega de Hidden Forces Trio con The Set Up por Raw Tonk Records de Colin Webster. Y así contando por encima su existencia se remonta en el tiempo a una década con la edición de aquella maravillosa cassette / demo titulada Out to Punch! (Féretro Records). Este nuevo álbum se dedica a la figura del insigne Simon H. Fell fallecido en 2020 (recordemos que su sello BruceFingers editaría el debut Topus allá por 2013). Si bien no han perdido ese aroma lírico tan característico que aporta el clarinete bajo de Gustavo, sí que me aventuraría a decir que al menos en la primera parte dle disco (luego vuelve a retozar por las charoladas alcantarillas del Free Noir) se va un pasito más allá que lo ofrecido en el anterior y algo lejano ya Crows are Council (Knocturne / Clamshell)... es decir, para mis añejos oídos, tiraría más del espectro Free Jazzero de su otro proyecto (sustituyendo los vientos) Sputnik Trio, aunque sin llegar a la ominosidad de estos últimos. 

¿Europeísta o afromericano el Free Jazz de Hidden Forces Trio?. Bueno, sin querer dármelas de entendido en la materia que no lo soy, para mí anda más cercano de Eric Dolphy, Don Cherry, el catálogo de ESP Disk y la AACM que de las abrasadoras e incendiarias Jams de Evan Parker o Brötzmann, pero acaso sea ese un debate insulto y se da cuenta de que son las dos letras capitales `C´ las que vertebran todo el asunto del Avantgarde Jazz desde hace tanto tiempo... Coleman, Cherry y Coltrane, y si nos vamos a la `A´ pues tenemos a Ayler, y si seguimos un poquito a la `D´ a Dolphy; no dejemos la `B´ a un lado con Braxton aunque de ahí al Jazz de corte más europeísta ya solo tienes que andar un pelín ... pero bueno, pajas mentales a parte, que cada cual ponga su rasero improvisatorio donde le salga de las gónadas. Si seguís leyendo veréis por qué razón creo que Amiri Baraka de seguir vivo hubiera estado orgullos de incluír aquí algún poemilla de los suyos.

Para no repetir conceptos y hacer esto menos aburrido (si eso es posible), os invito a que visitéis el enlace que os dejo a continuación donde hago un somero repaso de todo lo escrito sobre el trío sevillano por estos lares aunque más cosas han ocurrido desde entonces, como una edición digital (todavía no la he catado) con Alejando Rojas Marcos al clavicordio (Velá) que espero tenga pronto salida física o me veré obligado a ripearlo y hacerme un corte en el pezón izquierdo (podéis pillarla en el bandcamp de Sentencia Records).

LA HISTORIA DE HIDDEN FORCES TRIO desde su PUÑO hasta la NUEVA NORMALIDAD

Lo que nunca puede faltar en un disco de Hidden Forces Trio es la sensación de estar metido dentro de una película o cómic Noir (véase el detallazo de la portada linograbada en digipack de cartón reciclado por el propio Webster). Para conseguir ese surrealista sonido es imprescindible (reitero) usar tonos bajos ya bien sea gracias a como digo, la propia idiosincracia del clarinete bajo o a la forma de tocar el contrabajo de Marco, siempre punzante y opresivo; además, es norma de la casa dar la sensación de antiguos dibujos animados de los años 50 que estuviésemos contemplando de madrugada y puestos hasta arriba de algún depresor del sistema nervioso central. En cuanto a la percusión la noto mucho más expresiva y refinada, sin perder parte de su salvaje telurismo pero concreta; dicho de otro modo, expresa lo mismo que antes con un tercio menos de golpes, o al menos a mí me lo parece y ojito, que es siempre signo de madurez percusiva cuando el baterista es capaz de dialogar (nunca luchar) con su propio silencio y eco.

Tampoco puede faltar la grabación en La Mina Estudios (graba y mezcla Nacho García) y la posterior mezcla en Happy Place Estudios. El resto, música:

W. R. Burnett, el autor de La Jungla de Asfalto entre otras, fue una de las bestias pardas de la novela negra norteamericana, firmando bajo el pseudónimo de John Updyke la novela It's Always Four O'Clock (1956) donde se hace un alucinante repaso del submundo de los clubs de jazz, el sempiterno humo de los cigarrillos y las apuestas de boxeo... por tanto, no podía ser de otra manera; "It's Always Four O'Clock" se abre a esa hora de la madrugada con espaciadas notas de clarinete y una base rítmica que va desperezándose poco a poco (o quizás está en un ese estado de duermevela tan característico de las 4 de la madrugada). El alcohol y el olor a nicotina se condensan alrededor de una pieza que tiene una cadencia extraña, siempre en rotación sobre un mismo punto aunque subiendo la intensidad en modo centrifugadora... los vientos se van a la parte alta y sobresale un clímax que te corta la respiración. La percusión se torna abstracta y violenta mientras el contrabajo mantiene el andamiaje sin se venga todo abajo; luego, de forma abrupta, baja la intensidad y vuelve el motivo melódico inicial. Apabullante.

Sigue "The Set Up" que al igual que el título del álbum posiblemente haga referencia al film de boxeo de Robert Wise (Nadie Puede Vencerme, 1949). Si tengo que besar la lona, que sea con esta música de fondo. Breve solo de Borja Díaz como en un vertiginoso castigo pugilístico abre para dejar hueco al contrabajo, con mucha más presencia en este corte; si bien hay puntuales `berridos´ de vientos aquí y allá, es un tema para que se exhiba la base rítmica cual combate de boxeo. Bailan las cuatro notas gordas de Serrato como si de un juego de pies en el Ring se tratara. Se castiga lenta pero sutilmente al contendiente con una lluvia de secos golpes percusivos; la saliva y sangre que cae al cuadrilátero la aporta Gustavo que va ganado protagonismo poco a poco en una asordinada exhalación. Sin solución de continuidad entra el contrabajo tocado con arco en "Lonely Crusade" arropado por un efecto drónico de los vientos en una afinación muy cercana al melodioso soniquete que se consigue con una Shruti box. Estamos sin duda metidos en los lúgubres ambientes existenciales de los  afroamericanos en la novela de Chester Himes (os dejo aquí un muy buen artículo). 

Conforme avanza el tema todo vibra y las cuerdas del contrabajo parece que están fusionándose en una sola; un golpe de platillo marca el cambio y subida del tempo. Se rasga el mástil con el arco pero en la parte más aguda... tiempo de tribulaciones y violencia para los negros en norteamérica preparando en el subconsciente la lucha anti racista que vendrá años más tarde a la par que son enviados como ganado a otra guerra más. Del sobrio inicio se pasa a un apretado pizzicato de cuerdas y al minimalismo percusivo (ojito al minuto 6 porque pone los vellos como escarpias). Impro jazz en estado de gracia. 

Seguimos con "Moving Targets", no sé si inspirada en la novela de Ross McDonald pero ahí lo dejo. Un ritmo casi funk de Marco abre lo que parece un groove setentero a lo Art Ensemble of Chicago. Jazz de la calle con Gustavo marcando territorio sin tener que hacer uso de urea junto a una fantástica y cinética base rítmica. Como el título indica, se tiene la sensación de estar recorriendo el violento mundo de Lew Archer. Free Jazz Noir fabuloso como banda sonora apócrifa de Harper, Detective Privado. A estas alturas del disco está claro que el homenaje años sesenta y setenta es más que evidente... además de todo el reflejo a una cultura ya clásica en blanco y negro. "Chinese Bookie", de John Cassavetes y con Ben Gazzara (1976) bien lo demuestra. Un curioso tema en cuanto a estructura; sobre una obsesiva, invariable y simple base rítmica en lo que parece un cuatro por cuatro se eleva un chirriante y agudísimo solo de clarinete. Cuando Gustavo baja el instrumento de los agudos a un tono medio, bajo y batería se separan como fuegos artificiales, siguiendo el ritmo pero mucho más intrincado que antes (me recuerda bastante a lo que hacían en Topus).

Cierra el disco "Plainclothes" (aquí no he encontrado las referencias, punto negativo a mi favor) con una fantástica reducción de Free Jazz a cotas gospelianas y de New Thing... vaya, lo que hacía Ayler y sus tríos o esa manera de desestructurar la melodía de Coleman. Música tarareable, de estructura melodiosa (también Archie Shepp en su primera época era un maestro en dichas lides), y rozando la estructura Hard Bop en algunos momentos. 

No voy a describir más, a estas alturas deberías de haberte pillado esto.

https://rawtonkrecords.bandcamp.com/album/the-set-up

https://sentenciarecords.bandcamp.com/

PANTHEIST - "CLOSER TO GOD" (MELANCHOLY REALM PRODUCTIONS, 2021)

`And I am watching as

The flames grow higher and higher

Higher and higher

They will engulf us all

Come, burning fire

Throw us in the pyre

That’s where we belong

Closer to the God

that we have never seen before

Closer to the mirror,

the final sight before we’re gone´

Tres años ya desde esta larga toma de contacto con Kostas de PANTHEIST motivada por su anterior disco de estudio Seeking Infinity, y tras una gloriosa reedición remasterizada de O´Solitude por Greg Chandler (Esoteric) en sus Priory Recording Studio, de la que he tenido el orgulloso honor de participar con unas largas notas interiores en la apabullante edición de The Vinyl Divison, por fin me enfrento a un nuevo disco de una de mis bandas de Funeral Doom de cabecera... y ojito que estamos hablando de 22 años de existencia ya. He de reconocer que he necesitado de muchas escuchas para desentrañar Closer to God... un álbum que esconde mucho más de lo que superfluas escuchas puedan suponer, pero no adelantemos nada. El disco se graba entre Estados Unidos, Inglaterra y Francia, cosa que posiblemente tenga que ver con el recambio total de músicos que pivotan alrededor de la figura central de Kostas, alma máter del proyecto, y en el apartado técnico tenemos la mezcla de Jeremy Lewis y la magia de Chandler a los controles de la masterización. 

La edición digipack desplegable es de Melancholic Realm Productions, cuenta con portada de Cheryl Panagiotou y en la recámara a lo largo de 2022 (mediados) saldrá la edición en vinilo a cargo de The Vinyl Division si es que esa hermética maquinaria de las fábricas de vinilos no salta por los aires. Como decía, la nueva formación sería:

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Jeremy Lewis - guitarras, ebow

John Devos - batería

Kostas Panagiotou - voces y sintetizador

Matt Strangis - bajo

Nereide - guitarras

Andrei Oltean (CLOUDS) - flauta, recorder en "Strange Times"

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Closer to God se mueve en terrenos mucho más atmosféricos que los anteriores discos. Tempos lentos que no pierden la épica habitual pero sí caracolean dentro de una cierta evolución `espiritual´ o quizás sea más acertado decir `meditativa´. Pero no nos confundamos; esto es un disco de Funeral Doom aunque eso sí, apuntalado por un andamio más progresivo, cósmico y etéreo (todavía más, sí) que por ejemplo Seeking Infinity. Ese sonido caraterístico litúrgico de O´Solitude o Amartia no es que se haya perdido ni mucho menos sino evolucionado / subido a otro nivel de conciencia todavía más personal que en el homónimo Pantheist. Buceamos en las aguas primordiales en busca de un sentido vital a lo largo de 47 minutos (divididos en solo 4 cortes) en los que la presencia de lo Divino impregna cada nota de esta obra maestra; una vuelta de tuerca impensable que si te toca, te atrapa como una secta destructiva. Al fin y al cabo tiene que ser jodido eso de estar cerca de Dios... o al menos acojonar un poco.

23 minutos dura la monumental "Strange Times". Angelicales sintetizadores subrayan un inicio que indica que nos estamos moviendo por un plano de la realidad algo más luminiscente que en los opresivos álbumes anteriores... casi que cuesta deslizar la etiqueta Funeral Doom aquí, pero bueno, tampoco puedo hacer trampas. Entra la base rítmica, una guitarra lánguida soltando un sincopado riff procesionario y suena la voz limpia haciendo toda una declaración de intenciones: `We live in a new dark age / these times are strange / one day the future brights awaits / the very next day it´s bursting in flames´. Con estructura de himno y sin tomarse prisa, los teclados suenan quizás menos catedralicios esta vez, tornándose más brillantes y límpidos contrastando con la profunda voz gutural de Kostas. Si he de ser sincero, hay algo en este corte que me recuerda muchísimo a los Wijlen Wij o mejor dicho, a una versión menos apelmazada y salvaje de aquellos. 

Hace acto de presencia el órgano en un interludio (sobre el minuto 7) arropado por unas melodías de guitarra de corte progresivo (un poco al estilo Crimsoniano de los revitalizados In The Woods o los discos más experimentales de Ulver). Toda una gozada escuchar esta parte con auriculares y sentir cómo se te abomban los tímpanos cuando vuelve la melodía principal que sutilmente, apoyado en voces limpias y guitarra al más puro estilo My Dying Bride vuelve a retorcer el tema sin perder la estructura principal. Minuto 16, entran otra vez las angelicales voces (teclados) que abrían el tema y a partir de aquí, hasta el final, pura maestría y oficio, quedándoseme clavadas las letras a sangre y fuego. La flauta en segundo plano y el uso del Recorder aumentan la sensación cósmica / progresiva aun siendo solo en los minutos finales.... impresionante. Como la vida misma, 23 minutos que han pasado como un suspiro.

Sigue la instrumental "Erroneous Elation", que a modo de score cinematográfico coge elementos del tema anterior para fundirlo con acústicas tocadas por Kostas, al igual que los siempre imaginativos sintetizadores. Rozando el NeoFolk con la marcial percusión de Jeremy (no estoy seguro, pero parece un bodhrán o similar), anticipa la vuelta al Funeral Doom en la colosal "Wilderness", posiblemente uno de los temas más crípticos de Pantheist... tienes la sensación de estar metido en un extraño bucle fuera del tiempo, recorriendo una espiral o bajando una escalera eterna Junguiana de esas que se te aparecen en los sueños. La voz gutural en otro plano, los coros femeninos sampleados y el resto de instrumentos transcurriendo en un mismo plano (casi que se confunden a veces guitarras con teclados) ayudan a crear un climax hipnótico a más no poder del que solo se sale para puntuales arrebatos de Old School Death/Doom como mandan los cánones (el último tramo es un ejemplo).

El uso de dobles guitarras es cierto que abre el campo de posibilidades y la sensación global es la de que no hay un hueco por el que respirar. Además, me gustaría añadir lo que para mí es una virtud en el disco y es la calculada monotonía que si a priori pudiera desconcertar al oyente, si se analiza con detenimiento a la postre hace que el discurso narrativo sonoro que siguen Pantheist en Closer to God roce lo conceptual... dicho de otro modo, podemos lanzar un cordón umbilical que atraviesa los 4 cortes a través de cierto `parecido´ / `scores´ en la música;  o quizás sea mejor decir que los 47 minutos vibran en la misma longitud de onda (vale, esto quizás no se haya entendido una mierda). 

El disco no podía cerrarse de otra manera más que con "Of Stardust We Are Made (and to Dust We Shall Return)". Hay que escucharla para sentirla en su plenitud. Voces limpias a coro, solos de guitarra, notas de piano y una excelente batería que te hace sentir cada golpe de los parches para cerrar otro clásico de culto de una banda en estado de gracia; pudiérase pensarse que tanto cambio de formación podría alterar el concepto tras Pantheist pero lo cierto es que a día de hoy, siguen siendo la banda con la que me emocioné y volví al redil del Funeral Doom hace la friolera de 20 años. Por algo será.

`Have you ever felt lonely in a cosmic sense?

No human presence can distract you

From the feeling of complete insignificance

This, my friend, is my permanent state now

Watching a tiny leaf dance on the water surface

Knowing that I am that leaf

Dancing towards extinction

Soon to gently disintegrate in the green pond

When I close my eyes it’s stardust all I see

And I’m no longer afraid of the dark

Knowing that’s where I too belong´

https://pantheistuk.bandcamp.com/album/closer-to-god

AMORES GRUP DE PERCUSSIÓ - "30 ANYS 1989-2019 (LIQUEN RECORDS LRCD012, 2019)

Celebrando los 30 años de historia del vanguardista grupo pionero AMORES - GRUP DE PERCUSSIÓ, el sello valenciano de culto LIQUEN RECORDS editó este maravilloso 30 Anys (1989-2019) sobre el que voy a escribir unas cuantas líneas. Si bien no me gustaría que esta reseña fuera academicista ni mucho menos definitiva sobre lo que considero que son artistas con una importancia capital y de peso en la historia de la música vanguardista íbera, os recomiendo os pasárais por el anterior texto que escribí por estos lares hace un par de años sobre el magnífico Dreizhen, unión alquímica sonora entre Stockhausen e Hildegarda Von Bingen. Así mismo, para evitar farragosos párrafos introductorios y biográficos sobre la tridua Pau Ballester, Jesús Salvador Chapi y Ángel García, casi que os remito a su página web donde encontraréis todos los datos pertinentes:

http://amoresgrupdepercussio.com/

El  recopilatorio que nos trae Liquen Records engloba 12 cortes que abarcan temas que van desde 1998 a 2017, con paradas en Stockhausen, Zappa, Llorenc Barber, composiciones propias de AMORES - GRUP DE PERCUSSIÓ o por supuestísimo, John Cage. Sobre las colaboraciones iré desgranándolas conforme vaya comentando el CD pero antes de nada me gustaría resaltar que excepto Dreizhen, no he tenido el placer de escuchar sus anteriores Vivencias (1997), Amores Cage (2000), Llorenc Barber (2001), Tinajas (2002), Fénix (2005), Blackscore (2010) o Los Tiempos de Nacho Ribas (2016), cosa que realmente no influye para nada porque sintetizando, 30 Anys (1989-2019) funciona como un solo corpus y el tracklist es coherente a más no poder en sus 71 minutos de duración. Dicho de otro modo, para nada suena a recopilatorio histriónico con saltos estilísticos sino que está cuidada la selección de temas para que fluya orgánicamente la música. Impresionante la apertura de seis cortes dedicada a John Cage (con quien tocarían en los Festivales de Otoño de Madrid en los 90) con "Zen-In", "Amores I Solo for Prepared Piano", "Amores II Trio for 9 tom-toms and a Pod Rattle", "Amores III Trio for 7 Wood Blocks", "Amores IV for Prepared Piano" y "Third Construction". 

Un apasionante primer bloque que engloba 25 minutos que pasan por esa excelsa comunión entre lo meditativo e hipnótico propio del minimalismo y lo concreto, pero donde sobre todo resaltan las influencias Gamelan que tanto influenciaran a gente como Glass, Cage o Lou Harrison. Idas y venidas sincopadas de olas orientalizantes ("Zen-In") con instrumentos de madera, bronce o piano preparado pergeñando clústeres lentos, a veces marciales y otras configurando lo que parecen pequeños retablos teatrales al más puro estilo de la música Gagaku japonesa. Esa obsesión de modificar los estados de consciencia mediante el menor uso posible de notas, minimalismo en suma, pero que a la postre provoca lo contrario, toda una miríada expresiva que se va abriendo como fuegos artificiales sonoros. Esto ocurre sobre todo gracias a la potentísima fusión de estilos marcada por el piano preparado de Carles Santos en el segundo y quinto corte (que lo mismo suena como un arpa que se mimetiza en xylófono). Hacen acto de presencia también las partes más tribales gracias a los `tom-toms´ (aquí no puedo evitar acordarme de compositores como Esquivel o Martin Denny) o el golpeteo ultra minimalista de bloques de madera. 

Con todo, me quedo con ese alucinante tour de force que alcanza los 11 minutos (con colaboración de Miguel Ángel Orero) de "Third Construction"... de la música Exótica a los devaneos sufíes, me falta capacidad literaria para describir esto. Tabla, cascabeles y tramos que recuerdan a la música percusiva del Norte de India (que contrasta con el Konnakol vocal del Sur). Conforme avanza el tema, hay partes casi cinematográficas junto a otras que suenan al `Cuarto Mundo´ de Hassell pero sin electrónica. Puro sonido analógico con cortas irrupciones de algún instrumento de viento que no logro identificar. 

Sigue "Tinajas" (Jesús Salvador Chapi), contextualmente compuesta como pieza de danza y de clara raíz hindostaní (flauta, tablas y campanas). La melodía de la flauta nos alivia temporalmente de la abstracción Cageiana del inicio; cogemos aire para sumergirnos en la World-Music más contemplativa que por supuesto también abarca el sufismo (no puedo especificarlo, pero la flauta suena a Ney) y pelos como escarpias con las campanas finales. Magnífico. "Verge Liliana" es una composición de Llorenc Barber (pocas presentaciones precisa tan insigne pionero) y cambia el tono seguido hasta el momento. Minimalismo en estado puro rozando el Ambient. Ululantes golpes de láminas de metal donde el eco se vuelve un instrumento más; clústeres de xylófonos juguetones, espíritu angular Dadaísta y multitud de sonidos en cascada conforman pequeños episodios donde otra vez resalta una suerte de mezcla entre lo sobrio y la juguetona forma de componer de Esquivel. 

Sobresalto tremendo con la marcialidad apabullante de "Cuarteto de la Muerte", procesionaria marcha fúnebre (Butoh) que en directo tiene que ser una auténtica pasada. A mitad de tema, en un escenario inusitado medieval, surge una catedralicia voz femenina que pone los vellos de punta (la verdad es que me despista un poco porque no está en los créditos). Por si hasta ahora no os parece complejo todo, "Black Page (variació I)" es un arreglo de Chapi sobre música de Zappa, sustituyendo los instrumentos originales por instrumentos de láminas, voces en off, estructura Jazz Rock y la soberbia guitarra de Daniel Flors. Ojito al minuto dos y pico en adelante o el siguiente giro sobre el minuto seis... vaya manera de mimetizar el Jazz Rock Zappiano al estilo del trío (eso sí, el sintetizador ayuda bastante).

Para que esto no se haga eterno, los dos últimos cortes pertenecen a "Dreizhen", cuentan con las voces sopranos de María Arcía Maciá / Élia Casanova y los reseñé en el texto que enlacé más arriba. 

Poco más que añadir a lo que me parece un trabajo de obligada adquisición. IMPRESIONANTE.

http://liquenrecords.com/2019/11/17/amores-grup-de-percussio-30-anys-1989-2019/

https://liquenrecords.bandcamp.com/album/amores-grup-de-percussi-30-anys-1989-2019

I DON´T GIVE A FUCK ... FANZINE DESDE TIERRAS NORTEÑAS

Sería a mediados o finales del año pasado que recibí el misterioso Bookzine I DON´T GIVE A FUCK número 4 junto a los anteriores (sin lugar a dudas una de mis mejores lecturas del año), pero intentemos hacer un poco de historia dentro de lo que se pueda dado el cierto carácter Comunal-Mistérico que rodea a la publicación que, esos sí, puedo asegurar que al menos en un inicio se realiza desde Galicia. Aclarar antes de nada que aunque iba a realizar fotografías de los fanzines, al final he acabado usando las que ellos tienen en su blog más que nada por comodidad.

Por lo que sé, el primer número sale allá por 2017 con 16 páginas en formato A5 con la idea de ser una newsletter; escrito en inglés y con ecléctico contenido muy centrado desde los inicios en las entrevistas (profundas) y contadas pero elaboradas reseñas (en los subsiguientes números irán apareciendo con cuentagotas); ¿quién lo escribe?... pues poco he podido averiguar, pero un tal M. (Marco) escribe la mayor parte aunque si no me equivoco, Brais Remeseiro de Lóstregos parece andar involucrado (dejo link a su página que merece mucho la pena). Los míticos Agathocles y los chilenos Máquina Muerta (hablaré de ellos más tarde) junto a un excelso artículo titulado `Nato-sponsored terrorism: Operation Gladio´ escrito por un tal E-37 completan el conjunto. 

Reproduzco la declaración de principios / línea editorial que se sigue:

"Fight back that postmodernism which nullifies political positionings, that nihilism which says that everything is done or that fukuyanism which says that capitalist society has won and that we don't have any other choices of building something new and different. Same happens with that feeling of derrotism, it's ok to know about it, feel it and so on, but can't be a constant. Reaction to this are the way the interviews or contents of this zine are elaborated. Try to shake our minds and look further than our noses and restrictions.

IDGF is focused on punk, crust, grind, hc, powerviolence or even some noisy stuff if it has a political orientation on it or not at all if we really like it. We may include different things as an exception, but interviews will be generally focused on this kind of stuff. Regarding reviews, the name is a reaction too against borders between genres. Expect whatever inspire us...

What we aren't going to accept homophobic, sexist, racist-punching woman shit. Fuck that".

Curiosamente, a pesar de que no se quería exceder la treintena de páginas (así lo ponía la editorial del primer número), en Octubre de 2019 sale en un solo tomo los números 2 y 3. 80 páginas escritas en inglés con entrevistas nada más y nada menos que a DooM (UK), Filth of Mankind (Pol), Hongo (Spa), Sete Star Sept (Jap), Ruido de Rabia (Spa), Martin Sorrondeguy (Los Crudos, Limp Wrist) y Hogre. El contenido parece colectivo excepto las entrevistas a Ruido de Rabia por Servando Rocha y lo propio con Gustavo Aracena haciendo la de Sorrondeguy. Pero lo que me vuelta totalmente la cabeza además de la calidad de impresión y escritura son los artículos; `Sin Techo. Caminando en un mundo que prohíbe sueños; pensamientos sobre el libro de Lagarder Danciu´, `Rest in Power Anti-Now, you are an Inspiration´ (aquí más info) o el brutal `The Day that I Broke my Hymen Again´ donde se da rienda suelta a un análisis el libro de culto Industrial Culture Handbook (entre otras cosas) y se incluye la entrevista antes citada al proyecto performativo de Hogre.

Si eres amante de la literatura contracorriente y underground, no es que necesites I DON´T GIVE A FUCK, sino que cuando lo leas te vas a dar cuenta de que el resto de  publicaciones que lees no le llega ni a la suela de los zapatos en cuanto a calidad. Es absolutamente alucinante cómo enfocan y tratan los temas, o al menos a mí me lo parece. El siguiente episodio de esta historia lo trae 2021 con la edición del vinilo de los chilenos Manual de Combate bajo coedición con IDGF al que os enlazo con el siguiente link porque lo reseñé hace un tiempo.

Y llegamos a Abril de 2021. Un tochazo escrito en español (casi 100 páginas) con sobrecubiertas a color y para mi gusto, el mejor editado hasta la fecha así que voy a ir deteniéndome más atentamente en este número. Empiezo con este detallazo: "Las presentes copias fueron impresas en Galicia, al Noroeste de España, en Mayo de 2021. A escasas horas do Día das Letras Galegas, a 150 años de la Comuna de París y a casi 100 años de la segunda traición y derrota del Ejército Negro. También fueron prensadas copias de este cuarto número en Santigado de Chile de la mano de Imperecedero Discos". 

Abre una entrevista con el dúo de Noisecore Changoz! (Paraguay) con muchísimo hincapié en la situación política de su país. A continuación, Damien de Coene ofrece su particular visión sobre el Harsh Noise Wall en un texto cedido por la página Musique Machine... dado que reseñé el críptico Sans Titre que editara Anoxia Records, la verdad es que las palabras de Damien me han ayudado muchísimo a focalizar y entender más su obra. Me salto un buen puñado de reseñas de discos y entro en el excelente artículo `Chile y las revueltas de 2019´... sencillamente apasionante. Creo que es mejor no contar demasiado y que os pilléis el Bookzine porque no tiene desperdicio, y así también lo demuestran las fotos y entrevista a Máquina de Combate donde Gaspar hace un brutalífico repaso a las revueltas de Chile (vividas en primera persona).

Vuelta a tierras norteñas con la autogestión de `O Pazo de Lobos´ donde se de un somero repaso al colectivo Lumes do Norte: las bandas de Crust, Punk o Black que han pululado por allí, la ecología sostenible y el problema de las extensiones extremas del eucalipto... toda una lección de "okupación", anarcopaganismo y vida en comunidad que se extiende a 15 abigarradas páginas de texto. Pero si creéis que no se puede superar, tras la pertinente sección de reseñas de otras publicaciones incluyen `Trenes de Carga´, valiosísimo artículo que cuenta con la presencia de Argéniz (de Máquina Muerta) que cartografía las diferencias entre los viajes (ilegales) en trenes de carga ya sea de Estados Unidos o México, con profusión de anécdotas (narcos, trimmers, muertes o incluso una guía impresa (fanzine) alucinante llamada Crew Change. Absolutamente demencial, tengo que reconocer que casi se me descuelga la mandíbula con esta lectura... maravilloso.

Y podría tirarme escribiendo tres eones que no haría justicia. Para mí, de obligada lectura así que os dejo email para pedidos:

 idontgiveafcknewsletter[at]gmail.com

                                                (es fck, not fuck) 

MOHAMA SAZ - "QUEMAR LAS NAVES" (HUMO INTERNACIONAL HUM025, 2020)

"No pasarán

no pasarán

amarás la esclavitud

la guerra es la paz

Triste verdad

vuelve al corral

roja será

la sangre en el Primark"

Bien fuera Hernán Cortés el primero en usar la expresión `Quemar las Naves´ o su primera acepción más antigua como bien recogen historiadores que aseguran que se remonta al Siglo III antes de Cristo por parte de Alejandro Magno, lo cierto es que eso de `lanzarse a por algo a la desesperada´ bien pudiera reflejar lo que vivimos actualmente en el panorama de la industria musical en tierras íberas. A tenor de la jodida calidad que atesoran MOHAMA SAZ, para qué hostias van a dar marcha atrás a su proyecto si es imposible que con su propuesta fracasen. Y mira que ya ardieron en mi pira literaria More Iran y Negro es el Poder (reseñas aquí) o el magnífico Viva el Rey (aquí) donde más o menos pues cuento la intra historia de la banda (lo digo por no repetir aquí conceptos).

Pues bien, el año pasado, HUMO RECORDS edita el cuarto álbum de nombre Quemar las Naves y yo, que soy de tocar las cosas, he esperado a escribir hasta que no lo he quemado en mi tocadiscos y tengo que decir así un poco como resumen que se me encoje el esfínter cuando tengo que escribir sobre algo tan bueno... y ya no por calidad, sino porque casi que desde el instante en que se edita como que tiene el estatus de culto inscribiéndose por derecho propio en el índice de imprescindibles del Prog Psych Jazz lo-que-sea ibérico. Pero voy por partes; grabado, mezclado y masterizado por Carlos Díaz Requena (Cortijo de Santa María de la Vega, Granada), excepto voces y preproducción por Miguel Lorenzo (Influx Rds.), viste el artwork de gala Oscar Rey con su `Obra Serpiente´. La formación, esta:

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Adrián Ceballos (batería)

Javier Alonso (baglama saz eléctrico y voz)

Sergio Ceballos (bajo y voz)

Arturo Pueyo (clarinete, clarinete bajo y saxo)

Rubén Mingo (percusiones)

Cabezafuego (teclados, sintetizador y samplers en varios temas)

Resto de arreglos de Shruti Box, Moog y Sintetizador por MOHAMA SAZ.

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Que estamos ante el mejor disco de Mohama Saz para mí es indiscutible. El nivel de composición ha madurado alcanzados cotas altísimas que en los años venideros se recordarán en los libros de música por escribir... y si no, poneos ese pedazo de himno de "De las Moscas del Mercado" que abre el disco (con recreación de "Ganges" de Amancio D´Silva). Medio tiempo arrastrado con toques mitad sinfónicos Canterburianos, mitad Psych rock a la turca o lo que es lo mismo, arabescos en la base rítmica y ese toque característico del Baglama que es imposible no relacionar con la forma de tocar de Trevor Dunn en los Secret Chiefs. Aun habiendo alguna similitud con aquellos, basta escuchar esas etéreas voces que se funden a la perfección con las pegadizas melodías o ese pequeño interludio / duelo entre las tablas percusivas y el Saz para darse cuenta de que la identidad propia está más que forjada a sangre y fuego. Vellos de punta con la intensidad del tramo final con unas letras excelsas ("Al calor de la multitud / sin razón / pero el loco soy yo") y un equilibrio perfecto entre los sintes, los coros cuasi eclesiásticos y algún que otro disparo cósmico del Moog... esto es Space Rock Alquímico, motherfuckers!!!. 

Sin solución de continuidad, ritmo motorik cuasi a lo Hawkwind para dar entrada a la ascendente homónima "Quemar las Naves", con cierto parecido acetabular con aquel himno de "More Iran". Incisivo, lisérgico corte con algún regusto Trianesco (o eso me parece escuchar). Brilla la colaboración de Cabezafuego a los teclados que junto al sobrio clarinete crea un contraste alucinante mientras el Baglama zurce una y otra vez melodías inflamatorias como una jodida encefalitis espongiforme. Abrazando casi el Kraut Rock, se marcan una mini jam inflamada con Napalm a mitad del tema que suena a Canterbury hiperacelerado, para luego meterse en una melodía que homenajea "La Partida" de Víctor Jara. Imposible no acordarse de Erkin Koray en el sísmico "Migajas" y su letra de dobles sentidos. Preciosos arreglos de clarinete y saxo se meten ya de lleno en terrenos Jazz Rockeros que lo mismo pueden recordarte a los alemanes Xhol Caravan o Embryo que a la escena catalana pre Olímpica.

Nada más y nada menos que a los turcos de culto Grup Yorum se dedica la efervescente y caleidoscópica "Yorum´91", que curiosamente alcanza un equilibrio entre la world beat y lo electrónico que me trae a la mente no solo a los citados sino también a Dissidenten. Sigue "Soltad a los Perros", con melodía de corte medieval, remachada por excelentes vientos y percusión rozando lo militar para reforzar las fantásticas letras de Cabezafuego. Destacar las punzantes líneas de bajo que abrazan del tirón el Jazz Fusión setentero. El tramo final pasa por "El Último Califa" (dedicada a Julio Anguita), potentísimo guantazo Psych con sincopada base rítmica y escalas orientales embadurnadas de Funk. Al más puro estilo de las bandas sonoras de films turcos y aroma a exploitation turca, ya no sé si estoy hoyando una versión teratogénica de Estambul en un planeta similar a la Tierra o me he puesto una pastilla de colorines bajo la lengua. No apto para gente que se desoriente con facilidad que todavía andan los mantecados calientes, fin de fiesta con "Misa del Pollo" y sus cascabeles ornamentales para una obra de arte descomunal.

IMPRESCINDIBLE Y DE CULTO.

https://mohamasaz.bandcamp.com/album/quemar-las-naves

JAVIER ARNAL / VERA ACACIO, en VIERNES DE SILENCIO (Sala Velvet, 14 de Enero)

Viernes de Silencio o lo que es lo mismo, Javier Arnal y Vera Acacio en un concierto de Nuevo Folk Estoico. Y dirán ustedes que qué clase de etiqueta es esa y yo, en una ambiciosa maniobra de marketing asalvajado decido que si pongo `Nuevo´ los lectores van a buscar cuál era el antiguo y genuino Folk Estoico... y así bueno, pues ya me gano una reputación de enrevesado y tal, que realmente no es tal cosa porque yo de simpleza soy hasta donante. En serio, no es broma. Mi área corporal, base por altura, se ha quedado tan reducida (jibarizada) que en estos últimos tiempos se compone solo de base; ah, y lo de Estoico no sé la razón, pero escuchando las lánguidas notas de la guitarra siempre en glissandos telúricos de Vera en genuino contraste con la férrea voz y forma de tocar de Arnal uno tiene la sensación de que todo se mueve dentro de la simpleza de la Prohairesis.... venga, a ver cómo lidiais con esta última frase sin ir al puto psiquiatra y perdonadme las formas pero es que a veces tengo ganas de Folk, sea lo que sea eso pero es que os juro que anoche me pasaron cosas muy raras. No quería beber nada y misteriosamente se me antojó un jodido tinto con limón, (sí, en una sala de conciertos) y acabé bebiendo una Sidra de Fresa Irlandesa que la camarera dijo (literalmente) `es lo más parecido que tengo´.... y releyendo esta última frase yo me doy cuenta que el Estoico soy yo, porque joder qué vomitivo estaba aquello. 

Esos tres emolumentos clave del Nuevo Folk Estoico que son Canciones Defectuosas, Tus Besos y El Impostor se desgranaron anoche en tres pequeños bloques donde se hizo un claro `elogio de la virtud´ y con una sensibilidad que a pesar de estar a flor de piel podría decirte que en general `fuimos fuertes y ecuánimes ante la tristeza´. Y no sé que leches tenía la Sidra Afresada aquella que me entraron ganas de follar estoicamente (ya saben, "bésame y clávame los dientes en la frente y todo eso...") y pude contenerme ya con la polla en la mano gracias a que siempre llevo un ejemplar facsímil de `De la vida conforme a la naturaleza; De los universales; Argumentos dialécticos y De las pasiones´ y el manual de nudos marineros en su versión para Android. Y es que no sé realmente si es que anoche parecía la Sala Velvet el jodido Salón del Titanic con la Orquesta sonando ajena a la tragedia, pero es que de tan a gusto que me encontraba me pareció ver a una tipa que no paraba de bailar y otra que comentaba no se qué de bucaneros, y ya sabemos que los bucaneros tienen pinta de estoicos folladores.

¿Os he comentado que la Sidra Irlandesa de Fresa era de medio litro?. Hay que ser estoico para meter eso en recipiente de vidrio. Y había luces rojas y Javier Arnal hacía muecas contra su propia sombra en un opiáceo mar de notas capitaneadas por la siempre punzante e inteligente guitarra de Vera y yo que me digo, ¿Por qué esto es tan bueno y yo tan estoico?. ¿Es psicodelia lo que escucho o rock de importación desértica?. Quizás esto es un espectáculo sectario y con esas letras etílicas me están metiendo en algún tipo de movimiento no lo sé, porque la verdad es que noto que la voluntad se me va al garete (a ver, no quiero ser pesado, pero en condiciones normales sé que NUNCA hubiera bebido una Sidra, y de fresa ya no digo). ¿Y qué me decís de lo de follar?. ¿Es que un estoico no puede contenerse en un espectáculo audiovisual Folklórico?.... "Manductio ad stoicam philosophiam" que dirían algunos (pero muy pocos, no os creáis). 

Termino como empiezo en Silencio. Sigue siendo Viernes. Javier Arnal y Vera Acacio en un concierto de Nuevo Folk Estoico. Bebo Sidra de Fresa. 

Ah... y no follo.

MOSSADEQ / Violenţă Domestică SPLIT - "CZECH / ZERFALL" (TERATOGEN T7.0 , GRAIL RECORDS GZ015 , 2020)

Hace casi un año os traje por estos lares Cephalea, monumental trabajo desde Austria de Industrial, Noise, Metal y otras lindeces anarco electrónicas. Tras dicho proyecto anda DR.WINTER, diseñador gráfico y artista audivisual con multitud de portadas de bandas como las de los renacidos In The Woods (os dejo un muestrario de su trabajo aquí), además de editar bajo su propio sello TERATOGEN (entre otras,  cassettes del Pure y Cease the Day de In The Woods) además de que bueno, el Cephalea lo coeditó con Aesthetic Death. Pues bien, lo que hoy os traigo es un Split con los también austríacos MOSSADEQ, extrañísimo combo de Rock Experimental campeado por Cle Pecher del sello GRAZIL y la estación de radio Grazil FM.

Esta suerte de recopilación de dos Eps se abre con la parte de Mossadeq o lo que es lo mismo actualmente (antes eran un dúo) Cel Pecher a todos los instrumentos junto a algunas colaboraciones en voces como las de Michael Jud (de los hardcoretas Harrowist), Nino Hutterer o Nina & Julia Pecher. La parte gráfica del Digipack corresponde a Dr. Winter mientras que todo el acabado de masterización de las dos bandas se va a Greg Chandler y sus Priory Recording Studio. 

Czech, que así se llama la parte de Mossadeq, se abre con la instrumental "Vaclav". Especie de metal industrial al más puro estilo NIN (pero más extraño), flota con riffs de guitarras espaciadas, notas de piano obsesivas y minimalistas en conjunto recordando en parte a los renacidos Godflesh. Electrónica y guitarras industriales apuntalan las lánguidas sábanas de teclados que tienden al Drone hasta que se cortan abruptamente en un largo fade out para que siga "The Nurse", tema donde ya entran las estructuras propias de un anómalo y teratogénico Rock de base industrial (no sé.... algo de Ministry mezclado con Melvins). Para cuando asoma la percusión, todo se transforma en (agárrate) un Hard Rock extrañísimo pero brutalmente adictivo que para colmo se sirve de estribillos rayanos en el Dream Pop. Aunque a priori os puedan parecer elementos que no casan, Mossadeq se las arreglan para ejercer una magnética argamasa sonora ultra pegadiza donde flota cierto espíritu Punk aquí y allá. 

Si crees que no puede ir la cosa a más, espérate a escuchar "Skodub", mezcla de Dub Reggae en las bases con Metal atmosférico y Doom (así como te lo cuento). Cercano quizás a la melancolía de Katatonia, los italianos Canaan en sus últimas incursiones electrónicas o This Empty Flow, brillan los sinfónicos teclados y ese magnífico Groove cuasi Funk que flota aceitoso impregnándolo todo. El tramo final pasa por el rock and roll pegadizo "Knights in Shining Armor" que palidece al lado de la mucho más atractiva "The Sisters", casi bailable con su estructura EBM densa, ácida y cargada de Breaks que te rompen las caderas como una osteoporosis avanzada. Fin de fiesta con la fabulosa "Czech", aleación perfecta entre proto Techno y Metal Industrial años 90. 

Para introducir Zerfall, la parte de Violență Domestică, corto y pego de su página: "Zerfall (Decomposition) is a story about getting older in a diseased world without accomplishing anything valuable and wishing to end it all, told in six catchy songs with (almost) zero noise or experiments this time". Por cierto, en los créditos se citan suicidas tan dispares como Robin Williams, Per Yngve Ohlin, Keith Emerson o Scott Columbus.

"Exhausted" da comienzo a ese estilo experimental, electrónico y pegadizo de Dr. Winter. Machacón y muy arrastrado, me recuerda muchísimo a lo que hacían Samael a partir de Ceremony of Opposites... incluso la voz me recuerda a la de Vorph. Otros que podría citar (en cuanto a la música, no la voz) son los olvidados Alastis aunque coged todas estas comparaciones con delicadeza porque en Violență Domestică resalta más la electrónica que el Metal en sí que está pero en la fortaleza de los riffs distorsionados. Sin solución de continuidad se enroca con la ultramachacona "Flies on a Pile of Shit" retorciendo el ritmo percusivo de la anterior y llevándola a terrenos más oscuros... algo así como Jutcliffe Jügend, los dioses olvidados Zaraza (escúchese Slavic Blasphemy) o una versión regurgitada de Laibach a quien me recuerdan mucho en "Worthless" o al menos me parecen escuchar paralelismos con "God is God" pasados por un filtro de Black Industrial.

En cualquier caso, esto es tan adictivo como cortarse en una depresión clínica, así que ruego manejéis la música con cuidado. "Another broken Resolution" sigue por los mismos fueros pero subiendo el nivel de amenaza e incluso el tempo, haciendo que las bases rítmicas doten al conjunto de un deje a música de un olvidado cortometraje Cyberpunk. Sigue "Benumbed", otro temazo asfixiante que me recuerda al viejísimo proyecto Katar y su Paradigma Digitized (20 años tiene ya!) de cuando este género estaba tan en boga. Para el cierre "Suicide Note" se tira más de atmósfera llegándose casi a coquetear con el Power Electronics.

En resumidas cuentas, un más que recomendable Split si te gustan estos estilos. Mucho nihilismo y honestamente underground.

https://mossadeq.bandcamp.com/

https://violentadomestica.bandcamp.com/

LUBIANKA - "RADIOINDIA" (TONZONEN RECORDS TON107, 2021)

Abre el abanico de reseñas de este 2022 la impresionante vuelta de una de mis bandas de cabecera. Los barceloneses LUBIANKA virando su sonido una vez más tras su anterior (en cierto modo más garajero y de club) 4.0 que editara Krakatoa Records. Olvidad todo lo que tengáis en mente ahora mismo porque RADIOINDIA, que así se llama su nuevo disco, os va a descolocar por completo. Retomando aquellas fabulosas raíces indostaníes que se dejaban caer sutilmente en sus primeros trabajos (o ya de lleno en las Shruti Box Sessións), imaginad una suerte de cruce, Jam espiritual o lo que sea entre el hermafrodítico corpus musical que daría de reunir los dos sonidos madre de Dissidenten y Embryo. Es decir... si Embryo se escindió en los Dissidenten, pues ahora los volvéis a juntar con las referencias de cada cual intactas pero ojo, que el sonido característicamente Psych de Lubianka sigue sin adulterarse y son perfectamente reconocibles en cada momento del álbum. 

Puestos a retorcer las comparaciones un poquito más, o a afinar con las descripciones, algo hay del mediterrápeo Avant Jazz de los Sinouj pero claro, esa machacona base rítmica de los catalanes (una marcha Motorik siempre llevan) pertenece siempre a esa inflamable etiqueta que responde a Kraut. Por otro lado el viejo espíritu Jazz Rock y Prog barcelonés sigue estando molecularmente presente y es que la esencia de Blay Tritono, Iceberg, Sisa, Secta Sónica y el vanguardismo inabarcable de Oriol Perucho no es hidrosoluble y siempre va a separarse acústicamente de todo para brillar como música de culto que es. Pero hagamos un inciso.

Vuelta al insigne buque alemán de TONZONEN RECORDS, garantía de prensajes de calidad con Gatefold precioso y vinilo splatter rojo en limitadísima edición (imagino que habrá luego tirada normal en negro). La masterización, agarraos, es cosa de Eroc (Joachim Heinz Ehrig) que bueno, tendréis que conocer de los míticos Grobschnitt o de su etapa electrónica en solitario. El precioso diseño gráfico imitando a los motivos hindúes de las sedas palaciescas del Rajasthan y Benarés es obra y gracia de Lucia Zandigiacomi sobre diseños de Victor G. Roca & Sergio Gutiérez, con fotografía interior de Jordi Roig y exterior (portada) de Xusi Does. RadioIndia se desarrolla a partir de una serie de improvisaciones durante el confinamiento de la Pandemia de Covid en verano de 2020 y toma como punto de partida esa libertad impredecible de los momentos más libres de Cerímonies o el ya lejano Naufragis de 2012. La formación completa aquí es (incluyendo el saxofón de Víctor Bonetarboli en "Camí"):

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Víctor G. Roca - voces, guitarra, sitar eléctrico y FX

Sergio Gutiérrez - bajo

Aleix Brassó - batería

Christina Garret - voces

Florenci Salesas - piano, sintetizador y harmonio

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(Monegros Session)

Abre el disco los 22 minutos de "Camí", tour de force meditativo psicorrágico versus crescendo psicodélico absolutamente demencial. Para encender los motores, el dial de una radio haciendo paradas en distintas estaciones sobre un colchón de harmonium y sintetizador. Platillos de batería, efectos de las pedaleras, cascabeles y ya tenéis el fondo adecuado sobre el que construir todo un himno avasallador que se toma su tiempo en arrancar pero que cuando lo hace es imparable. Etéricas voces mitad hindostaní, mitad rock desértico se van confabulando con espaciados riffs de la guitarra eléctrica, acoplada en modo Yawning Man (pero hasta arriba de opiáceos). Es la base rítmica la que marca el despegue; entran las voces de Christina rozando las glosolalias de Lisa Gerrard en Dead Can Dance (etapa Spiritchaser)... es increíble cómo el bajo resuena como si fuera percusión del Sur de India y la forma en que hacen suyo el Kraut. Si bien es cierto que los alemanes siempre han tirado (en mayor o menor medida como todo el hippismo musical de la época) de lo oriental, siempre me quedaré con la sensación a combustible que me deja en el paladar la mezcla de estos sonidos con el Space Rock.

Si tienes dudas de lo que estoy hablando, espérate a cuando entra el saxo para poner patas arriba todo; desplaza lentamente a las voces de Christina y se apodera del corte hasta el mismísimo final. Con un sonido cercano a los triposos Xhol Caravan (menos agresivo que en Electrip, eso sí) y con algo de psicodelia turca a lo Erkin Koray (Electronic Türküler), de aquí hasta el final "Camí" es un mantra ácido de calidoscópicos cambios. Se sigue un mismo flujo pero se prueban todas las posibilidades... algo así como enchufarle un jack a un Cubo Rubik y darle vueltas a los algoritmos en modo Loop. Éxtasis de lujo con la espontaneidad del saxo en el tramo final marcándose una Impro Jam absolutamente devastadora. Vuelvo a insistir... cuando entra esa especie de electrónica radiada es imposible no acordarse de Dissidenten. Lo demás, obra y gracia de Lubianka.

Damos la vuelta al plástico. "Explora" abraza tanto el espíritu desértico como el minimalismo jazzístico. Una barroquísima exposición de mini detalles que mutan y permutan en espíritu libre como el humo de un ciclópeo pebetero. Ascendente, siempre hacia arriba, la música dibuja caracoleantes escalones que se amoldan a los farallones pétreos de un desierto imaginario. Todo suena alterado, entran y salen toques de cuerdas de algo que no sé exactamente lo que es (quizás el sitar eléctrico o un harpa) y tengo la sensación de que han untado el disco con algún psicotropo tópico. Y cascabeles.... en la música de Lubianka siempre hay cascabeles. Sigue la más corta "Somni", plagada de voces sampleadas y mucha positividad circense; no sé, pero parece que estoy metido dentro de una Feria de esas imposibles que habitan los parajes mentales de Jodorowsky en Santa Sangre. Fabuloso cómo se juega con lo electrónico dándole una vez más al resultado el empaque propio de la Kosmische. En resumidas cuentas, onírico y surrealista puente musical muy deudor de los primeros Lubianka (escúchese Naufragis) y que se va metiendo lenta pero naturalmente en "Entreson", esta vez sí explorando de forma alucinante el apartado electrónico / experimental en su inicio para ir acabalgándose luego con la siempre motórica aleación bajo y batería. 

Para mitad de tema estamos en un triposo magma telúrico cargado de electricidad. Con auriculares tienes la sensación de que te están bombardeando los tímpanos con cientos de capas superpuestas bajo la inamovible y pétrea percusión que cierra círculo con acetábulos de ácimo Jazz espectral. No sé si es el sitar eléctrico pero el final se une como una caja de música al inicio del último corte "Máscara"... impresionante Vals de estructura Kraut, ululantes voces (voces?) y flujo sexual de sintetizadores. Parecía casi imposible pero lo han hecho otra vez. Otra obra maestra que pone el listón tan alto como las jodidas estrellas... te mecen, te arropan en un tiovivo cósmico y decadente que lo mismo puede estar en la India que en la enterrada Agartha.

OBRA DE ARTE.

https://www.tonzonen.de/radio-india/

https://lubianka.bandcamp.com/merch