JAZZ de MERVYN COOKE (EDICIONES DESTINO, 1998)

Publicado por EDICIONES DESTINO dentro de la colección EL MUNDO DEL ARTE, JAZZ del Catedrático de Música y pianista Mervyn Cooke es un viaje histórico a través del mundo del Jazz, desde sus extraños e inconexos comienzos llenos de brumas y misterio hasta prácticamente las nuevas sonoridades surgidas en nuestros días.
Sin ser un volumen para nada imprescindible para los amantes del Jazz, el libro se deja leer con bastante fluidez sobre todo para profanos como yo, que lejos de erudiciones y afán completista únicamente buscan una fuente de información con la que ampliar los exiguos conocimientos.

Desde los posibles inicios del jazz y de sus estructuras pregunta-respuesta de las WORK SONGS de los esclavos de las plantaciones, pasando por el RAG TIME, las BIG BAND, el SWING, la técnica de piano STRIDE, el DIXIELAND, el BOP en sus múltiples variantes y por supuesto el FREEJAZZ, el JAZZ FUSIÓN y los crossovers más actuales... todo esto tiene cabida en las escasas 200 páginas de un libro que sin profundizar demasiado, repasa las principales figuras nacidas en el submundo del Jazz, con anécdotas clave que hacen mención a las primeras partituras compuestas, los primeros discos grabados y alguna que otra anécdota curiosa.

Destacaría como punto positivo sin lugar a dudas las 150 fotografías en blanco y negro que acompañan el libro, muy representativas y sugerentes (además de la portada de Picasso de RAGTIME FOR ELEVEN INSTRUMENTS de STRAVINSKI). Como nota negativa el lenguaje académico usado en algunas partes, que partiendo de que el libro es para no iniciados o eruditos, emborrona el producto final, junto con que se le ve el plumero al escritor en algunos pasajes al no dejar de criticar al FreeJazz y a Coltrane, haciendo uso de múltiples escritos y críticas de revistas especializadas de la época. Como ejemplo la esquela para el DAILY TELEGRAPH de Agosto de 1967 de Philip Larkin (implacable conservador y perseguidor de Coltrane hasta su lecho de muerte): " Chillar y farfullar durante dieciséis compases no es nada. Coltrane podría hacerlo durante dieciséis minutos, sumiando al oyente en una especie de estado hipnótico durante el que leía y releía la carátula y creía, no que se divertía, sino que oía algo significativo... Lamento la muerte de Coltrane del mismo modo que lamento la muerte de cualquier persona, pero no puedo concebir el hecho de que deje al jazz un vasto y sagrado silencio."
Ésta y otras anécdotas vienen a emborronar bastante el libro, que lejos de reconocer el particular legado e influencia de tan tremendo artista, no para de poner piedras en su camino con otras notas como: "una libertad demasiado acentuada en la música puede desembocar en una complejidad incoherente; una dosis excesiva de expresionismo energético puede caer rápidamente en la expresión de la nada; el culto a la originalidad por el culto a la originalidad no produce, a menudo, más que trucos; y, lo peor de todo, los ruidos instrumentales atonales, amorfos y heterodoxos llevados hasta el extremo pueden ser un refugio confortable y tentador para la mediocridad musical".
Por supuesto, toda opinión es respetable, pero quizás un poco más de imparcialidad no le hubiese venido mal al libro, la verdad. Además, se obvian prácticamente figuras imprescindibles como Thelonius Monk, y de Jazz Británico apenas encontramos un exangüe párrafo...

Me quedo por tanto con la primera parte del libro bastante más interesante y donde se ve que el autor se encuentra en su salsa, con un buen análisis de las Big Band, Louis Amstrong, las partituras de Scott Joplin, las tensiones raciales y sociales en Nueva Orleans, la migración a Chicago y Nueva York de los músicos de color buscando el éxito y el eterno contraste entre el jazz para "blancos" y el jazz para "negros"... junto con originales y particulares fotografías de la época.
En resumen, un libro bastante prescindible con un interesante inicio pero que al final acaba aburriendo un poco, aunque para los cuatro duros que me ha costado, pues tampoco vamos a poner tantas pegas...

PUTREZINE 013... Chi l'ha Vista Morire? (ALDO LADO; ITALIA, 1971)

"Dos niñas aparecen muertas en el mismo lugar donde hace cuatro años fue brutamente asesinada otra menor. Los desolados padres de una de ellas, comenzarán a investigar los sucesos. Muy pronto, las niñas pequeñas dejarán de ser el único objetivo del asesino... (FILMAFFINITY)"

Cualquier buen Giallo que se precie debe de contar con una buena banda sonora, cosa casi imprescindible en el género y que tanto ayudó a definir el estilo. Hablar de Morricone en el cine italiano es igual que debatir sobre Teología entre teólogos: Dios Existe. O sea, que Morricone es Dios.

Sin entrar en detalles del maravilloso film que es QUIÉN LA HA VISTO MORIR (sin ser de los mejores del género), pero sin obviar su impresionante fotografía, con una Venecia claustrofóbica, antigua y decadente en la que el asesin@ se mueve como un pez mortífero, me gustaría dedicar este post a su impresionante banda sonora. Sugerente y terrorífica al mismo tiempo, con unos coros infantiles absolutamente pegadizos cual nana espectral, la banda sonora sobresale por encima de la cinta gracias a la gran labor del siempre sorprendente MORRICONE.

Sin más preámbulos, espero que disfrutéis con estos vídeos donde podréis escuchar una muestra de la banda sonora junto con imágenes de la película... que lo disfrutéis:

PRODUCT0 desde MÁLAGA...

Desde Málaga, y con la filosofía de DO IT YOURSELF o JUAN PALOMO YO ME LO GUISO Y YO ME LO COMO, Gaspar Hidalgo, (músico underground con un pasado indeterminado en bandas locales) me hizo llegar un enlace a su música para que fuese compartida y difundida lo máximo posible. Antes del análisis de la música que me he encontrado me gustaría hacer una pequeña reflexión; tal y como muestra la propia idiosincracia del nombre de su proyecto, Product0, me gustaría reproducir aquí sus propias palabras: "Este conjunto de canciones se llaman product0 como una (mala) ironía anticonsumista y también contra ellas mismas, que no dejan de ser formas terminadas (productos) que contienen, a lo mejor, destellos de algo mayor."

Tras la lectura de estas palabras podremos aproximarnos a su música con una mayor apertura de mente y entender los medios que acaban justificando el fin... es decir, ¿QUÉ ES LO QUE MUEVE A ESTE MÚSICO A MOSTRARNOS SU ARTE?.
A todo aquel que me conozca una pizca sabrá que valoro muchísimo el esfuerzo y buen hacer de todos aquellos músicos, escritores, guionistas, etc. que sin ánimo de ningún lucro pero con la sana idea de hacer difundir su obra se mueven en el más estricto (y restrictivo) underground absoluto, a sabiendas de la imposibilidad o dificultad de vivir o siquiera obtener una recompensa de aquello que mejor saben hacer. Sin saber nada de la biografía de este músico malagueño me dispongo a realizar un breve análisis de lo que me he encontrado... libre de prejuicios, ataduras y mierdas varias, aquí está mi reseña:

Product0 es un proyecto "one man band" a caballo entre el stoner, el doom correoso y sabbathico de unos ELECTRIC WIZARD y la lisergia y desenfado de los músicos psicodélicos de la década de los 70. Con toques Drone (y algún ramalazo Noise, aunque no demasiado), su música se nos revela libre de ataduras, desértica y ácida en su desarrollo con unas progresiones instrumentales que buscan el viaje espiritual hacia el fondo de uno mismo.
Me ha sorprendido gratamente la producción, que suena como tiene que sonar ni más ni menos: sucia, analógica, polvorienta y directa a tu puñetero tronco encefálico. Sin más artificios ni idioteces varias. De los tres trabajos compartidos en su página de bandcamp que he podido disfrutar aquí está mi opinión de cada uno de ellos:

PRODUCTO! es el segundo de sus trabajos que he escuchado y de ellos el que más he disfrutado por su variedad y calidad, especialmente el tema "Village Fools", para mi gusto muy deudor del blues oscuro de David Lynch en su faceta musical (véase el tema principal de INLAND EMPIRE), y el último "Second Wizard´s Prophecy", muy a lo Kyuss por su ambiente de cactus, arena y molinos de viento... La voz con efectos muy lograda durante todo el trabajo, con buenas pronunciaciones (cantado en inglés es algo que se agradece) y un eco o reverb muy sugerente. Muy lisérgico y con buenas progresiones de guitarra junto con un acabado bastante profesional. Electric Wizard, toques a lo Kyuss... psicodelia y suciedad sónica californiana en algunos pasajes de guitarra a lo WOODEN SHJIPS...

METAPRODUCTO (que parece grabado en directo, aunque no lo sé con exactitud) es el que menos me ha convencido quizás porque me suena más vacío y falto de instrumentos (algo menos elaborado, aunque es mi humilde opinión), cosa que en los otros dos trabajos no ocurre. Sin ser un mal trabajo prefiero mucho más los otros dos...

SUBPRODUCTO (NTERROGACIÓN) me ha gustado mucho, con un inicio drone espacial que me ha traído en mente a UNCERTAINTY PRINCIPLE, grupo legendario muy desconocido y que se mueven por tesituras parecidas. Totalmente instrumental, este trabajo funciona como un todo... es decir, como una dosis de peyote anímico que te invita a sumergirte y disolverte por sus etéreas y espaciales notas. Corto pero bueno... volviendo a parafrasear: "Los materiales orgánicos complejos surgen como subproducto de las estrellas. Estos subproductos estelares son una mezcla de componentes aromáticos (en anillo) y alifáticos (en cadena) que recuerdan mucho a los combustibles fósiles, un remanente de la vida."

En definitiva, un proyecto que me ha sorprendido mucho y que si cogemos lo mejor de cada uno de sus 3 trabajos puede resultar en un disco muy bueno y bien acabado. Para mi gusto SUBPRODUCTO(INTERROGACIÓN) y PRODUCTO! son los dos mejores trabajos de este artista que seguro pronto dará nuevos frutos a la escena malagueña.

Para que degustéis su música os dejo aquí el enlace de bandcamp con toda la música reseñada: http://product0.bandcamp.com/ y sin más que añadir aquí os dejo un videoclip que se ha currado:

PUTREZINE 012... THE BEYOND (...E tu vivrai nel terrore! L'aldilà) - LUCIO FULCI; ITALIA, 1983

"En 1927, el Hotel Seven Doors (Siete Puertas) es el lugar de un asesinato, donde un grupo de hombres crucifican a un artista llamado Schweick, acusado de ser un brujo. La muerte del artista abre una de las siete puertas del infierno, las cuales se encuentran a lo largo del mundo y permiten que los muertos puedan traspasar al mundo de los vivos. Varias décadas después una mujer de Nueva York hereda el hotel y planea reabrirlo para fines monetarios. Pero los trabajos de remodelación activan el portal y pronto se ve enfrentada junto a un doctor del pueblo, a los muertos vivientes, el fantasma de un joven ciega que les pide que abandonen el hotel, un libro místico llamado Eibon que tiene las respuestas a los extraños acontecimientos, un niña cuyos sus asesinados padres se convirtieron en zombies y es poseída por unos espíritus, y Schweick que ha regresado como un maligno e indestructible cadáver que es controlado por las fuerzas sobrenaturales."

THE BEYOND, segunda parte de una "trilogía" que se completa con CITY OF THE LIVING DEAD y THE HOUSE BY THE CEMETERY (AQUELLA CASA AL LADO DEL CEMENTERIO, uno de los títulos más geniales que se han puesto en una cinta de terror) es un film de culto del emblemático director italiano LUCIO FULCI, todo un referente en lo que a terror italiano se refiere. Sin querer entrar en la vida y obras de tan magno director (de sobras conocida), nos centraremos en un análisis superficial de una de sus obras cumbre, THE BEYOND.

A pesar de su guión totalmente inconexo, de sus giros totalmente inadmisibles (cinematográficamente hablando), y de todos los excesos habidos y por haber propios del cine de terror italiano (diálogos imposibles, gestos forzados, resoluciones inauditas...), THE BEYOND resulta toda una delicia para los amantes de estas aberraciones fílmicas. Rodada cual videoclip ochentero con la música del no menos genial FABIO FRIZZI, en la película se van sucediendo una tras otra imágenes violentas de gore a la vieja usanza... ese de látex, higadillos y toneladas de sangre, sin postproducción ni idioteces varias. No en vano la película se censuró en su día y gracias a algunas recuperaciones posteriores podemos disfrutar hoy de su metraje original. Abundancia de primeros planos cual spaguetti western de Leone, ecos al cine de Romero por doquier, toques del cine de terror sobrenatural, unas migajas del género de exorcismos y películas apocalípticas... vaya, toda una amalgama perfecta que funciona como un reloj, marcando sus tiempos a golpe de asesinato hasta el desenlace cuasi onírico final... una pasada. Desde sus primeros minutos rodados en sepia sabemos que se cuece algo distinto, con la impresionante escena de la tortura del pintor, magistralmente rodada. Luego quizás el ritmo se vuelve algo repetitivo pero todo resulta un espejismo porque en pocos minutos seguirá la vorágine de sangre... FULCI en estado puro.

Destacar la escena en la que la protagonista le dice al médico protagonista algo y él le dice que no puede hacer nada, que sólo es un simple médico... y acto seguido entra en su consulta y de un cajón saca un pedazo de pistolón bestial... (y eso que es un simple médico). Poco más que decir de todo un clásico imprescindible del género, que ayer visioné y disfruté como si fuese la primera vez que lo viese. Imperecedera y entrañable como pocas, lástima que las nuevas generaciones prefieran las sempiternas sagas de SAW o los tropecientos DESTINO FINAL antes que revisionar estas antiguas y auténticas joyas del cine mediterráneo.

SHIBUSA SHIRAZU ORCHESTRA - SHIBURYU

Hace frío a las seis de la madrugada en el Monte Fuji. Envueltos por una densa humareda, 23 individuos de sexo, género y edad desconocidos bailan desnudos al son de una extraña melodía que surge de los instrumentos de viento de algunos de ellos. El humo lejos de lo que pueda parecer, no proviene de la boca del volcán, sino de los saxofones, trompetas y trombones... sonido y humo bailan al son de una música que parece trascender el mismo tiempo y espacio. Místicas y prohibidas notas surgen del latón, y humo y ceniza primordial los cubre como una lluvia gris de un invierno nuclear. Bailando en una estrecha cornisa, funambulistas, mimos y otros extraños individuos desnudos ejercitan la comunión estrecha con la divinidad.

Una pareja de osos panda copulan sin parar desde tiempo inmemorial, en el eterno baile del esperma y el óvulo. El cielo, gris cobrizo, no muestra ni la noche ni el día, tan solo una sutil luminosidad suficiente para sacar reflejos del metal y de los brillantes ojos de los extraños músicos, que fijos en la infinitud de su letárgico estado, hace tiempo que ven sin el don de la vista... justo es decir que de ellos depende la quietud del equilibrio de orden y caos.

Al mismo tiempo que el oso panda macho descarga su cópula al orificio del volcán, rechazando la unión con la hembra, este entra en erupción, en un maremágnum de fuego que barre de un plumazo a los músicos de la cornisa. Esperma y óvulo maduran el óvulo durante 9 eones, transcurridos los cuales se abre como una flor y da a luz a otros 23 individuos indefinidos que comienzan de nuevo el ciclo...

SHAME (STEVE McQUEEN; REINO UNIDO, 2011)

"Brandon (Michael Fassbender) es un treintañero neoyorquino con serios problemas para controlar y disfrutar de su vida sexual. Se pasa el día viendo páginas pornográficas y manteniendo contactos con solteras de Manhattan... (FILMAFFINITY)"

Festival de Venecia: Copa Volpi al Mejor actor (Fassbender), Premio FIPRESCI
Premios BAFTA: Nominada a mejor film británico y actor (Fassbender)
Globos de Oro: Nominada a Mejor actor dramático (Fassbender)
Festival de Sevilla: Mejor director, mejor actor (Michael Fassbender) (ex-aequo)
Satellite Awards: 6 nominaciones, incluyendo mejor película y director
Independent Spirit Awards: Nominada a Mejor película extranjera
British Independent Film Awards: Mejor actor (Fassbender). 6 nominaciones.
Asociación de Críticos de Los Angeles: Mejor actor (Michael Fassbender)
Critics Choice Awards: Nominada a mejor actor (Fassbender) y actriz sec. (Mulligan)

Hay ciertas películas que no dejan indiferente a nadie, y creo que SHAME es una de ellas. En primer lugar por lo arriesgado de su temática, y en segundo lugar por la forma de abordarla.
Su director, Steve McQueen, ya hizo un arriesgado trabajo en HUNGER (2008) sobre el tema de una prisión de máxima seguridad en Irlanda del Norte y la huelga de hambre de miembros del Ira en 1981 que desgraciadamente aún no he visto, cosa que intentaré solucionar tan pronto como me sea posible.

SHAME va por otros derroteros no menos polémicos: la vida y drama de una persona adicta al sexo que lo lleva a un punto de no retorno en su vida, llegando a perder el control y siendo incapaz de establecer relaciones normales con aquellos que lo rodean. Algo lineal en su desarrollo pero para nada aburrida, la película no está exenta de imágenes explícitas que pueden hacerla quizás un tanto extrema (con algún que otro giro muy deudor del cine de Haneke), sobre todo si no se está acostumbrado a este tipo de dramas, tan reales como la vida misma. Su protagonista está genialmente interpretado por un MICHAEL FASSBENDER en estado de gracia, con multitud de registros... desde su frialdad aparente a su dificultad para las relaciones interpersonales, un personaje lleno de matices y detalles, turbado y en ocasiones taciturno que ve como el control de su vida se va escapando poco a poco.
La particular y ambigua relación con su hermana también es destacable dentro de los detalles de la vida interior del personaje, que aunque no se diga explícitamente, se deja entrever que ambos provienen de una familia desestructurada (sin ser ello indicativo de la enfermedad del protagonista).
El film aun no recreándose en imágenes explícitas ni demasiados primeros planos, no está para nada exento de imágenes sexuales, resultando algunos pasajes algo tórridos por su contexto, frialdad y deshumanización.
Como nota curiosa la melodía de MY FAVOURITE THINGS en versión de COLTRANE que suena en un pub mientras el protagonista se encuentra "de caza"... muy sugerente.

En definitiva, un vivo retrato social y humano de las dificultades para socializarse de una persona enferma que ve como su vida puede convertirse en un auténtico calvario, y que nos muestra una faceta más del poliédrico ser humano. Plana en algunos tramos y falta de ritmo narrativo pueden ser dos de los principales hándicaps de la película, pero que quedan soterrados por la exquisitez de su conjunto final. De imprescindible visionado.

CUENTOS COMPLETOS - FLANNERY O´CONNOR

Considerada por la crítica como una de las grandes escritoras del siglo XX, y enclavada en el contexto de la literatura del Sur de los Estados Unidos, Flannery O´Connor (25 de Marzo de 1925, Savannah, Georgia - 3 de Agosto de 1964) publicó 32 relatos, 2 novelas y numerosos ensayos y críticas.

En el tomo Cuentos Completos se recogen todas sus recopilaciones de relatos incluidos los inéditos que no habían visto la luz hasta ahora. Un tocho de 840 páginas que se leen sin darse uno cuenta y que lejos de haberse quedado obsoletos, rezuman una fuerza sorprendente en sus líneas, demostrando que hay escritores que acaban rompiendo la barrera del tiempo para convertirse en inmortales.

Desde el racismo del Sur de los Estados Unidos en la dura época de los recolectores de algodón hasta el fundamentalismo católico cuasi sectario de la zona; de la extrema pobreza hasta el señoritismo de los poderosos capitalistas... todo ello en un aura que en ocasiones roza lo onírico y surrealista. Cuentos densos, agobiantes y moralistas sin caer en la retórica ni en la prédica inútil, sino más bien todo lo contrario, al resultar totalmente críticos tanto con el sistema como con los cerrados pensamientos religiosos del hombre temeroso de dios.

Resaltar el tremendo contraste en varios de los relatos entre el hombre de campo que abandona su entorno para dirigirse a la todopoderosa, mística y peligrosa ciudad, donde la tecnología tiene la batalla ganada contra lo rural y obsoleto. La pena, la culpa, los remordimientos... Flannery O´Connor toca la raíz misma de la ética y moral humana, haciéndote reflexionar sobre tus propios principios y valores.
Todo un clásico imprescindible en cualquier biblioteca que se precie.

PUTREZINE 011... SEIS MUJERES PARA EL ASESINO (MARIO BAVA; ITALIA, 1964)

"El salón de moda, organizado por Cristina y su amante Max, es un lugar de lujuria, tráfico de cocaína y chantaje, donde una serie de jóvenes modelos son asesinadas de forma salvaje. Parece cada vez más claro que todas las víctimas tienen un pasado muy turbio y, poco a poco, sus secretos se verán desvelados a través de un diario dejado por una de las modelos asesinadas... (FILMAFFINITY)"

Película que en muchos ámbitos es considerada como una de las que marcan el inicio del género GIALLO, junto con LA MUCHACHA QUE SABÍA DEMASIADO (1963) subgénero de cine italiano que mezcla a partes iguales el thriller y el terror. Giallo en italiano significa AMARILLO, que es el color de las cubiertas de las novelas policíacas que se editaban en Italia en la década de 1930.
Los flashbacks, los enigmas a lo largo de todo el film, los secretos guardados y los crímenes son fundamentalmente los pilares básicos del género, que se ve reforzado por ambientes claustrofóbicos, el uso del pseudo-erotismo y un especial hincapié en la música, que refuerza las imágenes tal y como se hacía en otros géneros como el SPAGUETTI WESTERN.

En 6 MUJERES PARA EL ASESINO tenemos una atmósfera conseguida, muy cargada y que en ocasiones puede recordar los decorados de la Hammer en su época dorada. Las interpretaciones correctas sin ser nada del otro mundo pasan quizás algo desapercibidas (especialmente la terriblemente mala interpretación del inspector de policía), no siendo de las principales bazas del film. Como film iniciático del Giallo tenemos una alta dosis de suspense en un metraje cargado de secretos donde lo principalmente destacable es la forma de rodar de Mario Bava, muy centrado en los detalles, los primeros planos y algún que otro arriesgado movimiento de cámara; violencia explícita en algunos detalles bastante bien conseguidos y nada más. Una película que deleitará a amantes del género pero que en definidas cuentas quizás acaba siendo algo pueril en su desenlace final... aunque claro, sin perder en absoluto el status de culto de la cinta y de lo que vendría a desarrollarse a posteriori.

SHIBUSA SHIRAZU ORCHESTRA - SHIBUBOSHI

Si hay algo que define a los japoneses en su forma de abordar la música en todas sus vertientes es su infinita pasión por lo que hacen. Expertos en el campo de dar una vuelta de tuerca a todo lo que se les cruza por su camino, es encomiable pues su increíble capacidad para la técnica y para hacer fácil lo que a veces y a priori resulta prácticamente imposible. No suelen ser pioneros pero ni falta que les hace... desde la experimentación más loca de la psicodelia japonesa hasta el pop edulcorado digno deudor de los BEATLES. Es curioso también la gran facilidad que tienen para lo rocambolesco, lo paródico, el ruidismo y la pura experimentación, de hecho el mismísimo JULIÁN COPE en su JAPROCKSAMPLER marca la Segunda Guerra Mundial como un acontecimiento que marcaría a toda una nación en todos los aspectos de su existencia, incluida la música.

SHIBUSA SHIRAZU ORCHESTRA es un poliédrico combo de free jazz (por decir algo) con el espíritu de una añeja BIG BAND norteamericana, la capacidad para el histrionismo y el teatro de los bailarines BUTOH (con raíces tanto clásicas como modernas) y mucha, mucha mala leche. Formados en 1989 y con la batuta mentora de DAISUKE FUWA, no escatiman en añadir elementos de rock a su música e incluso unos ramalazos psicodélicos muy presentes en el disco que nos ocupa: SHIBUBOSHI.

SHIBUSA SHIRAZU ORCHESTRA rondan la veintena de músicos como media, unas veces más, otras menos, y entre sus músicos militan o han militado personajes de la talla de Hiroaki Takayama o Takeshi Shibuya. Violines, flautas, saxos, trompetas, clarinetes, guitarras y todo lo que se te ocurra, incluidos instrumentos tradicionales japoneses se unen a la fiesta, porque si hay algo que define a esta banda es el espíritu festivo (que no alegre ni dicharachero) de sus composiciones.

Y es que lo mismo se marcan un tema de marcado carácter espacial y místico, que arrancan con ritmos cuasi balcánicos en una puñetera orgía sónica de capas superpuestas donde es difícil no perderse o quedar exhausto. Ahora bien, en su música no suena nada artificioso, fuera de lugar o "de relleno"... y es que a pesar de darle bien duro al Free Jazz en la mayoría de los temas, los músicos están tremendamente compenetrados y funcionan tan a la perfección como un puño americano en las manos indebidas de un maleante.

En medio de todo, bailarines, danzantes, bufones y me extrañaría que no hubiese alguien vendiendo almendras, tal es el espíritu festivo de la banda (concebida por y para el directo).

SHIBUBOSHI es su octavo álbum (2004), y cuenta con la particularidad de contar con la presencia de MARSHALL ALLEN, MICHAEL RAY y ELSON NASCIMENTO, todos ellos míticas figuras en torno a la no menos demencial SUN RA ARKESTRA, y es que volviendo al principio de esta crítica, no puedo quitarme de la cabeza la capacidad de los japoneses de copiar una fórmula y darle su propio empuje de originalidad.

Evidentemente, la SUN RA ARKESTRA y sus múltiples variantes marcó el inicio de todo este tipo de combos locos de free-jazz, y es que difícilmente se imagina uno la existencia de SHIBUSA SHIRAZU ORCHESTRA si el extraterrestre de SUN RA no hubiese experimentado con los teclados y otros cachivaches a lo largo de casi cuatro décadas. Una prueba de ello es el tema corto QUASAR a cargo de KATO TAKAYUKI, que hace sonar su guitarra con múltiples efectos, reverbs y todo lo que se le ocurre para emular un tema típicamente SUNRANIANO (de hecho, cuesta imaginarse que es una guitarra; he tenido que consultar el libreto para cerciorarme).

En el disco se rinde homenaje a dos de las piezas más conocidas de la SUN RA ARKESTRA: IMAGES y (cómo no), SPACE IS THE PLACE, que suena menos FUNKY que la original pero mucho más esquizofrénica y acelerada. Curiosamente, los músicos de la ARKESTRA no tocan en ninguno de los dos temas, dedicándose a participar en el resto de temas compuesto por SHIBUSA SHIRAZU.

¿Destacar un tema por encima de otro?... harto imposible. Desde temas que parecen estar producidos por el mismo RUDY VAN GELDER de BLUE NOTE (la verdad es que SHIBUSA SHIRAZU a mi humilde parecer, suenan más clásicos en algunos temas de lo que a priori pudiera parecer), hasta otros de corte mucho más experimental, espaciales e incluso coqueteando con la psicodelia y el jazz-rock.

Sin ir más lejos, el quinto tema AKKAN suena como si a Morricone le hubiera dado por el jazz y hubiese nacido en el lejano Oriente, con ese tremendo sonido de fondo emulando al HARMONIUM hindú que incita a la contemplación interior (hasta que entra la batería y los saxos se vuelven locos, claro). Impecable presentación a cargo del sello CHITEI RECORDS y la verdad sea dicha, por tema de conversión de yenes en euros, un poquito difícil y caro de conseguir, ya que no cuentan con distribución Europea.

¿Todavía no te has convencido?... lo harás cuando los veas tocar en la verbena de tu pueblo...

PUTREZINE 010... THE DEVILS (KEN RUSSELL; REINO UNIDO, 1971)

El director de culto KEN RUSSELL, autor entre otras de las célebres TOMMY (1975) o GOTHIC (1986) nos lleva de la mano en un controvertido viaje cuasi onírico y surrealista a la Francia del Siglo XVII, concretamente a una ciudad de Loudoun azotada por el férreo mandato de Richelieu y el emperador de Francia, que no dudan en convertir en herejes a todos aquellos que vayan contra el poder.
Basada en una obra de Aldous Huxley, THE DEVILS cuenta con unos decorados que rozan el puro futurismo, de tal modo que hasta que no llevas un buen trozo de metraje tienes la duda de si se trata de una película de época o roza el puro anacronismo. Controvertida en muchos aspectos (llegó a prohibirse en Italia), THE DEVILS es una película casi impensable a día de hoy, y es que se trata de puro cine de autor, que ya en su época sufrió profundos cortes de censura (sobre todo la escena de la orgía y el icono de Cristo crucificado, muy polémico y que no se recuperó hasta tiempo después en una versión en DVD sin censurar y que es la que he tenido la suerte de visionar).
Magníficas interpretaciones de sus protagonistas principales, destacando a un gran OLIVER REED como el Padre Grandier y a VANESSA REDGRAVE como Sister Jeanne, un personaje atormentado y aquejado de males del espíritu, el cuerpo y el alma...
Su fotografía es magnífica, y como he dicho antes roza el puro surrealismo, con una ciudad que parece alejada del tiempo y el espacio resultando una pura metáfora. Los decorados, las vestimentas... todo parece surgido de una pesadilla atemporal en la que los protagonistas purgan sus pecados aunque estos no sean siempre lo que parecen...
La interpretación del Padre Barre por MICHAEL GOTHARD es sublime, y su caracterización que roza el puro hippismo junto con su histriónica forma de realizar los exorcismos añaden un punto de locura al film nada desdeñable.
En resumen, que se abstengan los puros de mente y cuerpo y todos aquellos que no desean inmiscuirse en los pétreos caminos de la libertad de expresión, ya que la mayor parte de la película es una crítica anti sistema de todo tipo (desde los totalitarismos políticos hasta la religión institucionalizada) que no duda en escatimar en imágenes profundamente perturbadoras para aquellos no familiarizados con el cine oscuro y maldito de una década ya irrepetible tanto en cine como en música. Una maravillosa muestra de cine de autor, personal y contracorriente que nos muestra la cara menos amable de todos aquellos dogmas que pululan por nuestro día a día.

PUTREZINE 009... TODOS LOS COLORES DE LA OSCURIDAD (SERGIO MARTINO; ITALIA, 1972)

"Jane es un ama de casa aburrida que vive junto a su marido en un edificio de apartamentos en un barrio del viejo Londres. Extraños acontecimientos comienzan a suceder cuando a Jane se le aparece un misterioso hombre blandiendo un puñal. Jane ya no sabe distinguir entre la realidad y sus visiones. (FILMAFFINITY)"

El cineasta de culto SERGIO MARTINO, autor entre tantas otras de TORSO, VIOLENCIA CARNAL , LA PERVERSA SEÑORA WARD, 2019 TRAS LA CAÍDA DE NUEVA YORK o EL ASESINO DEL CEMENTERIO ETRUSCO nos trae aquí una onírica y deslabazada cinta de terror psicológico mezclado con Giallo que personalmente no me ha acabado de gustar.
Cierto que sus poderosas imágenes y la música del gran BRUNO NICOLAI (discípulo aventajado del mejor MORRICONE) tendrían que bastar para que el film se encumbrara en estas páginas a los altares del género... pero sin embargo, hay momentos reiterativos del film que me estropean el resultado final, como la pesadísima persecución del hombre de los ojos azules a la protagonista, que se repite una y mil veces a lo largo de la película y que llega a hastiarme.
Lo mejor quizás sean las reuniones de la secta, muy conseguidas y psicotrónicas, aunque no basten imágenes sueltas para darle coherencia a un guión ya de por sí flojo y falto de punch.
TUTTI I COLORI DEL BUIO se queda en agua de borrajas por lo pesado de algunos momentos y la falta de acción. No obstante, su rareza, su música y la forma de rodar del gran Sergio Martino hacen que merezca la pena su visión. Tú mismo...

PUTREZINE 008... SHOCK (ITALIA; MARIO BAVA, 1978)

"Dora, su segundo marido Bruno, y Marco, un niño hijo del primer matrimonio de ella, van a la casa de campo que era del matrimonio antes de que ella cayera en una profunda crisis a causa del supuesto suicidio de él. El chalet parece estar poblado de fantasmas: Marco alterna momentos de infantilismo con momentos en los que parece estar poseído por un espíritu que lo induce a rechazar a su padrastro y a ensañarse contra su madre. Dora, a pesar de los intentos de reacción y la afectuosa presencia de Bruno, manifiesta señales de desequilibrio mental cada vez más frecuentes. (FILMAFFINITY)"

Ganadora en el Festival de Sitges de 1978 del premio al mejor guión, el gran Mario Bava nos sumerge en una onírica trama llena de matices mezclándose el Giallo y el Terror Sobrenatural a partes iguales. Lo cuidado de la trama, fotografía y música refuerza un film típicamente de factura italiana, con los clichés propios de este cine, lleno de primeros planos, psicotrónicos momentos que no parecen terminar nunca y desenlaces inesperados.
Película por tanto imprescindible para los amantes de los géneros antes citados y que gusten de bucear en las filmografías malditas de tantos y tantos maestros olvidados.

PUTREZINE 007... TELÉFONO MORTAL (ITALIA; RUGGERO DEODATO, 1988)

"Una psíquica se ve atrapada por la energía de una operadora de teléfonos fallecida. Sus amigos comienzan a morir de manera misteriosa y un investigador se propone encontrar las causas de muerte. (FILMAFFINITY)"

MINACCIA D´AMORE o mejor dicho, TELÉFONO MORTAL para todos los hispanohablantes es un bodrio pergeñado por el otrotra director de culto RUGGERO DEODATO, autor entre otras de HOLOCAUSTO CANÍBAL.
El producto final es una cinta de las que pululaban habitualmente en los videoclubs en la zona de terror sobrenatural, que nos atraían con sus extrañas y coloridas portadas y que unas veces disfrutábamos, y otras maldecíamos al director.
La música de Claudio Simonetti no se encuentra muy inspirada y viene a histrionizar las ya de por sí aburridas y alocadas imágenes de la película, que por desgracia carece del puntito psicotrónico necesario para que yo disfrute del film, salvo un par de escenas que sí merecen destacar, como el menda que muere a manos de las monedas que lanza una cabina telefónica... Su factura y efectos especiales son correctos para el año que corre (1988) pero el guión es muy simple, huyendo de las intrincadas tramas que se ven a veces en el Giallo, prefiriendo los golpes de efecto típicos de las películas de los ochenta. Igualmente, el erotismo que suele ir acompañado a este tipo de películas italianas y que eran tan abundantes en la década de los 70 se dejan aquí de lado en busca de una mayor comercialidad, e incluso los pocos momentos subidos de tono resultan casi ridículos, como la protagonista retozándose en ropa interior en la piscina de su casa...
Por lo tanto, nada del otro mundo sólo recomendable para completistas del director italiano o aburridos mentales sin nada mejor que hacer...

EXHUMED MOVIES FANZINE

Resulta totalmente sorprendente como hay gente que se resiste al inexorable paso del tiempo ejerciendo una labor de exhumación y recuerdo de vídeos tan irresistiblemente atractivos como difíciles de encontrar en ocasiones. Lo que a priori para algunos es una absurda tarea se convierte para otros en un auténtico hobby que define y modela un estilo de vida que viene a calar hondo en la persona en particular, y es que los amantes del vhs, el fancine y lo analógico como modo de expresión no son gente al uso en el sentido comercial del término, o al menos no por norma general.

El fanzine parecía ya muerto y enterrado hacía años producto del imparable avance de los fancines digitales y los blogs especializados que amenazaban a este subgénero hasta el punto de convertirlo casi en especie en extinción. La fotocopia del papel y el montaje a mano quizás quedan en el recuerdo de nostálgicos que siempre han tenido la espinita de expresar sus conocimientos sobre tal o cual tema según a ellos mismos les gustaría leerlo, es decir, que el fanzine se hace por y para aficionados, rehuyendo habitualmente de profesionales más pagados de sí mismos que gustan de publicaciones de más raigambre y prestigio.

Sin embargo, siempre existirá el romántico deseo del fancine, que viene a rellenar los profundos huecos donde no llegan las publicaciones oficiales. Además, en ocasiones es el aficionado y hacedor de fanzines el más cualificado para tratar temas que domina tan a la perfección como el pan nuestro de cada día, tal es el caso con la publicación que ahora nos ocupa...

EXHUMED MOVIES ZINE es una maravillosa iniciativa a cargo de los míticos y prestigiosos portales EXHUMEDMOVIES.COM y MISKATONICWEB.COM, dedicados desde hace un tiempo a la ardua labor de recuperación de cine descatalogado, de culto, maldito, de terror, españoladas, spaguetti-western, erótico... que sobre todo reinaron en el nostálgico ambiente del vhs, el betamax, el vídeo 2000 e incluso el SUPER 8. En este caldo de cultivo ya venía rumiándose lo que por fin ha sido un parto con dolor; la creación del número 0 limitado a 150 copias (ya está agotado, por cierto) del EXHUMED MOVIES ZINE.
Con un gusto exquisito por la recuperación de carátulas de la época junto con fotogramas y publicidades de las películas difíciles de encontrar salvo por empedernidos coleccionistas, el número 0 se divide en varios subapartados.

En primero lugar se tratan dos joyas ocultas del género que vino a llamarse POSTAPOCALÍPTICO SEXUAL, mezclándose el puro cine de ciencia ficción baratuno con la explotación más explícita. A continuación se hace un repaso a la productora FOR FILMS, que en plena época del inicio del destape y antes de la aparición del vhs o el betamax ya sacaba cortos en formato 8mm de índole erótica que venían a saciar las ansias de sexo de los aburridos españolitos... osea, los inicios del CINE PRECLASIFICADO S que no es más que el punto de partida del cine erótico español, donde ya hacían sus pinitos en estos deliciosos cortos gente que posteriormente ganaría fama con otros menesteres y géneros. En el amplio apartado CINE MALDITO Y OSCURO ESPAÑOL se hace un repaso a SEXO SANGRIENTO (Manuel Esteba, 1981), LA CASA (Angelino Fons, 1974), y un breve artículo comparativo de ésta con EL REFUGIO DEL MIEDO (José Ulloa, 1974). Además, un repaso a LA MUERTE INCIERTA (José R. Larraz, 1973), la vida de Ramón Barco y su trilogía de films MECANISMO INTERIOR (1974), TODOS LOS GRITOS DEL SILENCIO (1975) y EL AVISPERO (1976). Luego tenemos el análisis de LA LLAMADA DEL SEXO (Tulio Demicheli, 1977) y para concluir el apartado de cine maldito y oscuro español un repaso a JOSE MARÍA OLIVEIRA con LAS FLORES DEL MIEDO (1972) y LOS MUERTOS, LA CARNE Y EL DIABLO (1974). Ni que decir tiene lo difícil de encontrar que resultan estas películas, que gracias a personas que nos ofrecen su tiempo y paciencia podemos en ocasiones (y si tenemos suerte) tener el placer de visionar.
El siguiente apartado del fancine es sobre cine POLIZIESCO/EUROCRIMEN italiano, con los títulos POLICÍAS VIOLENTOS (Michelle Massino Tarantini, 1979); ITALIA A MANO ARMADA (Marino Girolami, 1975) que viene a cerrar la trilogía del Comisario Betti; CAZA AL MARSELLÉS (Stelvio Massi, 1974) y LA LEY DEL GÁNGSTER (Siro Marcellini, 1969) con el inconmensurable Klaus Kinski.
En el apartado de ARQUEOLOGÍA DEL CINE DE CULTO tenemos un repaso a LSD EL SEXO DE LOS ÁNGELES (Ugo Liberatore, 1969); EL BELLO MONSTRUO (Sergio Gobbi, 1971) y ¿POR QUÉ SE SUICIDAN? (Mauro Macario, 1976).
Como no podía ser de otra forma también tenemos espacio en sus páginas para el imprescindible género GIALLO con los títulos VIAJE AL VACÍO (Javier Setó, 1969); LA CONTRAFIGURA (Romolo Guerrieri, 1971) y JOVEN DE BUENA FAMILIA SOSPECHOSA DE ASESINATO (Alfonso Brescia, 1972).
Cierra el fancine un reportaje sobre la controvertida figura de ALBERTO CAVALLONE y su film MALDOROR (1977).

En definitiva, tremendo debut para un fancine que espero que tenga continuidad con sucesivos números y que me ha sorprendido e ilusionado a partes iguales. Quizás como mejoras la maquetación que se hace un poco confusa, el cuidado en la redacción de los textos y algún que otro detalle que tampoco desmerece para nada el producto final, y es que en líneas generales ha quedado visualmente muy logrado atrayente, con un total acierto en la elección del tamaño, formato y papel.
Lo dicho; primer número de lujo para un cine del que apenas se publica nada y que como las leyendas urbanas, se transmite a la luz de las hogueras y de boca en boca...

PUTREZINE 006... DEATH RACE 2000 (PAUL BARTEL; ESTADOS UNIDOS, 1975)

Corrían los tiernos años de mi preadolescencia cuando entre corrillos y rumores se hablaba de esta polémica cinta producida por Roger Corman de 1975... polémica cuando salió, claro, puesto que hoy día ha quedado enterrada entre las barbaries y crueldades televisivas que nos inundan por doquier.
¿Habéis visto esa película en la que atropellan a niños y ancianos en una carrera para conseguir puntos?, se decían en los recreos...
Y encima tenías a David Carrradine y a Sylvester Stallone en sendos bizarros papeles postapocalípticos y entrañables que ya de por sí hacen obligado su visionado.
A día de hoy la película ya no resulta impactante ni violenta, pero sigue conservando todo su encanto para todos aquellos amantes del cine de serie ínfima y concretamente el género que se tildó como POSTAPOCALÍPTICO, todo un género producto de una época convulsa coincidente con la revolución de la energía nuclear e impulsado por grandes del género como MAD MAX.
Presupuesto irrisorio, coches de plástico (impagable la bayoneta del coche de Sly), dosis de erotismo barato y destacando sobre todo el conjunto al gran DAVID CARRADINE en el personaje de FRANKESTEIN... un conductor que ha quedado desfigurado tras repetidos accidentes en carretera y que han reconstruido secretamente para que gane las carreras favoreciendo al gobierno dictatorial.
Ideal para noches de insomnio, quedadas cinéfilas con amigos o nostálgicos del VHS.

Por cierto, su estatus de culto queda demostrado con las recientes DEATH RACE (con el nuevo mito del género de acción, JASON STATHAM) y DEATH RACE 2. Como siempre digo... mejor busca las originales. Aquí tenéis un vídeo recopilatorio de las mejores imágenes del film: