jueves, 27 de marzo de 2014

MODERN FUNERAL ART, LAS PÁLIDAS ORILLAS DE PLUTÓN (PARTE I)

MODERN FUNERAL ART es una banda francesa bastante desconocida que se forma en 1996 tras la unión de Pascal N´guyen (guitarras), Benoit Sangoï (batería) y Arnaud Sptiz (voces y letras) a los que se une Steve Jammes (teclados). La banda funciona muy bien desde el principio y empiezan a componer temas propios, a los que se une alguna versión como “A Horse with no Name” rebautizada “A horse with no Name under the Fires of Orc, thanks to William Blake”.

Las influencias de la banda son bastante dispares, desde Black Sabbath pasando por el Cold Dark wave de unos Bauhaus o Joy Division, pero anclando la base de su sonido en el doom Europeo de bandas como Tiamat, Katatonia o My Dying Bride. 

Con respecto al nombre de la banda, en palabras de Arnaud Spitz:EL ARTE FUNERARIO moderno era el nombre de una tienda artesanal donde trabajaban el mármol empleado en los ritos funerarios en Toulouse. Esta denominación me suena paradójica, la oposición entre lo MODERNO que representa lo fútil, la moda, en definitiva lo efímero, y el ARTE FUNERARIO tradicional realizado en pintura, escultura, arquitectura funeraria, los monumentos eternos alzados para ser remembrados para que las generaciones venideras recuerden a sus ancestros”.

En 1997 entran en contacto con Stèphane Vanstaen, encargado de AUTUMN PRODUCTIONS y de las guitarras y voces en la banda neofolk DOWNFALL. Gracias a Stèphane, MODERN FUNERAL ART graban su primera Demo-Tape semiprofesional llamada “ALMOST ANGELS” (por desgracia es la única grabación de la banda que no poseo y que no he podido escuchar), que funcionó bastante bien a nivel de público y crítica. Sin embargo, motivos personales llevaron a un año de inactividad de la banda que resurgiría a finales de 1999 con una nueva grabación en los HELL-ON-EARTH STUDIO.

GATEWAYS OF SLUMBER, título que hace referencia al Lovecraftiano poema NÉMESIS, es la primera grabación oficial de la banda, que ficha bajo la escudería DRAMA AND SIN COMPANY de BILBAO. La banda la forman en este momento Steve Jammes a los teclados, Benoit Sangoi a la batería programada, Pascal N´Gyen a las guitarras y Arnaud Spitz al bajo y voces, a los que se une en arreglos, guitarras y voces el propio Stephane Vanstaen (también encargado del artwork que incluye unas impresionantes fotografías de LA CATHEDRALE DE REIMS. Letrísticamente la banda se influencia de POE, WILLIAM BLAKE, LOVECRAFT y otros decadentes escritores y poetas.

THE PALE PLUTONIAN SHORE abre el disco con un correoso ritmo a medio tiempo sobre el que planean las peculiares voces nasales y susurrantes de Spitz. Hipnótico y serpenteante tema que bebe de múltiples influencias… desde el doom/death de corte más romántico a la escena gótica. Algo así como FIELDS OF THE NEPHILIM meets MY DYING BRIDE. Sencillas pero efectivas líneas de teclados catedralicios le dan cuerpo al tema… una delicia, especialmente el final del tema con el cuasi susurro de Arnaud. GATEWAYS OF SLUMBER está compuesto por un épico riff de guitarra y continúa el tono del anterior tema. La música de MODERN FUNERAL ART es asfixiante, pegadiza, oleosa… evoca miseria, flores y hojarasca pútrida bajo oxidadas verjas de cementerio. La guitarra parece fantasmal, como en segundo plano… como si la música de MFA fuese una psicofonía recogida a través del tiempo. THE ASTRONOMER es un himno a la decadente poesía, la alquimia y la astronomía… como respirar arena ardiendo. Las notas se clavan en tus fosas nasales y no te dejan respirar.

ALMOST ANGELS (PART 2) cierra el disco con una reverberante cadencia doom. El órgano nos hace viajar mientras el resto de la música parece venir de debajo del agua. Arnaud despliega sus lamentos recordándome a la pasión que imprime Aaron Stainthorpe a los temas de My Dying Bride… el final del tema está infectado de goticismo y decadencia y me deja exhausto. Corto, demasiado corto resulta GATEWAYS OF SLUMBER.

continuará....



lunes, 24 de marzo de 2014

IN FEAR (JEREMY LOVERING; REINO UNIDO, 2013)

"Atrapados en un laberinto de carreteras secundarias con solo su coche como protección, Tom y Lucy se encuentran aterrorizados por un torturador que explota sus mayores temores. Finalmente, se dan cuenta de que el mal está dentro, sentado en su coche. (FILMAFFINITY)"

IN FEAR es una película de terror británica de la que están hablando bastante por los medios. Calificada como película "de mucho miedo y suspense" por aquellos que han tenido la oportunidad de verla...

Sin embargo, a pesar de ser muchas las virtudes del film, pesan demasiado los defectos y lo que a priori es una claustrofóbica cinta con toques a lo DEAD END (JEAN BAPTISTE ANDREA, 2003) pero sin la gracia y bizarrez de aquella, claro está, acaba convirtiéndose en otra vuelta de tuerca al maníaco asesino que se te sienta a tu lado (véase CARRETERA AL INFIERNO, ROBERT HARMON, 1986).

Quizás lo mejor del film son los 30 primeros minutos, que consiguen meterte la intranquilidad en el cuerpo a golpe de carreteras secundarias y caminos rurales. Lo demas son clichés de lo mismo mejor o peor llevados a cabo y que bueno, ya no sorprenden demasiado... ya se sabe que lo que se usa mucho se desgasta.

En resumen: lo mismo de siempre; buena factura, pocas ideas, mediocre resolución.


TULPA - PERDIZIONI MORTALI (FEDERICO ZAMPAGLIONE; ITALIA, 2012)

"Ya se sabe que conseguir un estado de ánimo zen es bastante difícil con los crispados tiempos que corren. Menos aun, si nos encontráramos en la situación de Lisa. Trabajadora de éxito, pasa las noches en el club de un gurú tibetano, que da rienda suelta a todo tipo de relaciones promiscuas. Las cosas se giran definitivamente para Lisa cuando sus amantes comienzan a caer como moscas, asesinados de maneras extrañas. El problema es que Lisa no puede ir a la policía, pues afectaría a su trabajo; así que, cual heroína, decide resolverlo por su cuenta. (FILMAFFINITY)"

Al director FEDERICO ZAMPAGLIONE ya lo conocía de la correcta SHADOW (2009), un film bastante curioso que viene a revitalizar un poco el estancado panorama del fantástico italiano y que reseñé en su día: 

En TULPA-PERDIZIONI MORTALI, el director apuesta por una clara revisitación del GIALLO, con toques de cine sobrenatural (que todo sea dicho, podrían haberlos omitido) y altas dosis de violencia explícita de esas que tanto gustan a los del país de la bota. 

Construcción de la trama totalmente Made-in-Italy y un inicio espectacular que es claramente uno de los mejores momentos del film. El resto discurre por los típicos caminos del Giallo: asesino enmascarado, muertes crudísimas, panoplia detectivesca con algún que otro sospechoso que no lo es tal... en definitiva, un buen homenaje a los clásicos. Fotografía muy destacable sobre todo en los interiores del club TULPA, con un sórdido ambiente que mezcla en esencia a un puticlub de lujo con un bareto chill-out... genial.

Como protagonista se ha elegido a la veterana CLAUDIA GERINI que para nada se amilana en unas escenas con alto contenido erótico (otra característica del buen Giallo); por otro lado, el carismático personaje de KIRAN, interpretado por el cadavérico NUOT ARQUINT, acaba convirtiéndose en una parodia al introducirse ligeros elementos sobrenaturales a la trama, que para mi gusto no terminan de cuajar, si bien es cierto que le da un aire de bizarrez a la trama ciertamente singular.

Y poco más; los amantes del Neo-Giallo la disfrutarán de lo lindo porque TULPA está llena de excesos, violencia a raudales y, se me olvidaba, una magnífica banda sonora compuesta por THE ALVARIUS, un proyecto en el que participa FRANCESCO ZAMPAGLIONE (hermano del director) y ANDREA MOSCIANESE. Resaltar que ambos son los encargados de la banda sonora de la previa SHADOW y que con un alto nivel logran imbuirnos del puro aire setentero de clásicos como FRIZZI o GOBLIN... un acierto.


MYSTERY ROAD (IVAN SEN; AUSTRALIA, 2013)

"Un detective de raíces indígenas regresa al interior de su país para investigar el asesinato de una joven. (FILMAFFINITY)"

El director IVAN SEN hace un "yo me lo guiso, yo me lo como" en este oscuro thriller crepuscular con mucho de western y algo de road-movie. IVAN SEN se encarga de la dirección, guión, fotografía y música, todos ellos aspectos impecables en esta estupenda película australiana.

Estamos ante un polvoriento thriller en toda regla, cargado de mala baba y de violencia contenida que va dosificándose hasta su eclosión final, muy deudora como digo del cine western no sólo por la forma de encararse la trama, sino por la resolución de esta.

Destacar los parajes desérticos de la Australia profunda donde se desarrolla la historia. Espacios vacíos que sobrecogen el alma y que dan mucho juego para desarrollar la magnífica fotografía que se destila en MYSTERY ROAD. AARON PEDERSEN está muy correcto en el papel del detective Jay Swan, y como secundario de lujo tenemos al grandísimo HUGO WEAVING, un auténtico todo terreno con un alto grado de magnetismo que llena la pantalla.

Una película totalmente recomendada para amantes del thriller y el western por partes iguales.


viernes, 21 de marzo de 2014

PRESENTACIÓN DE “CINE-BIS” EN FILMOTECA ESPAÑOLA






El próximo día 28 de marzo, viernes, a las 19:30 h., se presentará en Filmoteca Española el nº 1 de CINE-BIS. En la sala 1 del Cine Doré (C/ Santa Isabel, 3, Madrid) estarán presentes el director de la publicación, Javier G. Romero, y parte del equipo de escritores de este número inaugural: el veterano Carlos Aguilar, Pablo Herranz y Ángel García Romero.

Tras la presentación se proyectará la mítica película blaxploitation “Las noches rojas de Harlem” (Shaft, Gordon Parks, 1971), violento thriller urbano que inició la eclosión de la modalidad y que obtuvo un Oscar a la mejor canción, compuesta e interpretada por el legendario Isaac Hayes.


En el nº 1 de CINE-BIS, revista especializada en cine de género alrededor del mundo, figuran artículos sobre el cine Blaxploiation, el Fantástico filipino, la ciencia-ficción USA de los 70, las adaptaciones al cine de la obra de Leonardo Sciascia –“A cada uno lo suyo” (1967) y “El día de la lechuza” (1968), precursoras del Poliziesco–, un dossier sobre el cineasta Alain Corneau –autor de varias obras maestras del Polar (policiaco francés)–, un estudio de la inquietante película “El incinerador de cadáveres” (1968), entrevistas exclusivas al cineasta italiano Fernando di Leo y la mítica actriz Helga Liné, y una conversación con David García, director del fanzine “Monster World”. El equipo de redactores, además de los citados más arriba, lo completan Fernando Rodríguez Tapia, Adrián Sánchez y Pablo Fernández.

martes, 18 de marzo de 2014

PERENNIAL ISOLATION - CONVICTION OF VOIDNESS (FLAMMA IV CD; DARKWOODS 2014)

MMXXII se declara año Non Sacro. Desde Barcelona y en plena época invernal, se forman PERENNIAL ISOLATION, grupo de Black Metal Atmosférico con toques Pagan. K a las guitarras; V a la batería y A al bajo y voces conforman esta singular formación donde curiosamente K resulta ser guitarra flamenca profesional. 

Indagando un poco más en mis añejas estanterías de polvorientos legajos, llego a la conclusión (no sé si errónea o no), de que A resulta que podría ser ALBERT "MORKE" BATTLE, vocalista de SETGE, los desaparecidos CRYNIGHT, ex TAÜT, ex VIRIUM y ex ENGRAVED... 

V podría ser de VÍCTOR GATO, batería de MASSIVE WAR y en cuanto a K... pues ahí no llegan mis datos, así que digamos que podría ser un espíritu bardo del bosque. Llamémosle KIM SERRANO y hasta aquí puedo contar.

El pasado 2013 editan Ep de nombre UNCERTAINTY publicado por el sello NEGRA NIT DISTRO en formato digipack cdr y que recoge buenas críticas en diversas publicaciones del campo.

Posteriormente fichan para sacar larga duración con la discográfica/distribuidora DARKWOODS afincada en Málaga con gente que lleva ya algunos años trabajando en la música extrema desde diferentes prismas y encarnaciones (recordad que hace unas semanas os hablábamos de ZINUMM).

El nuevo trabajo de PERENNIAL ISOLATION es grabado y mezclado en los AGGRESIVE STUDIOS de BARCELONA en OCTUBRE de 2013. El diseño de portada y libreto corre a cargo de EL DIOS PEREZOSO para PUERTAOSKURA, cuyos trabajos podéis ver aquí: http://www.puertaoskura.com/

Establecidas todas las presentaciones, sumerjámonos en la propuesta musical de PERENNIAL ISOLATION...

WATERFALS FROM NOTHING abre el disco con un Black Metal tocado a medio tiempo; riffs de guitarra rozando el doom sirven de introducción al tema hasta que el tempo se acelera y de inmediato nos sumergimos en un bosque de árboles petrificados. Producción excelente y nítida pero sin perder fuerza. La música de PERENNIAL ISOLATION es fiel a las raíces del Black Metal de corte nórdico y con matices Pagan. MAYESTIC VOID y su riff marca de la casa nos retuerce las cervicales... sonido que me trae a la cabeza en ocasiones a un cruce entre CARPATHIAN FOREST e IMMORTAL pasando por los primeros SATYRICON o GEHENNA, pero a la vez sin sonar a nada de esto... ya que la música de esta gente se vuelve más atmosférica e introspectiva por momentos. Tremendo el doble bombo de la batería...

MY LAST JOURNEY TO NOWHERE nos muestra a una banda perfectamente engrasada. Destacar las voces de este tema... puro odio y nihilismo con unas letras depresivas muy del género. Me encanta la capacidad de la banda para sonar perfectamente melódicos y "discernibles" en plena vorágine y orgía sonora, y culpa de ello la tiene la excelente producción del disco. THE WHEEL OF DESOLATED MADNESS empieza con guitarra acústica y leves adornos de teclado y por momentos casi me olvido que estoy escuchando a una banda de Black Metal. Cuando entran las voces el tema se convierte en una desgarrada plegaria visceral donde la desesperanza y lo sublime se unen en un baile imposible.

LOST IN THE MIST es un corte instrumental que por momentos me trae a la mente a las bandas de Death sueco de mediados de los 90 que tan bien se fusionaban con el Black Metal creando un sonido distinto. NARAYAMA vuelve a tener un toque Death que se fusiona perfectamente con el Black... algo así como lo que hacen los EXHUMED DAY malagueños pero mucho más atmosférico. Uno de mis temas favoritos, salvaje, rápido y brutal.

THE WIND COMES FROM AOKIGAHARA tiene un riff inicial que quita el hipo. Volvemos a las raíces del Black Nórdico Pagano... recitados que celebran la belleza muerta de la naturaleza. Una gozada de tema. La batería se sale nuevamente mientras que el bajo se limita a acompañar el tema sin descarriar el asunto quizás algo tapado por los constantes rasgueos frenéticos de guitarra, que vuelve a tener interludio acústico en el tema. No sé cuantas veces he escuchado el tema, pero no puedo quitarme el riff de guitarra de la cabeza.

PRELUDE TO VOIDNESS es el broche introspectivo al disco. Bonito final con guitarra española para un muy buen disco totalmente recomendado para los amantes de estos estilos. Una oda a la negrura del ser humano vomitada en forma de plegarias Black. Sobresaliente.

sábado, 15 de marzo de 2014

EL ALTAR DEL HOLOCAUST - "H E" (AUTOPRODUCIDO, 2013

Quiso el Señor que los hombres penasen sobre la tierra… que cumpliesen condena con túnicas de blanco e inmaculado lino como la tela que envolvió a Aquel que fué Sacrificado por Sistema.

Quiso el Señor que se manifestaran en Salamanca pero etéreamente anduviesen por una JERUSALÉN espiritual y tras un calvario de índole desconocida renacieran como SKYBITE , REAPER MODEL y WEASEL JOE, esparciendo su mensaje en forma de intrincadas melodías de arcanas sapiencias. 

La Santa Cruzada de EL ALTAR DEL HOLOCAUSTO no es nueva. Vayámonos al sur y rasquemos su árida superficie para encontrar las semillas que parieron a ORTHODOX en cuanto a imaginería religiosa sacramental, que germinaron en grupos como SANTO ROSTRO y que ascendieron en forma de llamas pentecostales en PYLAR… y es que cada uno lleva sus pecados y su cruz a cuestas. Malos tiempos para la FE.

Tómense como punto de partida al post-rock de raíces más lisérgicas (a lo OM, ISIS o CULT OF LUNA), tapícese todo de música ceremonial y vomítese en forma de catarsis metalera… sí, no es nada nuevo pero nunca el mensaje fue tan luminoso y clarificador. El sonido de EL ALTAR DEL HOLOCAUSTO bebe de todas esas fuentes y me vienen a la mente grupos como MARASME, LOAN, MENTAT, NEILA... en cuanto a la escena íbera se refiere.

Su debut instrumental ha dado en llamarse HE y abre el disco con cacofónicas oraciones del inframundo. CUANDO LOS SACERDOTES QUE LLEVAN EL ARCA DEL SEÑOR DE TODA LA TIERRA METAN LOS PIES EN EL AGUA, EL RÍO SE DIVIDIRÁ EN DOS PARTES, Y EL AGUA QUE VIENE DE ARRIBA DEJARÁ DE CORRER Y SE DETENDRÁ COMO FORMANDO UN EMBALSE es un temazo de doom instrumental o de eso que ahora se lleva en renombrar Post-lo que sea. Sinuoso… como las homilías post resurreccionales. MATEO 12, 18 sigue la meditabunda plegaria… “He aquí mi siervo, a quien he escogido; Mi Amado, en quien se agrada mi alma; Pondré mi Espíritu sobre él, Y a los gentiles anunciará juicio…” . Un tema extrañamente optimista, redentor y con una guitarra elevadora… quizás el mejor tema para mi gusto de HE.

AGAIN I SAY IT TO YOU, IT IS EASIER FOR A CAMEL TO GO THROUGH THE EYE OF A NEEDLE, THAN A RICH MAN TO ENTER THE KINGDOM OF GOD tiene una cadencia Sludge que impregna todo el tema… la verdad es que  habría quedado bien alguna voz, sampler o algo que lo adornase, pero eso es sólo algo personal. Muy bueno el solo de guitarra. Batería y bajo en su sitio, marcando el ritmo como los que clavaron a Cristo en la Cruz.

EGO SUM VIA VERITAS ET VITA es la penúltima parada. Este tema me remite al polvo del desierto. ¿Jesús tomando ayahuasca?... quién sabe, porque “Yo soy el Camino, la Verdad y la Vida”. †† es el broche final. Me encanta la melodía de guitarra en un ambiente de total redención; lástima que dure tan poco, porque creo que este tema debería de desarrollarse más ya que la guitarra invita a dejarse llevar.

La semilla está plantada. Para mi gusto falta algún detalle que haga más versátil y variado el conjunto… un pequeño punto de originalidad que los separe de otras sectas que pululan por la patria. 

Pero hay más virtudes que defectos, así que de ellos será el Reino de Los Cielos.

martes, 11 de marzo de 2014

DE LUCES Y SOMBRAS. BAILANDO CON PADRE CUERVO...

Tengo que reconocer que este trabajo me ha pillado totalmente por sorpresa. MARCO SERRATO, uno de los músicos más arriesgados e inquietos del panorama musical español nos sorprende con la continuación de la genial cassette TAARU que se publicó en KNOCKTURNE RECORDS y que tuve el honor de reseñar:



De la mano de la discográfica de culto ALONE RECORDS, que paso a paso y ladrillo a ladrillo ha construido uno de los más hermosos sueños sonoros que puedan regalarse al aficionado a la música de calidad, se nos revela este SEIS CANCIONES PARA CUERVO, donde las inquietudes de MARCO pasan a un nuevo nivel expresivo. Si TAARU tenía un marcado carácter humorístico (negro, pero humorístico), SEIS CANCIONES PARA CUERVO es cuasi espiritualmente litúrgico. Poético, abstracto y como siempre en alguien como Marco, muy, muy honesto:



1)     Estamos ante un trabajo de corte tan hermético, personal e introspectivo que casi me da miedo reseñarlo… es algo así como violar la intimidad del artista. Así pues, ahórrama parte del trabajo y define tu mismo a CUERVO musicalmente.

“Seis canciones para Cuervo” es mi esfuerzo por crear algo positivo a partir de algunas malas experiencias por las que mi familia y yo hemos pasado los últimos dos años. He querido sacar todo lo negro, una especie de sombra que he sentido que nos estaba cubriendo. Ha sido como un conjuro con el que he querido dar carpetazo a una etapa, cerrar un ciclo y comenzar otro. Para eso tenía que crear algo que simbolizara una especie de enfrentamiento a esa negrura. No es que quiera vender mi mierda a nadie. No creo en el artista torturado, llorón y quejica. Creo en el artista imaginativo y trabajador. Por eso he tratado de sacar algo positivo y creativo partiendo de experiencias negativas. Pienso que en el disco hay muchos aspectos positivos. 

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2)     ¿Puedes comentarme algo de cómo ha sido el proceso de componer SEIS CANCIONES PARA CUERVO? ¿Te ha tomado mucho tiempo? ¿Cuál es el balance entre composición e improvisación, si es que existe?.

Llevaba un par de años barruntando la idea, guardándome cosas que me llamaban la atención, pensando en títulos y en como organizarlo. Las experiencias con Jacob y Hidden Forces Trio me han ayudado mucho en ese sentido... No era mi prioridad pero no me lo quitaba de la cabeza. Así que cuando ví claro el momento solo tuve que juntar las piezas que había ido recopilando.

Digamos que la obra, en un sentido global, está compuesta. Pero en sus partes internas se combina composición e improvisación. No es nada nuevo… Hay algunas líneas escritas nota a nota. Luego hay fragmentos abiertos sobre una estructura programada. Otras veces me limito a exprimir un recurso que haya seleccionado de antemano.

***

3)     Parece increíble en ocasiones la cantidad de sonidos que extraes del contrabajo. Músicos de la talla de Henry Grimes, Simon H. Fell, Barry Guy… ¿cuándo empiezas a adentrarte en los farragosos caminos de la música experimental?.

Lo de experimental me suena a laboratorio. Y a veces esta música suena más a alguien que entra en un laboratorio y lo manda todo a tomar por culo derramando líquidos, rompiendo probetas, quemando cosas… En muchos aspectos es una música muy intuitiva y visceral, muy poética. 

El acercamiento ha sido progresivo. Creo que el primer paso fue conocer a bandas japonesas como Mainliner o Acid Mothers Temple, experimentos de John Zorn como Painkiller, curiosear entre artistas de free jazz y descubrir a gente como Peter Brotzmann o Mats Gustaffson, que poseen una energía muy punk y que están más cerca del "Scum" de Napalm Death que de todo ese rollo tipo Berklee. No suelo encontrarme cómodo cuando la improvisación libre se impregna de aire académico, como tampoco conecto con los músicos que quieren dar al jazz un aspecto de música elegante y sofisticada. Introducir el caos y la aleatoriedad en un mundo que parece gobernado por la armonía, el orden y la proporción establece cierto equilibrio. Pienso que de esa manera creas una música más real y más conectada con la vida. 

 ***

4)     La semilla plantada por el triunvirato de músicos que parísteis a ORTHODOX está creando actualmente un entramado de proyectos a cada cual más sorprendente e interesante. Sé que no te gusta hablar de escenas, influencias y tal pero… ¿sientes en algún momento presión a la hora de dar a luz un nuevo disco o proyecto?... lo digo porque hasta ahora todo lo que habéis sacado ha contado con el beneplácito de músico y críticos y me imagino que eso tiene que asustar un poco…

No existe ninguna presión. Hablas desde el punto de vista de una persona a la que le gusta Orthodox y demás proyectos y que se implica emocionalmente en ellos de alguna manera. Y yo te lo agradezco, pero por desgracia no sois tantos, al menos no como para que percibamos  presiones de ningún tipo.

 ***

5)     Cuando compones un tema, un riff, una melodía o lo que sea, ¿tienes claro si será de Orthodox, Jacob, Hidden Forces Trío o para tus proyectos en solitario?... ¿Cómo es el día a día de un músico tan inquieto como Marco Serrato?.

Puede que al principio sí lo tuviera claro. Hay ciertas cosas que son evidentes. Orthodox nunca tocaría un tema como “Thimble Capp”, por ejemplo (incluido en el próximo disco de HFT de inminente salida). Pero admito que a veces se me confunden las cosas. Hemos formado una especie de monstruo con muchas caras. Yo ya no concibo la trayectoria de Orthodox sin Hidden Forces Trio, Pylar o Jacob, por ejemplo. Si alguien quiere ver este disco como un pequeño tentáculo del mismo monstruo estaré de acuerdo.

¿Mi día a día? Sacar a la perra, bregar con mi niño, estudiar contrabajo, ama de casa… por desgracia mis días se caracterizan por su falta de rutina. Acabo de dejar el conservatorio temporalmente porque necesito conseguir ingresos como sea, así que hazte una idea. Ahora mismo me limito a tocar en todo lo que me salga, acabo de llegar de Madrid de hacer unas actuaciones en solitario presentando el disco, pero días antes estuve tocando en los Seises de la Catedral de Sevilla, un poco surrealista... no hace mucho toqué en una guardería, me equivoqué tocando "cumpleandos feliz" y la mestra me miro con una cara muy rara. 

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6)     Al margen de lo literario, y obviando la influencia del poema de Ted Hugues… ¿qué significa CUERVO para tu vida personal?.... ¿qué demonios sacas de dentro con este trabajo?... ¿es CUERVO alguien concreto en tu vida?.

Cuervo es una combinación de  mártir, héroe, diablo y payaso. Es el trickster, el embaucador, es Loki, el bufón, Mercurio, el coyote… También es un personaje que intenta algo con todas sus fuerzas y fracasa, como muchos de los personajes de John Huston o el mismo Coyote. Es fácil para cualquiera identificarse con eso. 

Además de todo eso, sí, Cuervo es alguien concreto en mi vida. He puesto música a mi relación con él y ha sido una manera  de ajustar cuentas, de pedirle perdón, de darle las gracias y de rendirle tributo. 

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7)     Tengo que reconocer que TAARU me pilló totalmente por sorpresa, y CUERVO prácticamente me ha dejado clavado. ¿Eras consciente cuando grababas TAARU de que existiría CUERVO?...

Si. De hecho en “Taaru” hay un tema titulado “Sketch for Crow #1” que es básicamente un boceto de Cuervo de varios que hice. Me sirvió para crear las piezas con las que luego construí "seis canciones para Cuervo". Por otro lado, la inyección de confianza por parte de Knockturne Records fue fundamental para ponerme manos a la obra con lo siguiente.

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8)     ¿Puedes comentarme algo de la impresionante portada y su proceso de realización?.

La portada es de Javi Pessoa (javipessoa.com), un buen amigo y un gran artista. Lo pintó en 2009 y sobre su proceso de realización tendría que hablarte él. Tengo algunos cuadros suyos en casa, pero por desgracia ese no. Ese lo pilló mi cuñao ¡que llegó antes! jaja... mi mujer es fotógrafa especializada en fotografía técnica, reproducciones... así que le había hecho fotos a varios de los cuadros de Javi. Cuando estaba buscando portada para el disco apareció rebuscando en sus archivos. Yo conocía el cuadro pero no me acordaba, cuando lo ví pensé que era perfecto para el disco. Para mi ha sido un lujo poder contar con un cuadro de tanta calidad. Además, los músicos tenemos la obligación de ayudar a difundir el trabajo de artistas locales, ¿para qué vamos a usar a nadie de fuera teniendo ilustradores como Gonzalo Santana, Antonio Ramírez, Elena Serrato o José Punzón? 

Yo mismo soy un dibujante frustado así que me encanta rodearme de gente capaz de darle gusto a mis ojos. 

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9)     ¿Quién colabora contigo en LAS DOS CAÍDAS DE CUERVO?.

 Nadie. Yo maltrato todos los instrumentos que suenan en el disco.

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10) Pues Marco, agradecerte enormemente que hayas respondido esta humilde entrevista que espero que acerque a la gente este enorme disco que es SEIS CANCIONES PARA CUERVO. Es tu espacio, despídete como quieras, promociónate o lo que te apetezca… eso sí, no me manches la hoja….

Pues mira, quiero aprovechar para darle las gracias a Miguel Navarro y a Alone Records. La gente a veces es un poco cruel con los sellos independientes, especialmente los músicos. Miguel y yo nos conocemos desde hace 15 años en los que han pasado muchas cosas y quiero agradecerle que haya apostado por este proyecto y la eficacia y generosidad con que ha trabajado en él. No puedo pedir más.

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CUERVO CANTA SU BALADA es un gutural rasgueo de cuerdas meditabundas que dejan entrever un abismo de desolación. Mis empastes tiemblan y pugnan por desprenderse de la dentina y ponerse a bailar al son de esta nana de los infiernos... el solo de contrabajo es áspero, seco, crudo y visceral. Se derrama la bilis sobre el instrumento. 

Un colchón de chirridos que parecen emular a un columpio oxidado en la intemperie de cualquier barrio industrial sirve de base para un lánguido movimiento de cámara en CUERVO SUEÑA QUE ES MUJER. Un tema de corte pesadillesco lleno de matices que realmente pone los vellos de punta... no sé, quizás además de las influencias citadas en el libreto podríamos encontrar trazas de música oscurantista a lo UNIVERS ZERO y similares... jodidamente perturbador e intimista.

El tercer movimiento de esta suite es CUERVO DEVORA LOS OJOS DE SU PADRE. El libreto habla de texturas... y eso es lo que encontramos. Sonido puesto en texturas... capa sobre capa de sentimientos encontrados. Caleidoscopio de emociones a base de un puro delirio de cuerdas que eyaculan al son de un movimiento insano que podría traernos a la mente a LA MÚSICA DE ERIC ZANN de LOVECRAFT, si es que alguna vez alguien ha escuchado tan non-sacra melodía.

BAILA CUERVO BAILA! es un desquiciado carrusel circense animado por no se qué extraña energía telúrica. Un complejo tema lleno de abstracciones que si pudiera ponerse en pintura se cagaría en la cara de los cubistas, surrealistas y la madre que parió a los jodidos cuervos del universo. BESTIAL. A estas alturas ya estoy seguro que esto es un discazo, un puto hito en el anquilosado circuito musical hispano, donde se ensalzan una y otra vez a las mismas payasadas post-rockeras de siempre. Esto está parido con dolor, y eso se siente.

LAS DOS CAÍDAS DE CUERVO nos lleva de la mano al particular universo ORTHODOXIANO en un tour de force expresivo con un tremendo interludio que coquetea con el FREE JAZZ.

No puedo quitarme de la cabeza AMANECER EN PUERTA OSCURA y sus TEMPLOS, aunque se citen a SIMON H. FELL, CRISTÓBAL HALFFTER o incluso el CHILDREN OF THE GRAVE de BLACK SABBATH. MARCO SERRATO me deja con la mandíbula colgando y se marca un pedazo de in-crescendo jazzero que quita el hipo. Toca la batería, la trompeta y el piano en un collage sonoro de reminiscencias incluso drónicas que te sumen en un trance del que ya es imposible escapar. No puedo dejar de mentar las simillitudes con HIDDEN FORCES TRIO y sus otras poliédricas manifestaciones.

DE CUERVO Y LAS ESTRELLAS... es posiblemente mi tema favorito. No sé porqué pero resume a la perfección el espíritu de este trabajo. Intimista, personal y genuinamente honesto. Basta leer el libreto y dejarse llevar por su ambiente de redención. Si los anteriores temas eran la sentencia, DE CUERVO Y LAS ESTRELLAS es la CONDENA.



lunes, 10 de marzo de 2014

HUNGER (STEVE McQUEEN; ESTADOS UNIDOS, 2008)

"Hunger describe la vida en la Maze Prison, una cárcel de máxima seguridad de Irlanda del norte, a través de los emotivos acontecimientos que tuvieron lugar en 1981 con motivo de la huelga de hambre del IRA, liderada por Bobby Sands. Desde un punto de vista épico, la película narra lo que ocurre cuando se obliga al cuerpo y a la mente a actuar por encima del límite. (FILMAFFINITY)"

2008: Festival de Cannes: Cámara de Oro (mejor ópera prima)
2008: Premios BAFTA: Mejor debut (McQueen). Nominada a mejor film británico
2008: Asociación de Críticos de Los Angeles: Premio Nueva Generación
2009: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor Opera Prima

La ópera prima del director y guionista STEVE McQUEEN de 2008 es un crudo retrato sobre el terrorista BOBBY SANDS, que protagonizó una de las más salvajes huelgas de hambre que se han visto jamás.

Es difícil poner adjetivos para un film como este, donde lo bello y lo inhumano se dan la mano en un hermanamiento que lleva al ser humano, a sus creencias y a su resistencia física y mental más allá de lo indecible. Las tragedias se cultivan donde las miasmas humanas se alían con el poderoso determinismo del ser humano, hasta el punto de convertir en bandera lo auténticamente imposible.

Cinematográficamente hablando, y si borramos el carácter histórico del film, estamos ante una película no apta para gente sensible por su crudeza, verosimilitud y violencia visceral. Magníficamente interpretada por MICHAEL FASSBENDER (sólo por ver el impresionante cara a cara verbal con el cura del IRA merece la pena el visionado del film, con una secuencia de 17 minutos sin cambiarse de plano) que se mete en el pellejo de BOBBY SANDS. Uno de los mejores actores actuales que ya me gustó en la bestial EDEN LAKE (JAMES WATKINS, 2008) y SHAME (2011), segunda película de McQUEEN.

Sin duda, todo un tour de force de buen cine que sorprende por su frescura a la vez que nos hunde en un oscuro pozo por sus miserias y dureza. 

A falta de ver 12 AÑOS DE ESCLAVITUD, triunfadora en múltiples festivales y en los ominosos Oscars, HUNGER y SHAME son dos puntales del cine independiente estadounidense.


DIE WAND (JULIAN ROMAN POLSTER; AUSTRIA, 2012)

"Una mujer se une a una pareja que se dirige a un refugio en lo alto de la montaña. Por la noche, estos se dirigen a un pub situado en un valle cercano. A la mañana siguiente, al comprobar que no han regresado, la mujer sale en su búsqueda. Es entonces cuando se dará cuenta de que hay un muro invisible que la separa del resto del mundo. Con la única compañía de un perro, un gato y una vaca, empezará a escribir un diario para dejar huella de su situación, sus pensamientos y sus miedos. Julian Roman Pölsler adapta el best seller de Marlen Haushofer, fiel a la esencia de una obra que reflexiona acerca de nuestra relación con aquellos elementos esenciales que nos rodean. (FILMAFFINITY)"

Ni en mis más oscuras pesadillas podía adivinar lo aburrida que iba a resultar esta ópera prima austríaca de JULIAN ROMAN POLSTER.

Un buen arranque deudor de novelas como LA CÚPULA de STEPHEN KING parecía prometer algo bueno. Primeros 20 minutos sencillamente majestuosos con una fotografía espectacular (que se mantiene durante todo el film). Sin embargo, las dos horas de metraje y el carácter reflexivo de los diálogos interiores de su protagonista acaban por llevarnos a un duermevela difícil de superar... y no se me entienda mal, no estamos ante una mala película ni nada de eso... es que sencillamente considero que es artificiosa en cuanto que el "supuesto muro" acaba por convertirse en una maña cinematográfica para ofrecernos la relación de un ser humano con el medio que la rodea. Y ya está. 

No hay más... y claro, la cosa se va alargando, y alargando y alargando, hasta que llega un momento que evidentemente uno no puede quitarse de la cabeza que si en vez de un muro invisible hubiera sido una persona aislada en una isla, o en los muros de una prisión, o qué se yo, pues al caso la historia hubiera sido la misma.

Para mi gusto, película fallida que se está presentando en algunos festivales y que en el Festival de Berlín se ha alzado con el PREMIO DEL JURADO ECUMÉNICO (PANORAMA).


jueves, 6 de marzo de 2014

ANIVERSARIO KNOCKTURNE RECORDS



El 14 de Marzo. hora terrestre 21:30, acudan Herreros Místicos al SacroAniversanio de KNOCKTURNE RECORDS con OIKOS y PYLAR, estos últimos directamente invocados del subconsciente subaracnoideo de todos aquellos que acudan al concierto. La SALA HOLLANDER va a convertirse en vehículo transmisor del grialesco sonido de ambas bandas de culto.  Se ruega acudan purgados de alma, espíritu e intestinos para asimilar mejor las vibraciones sonoras, que ya se sabe que si la luna provoca las mareas, quién sabe qué ocultos mecanismos internos podrían verse alterados cuando se toquen determinadas notas.

lunes, 3 de marzo de 2014

HOLY GHOST PEOPLE (MITCHELL ALTIERI; ESTADOS UNIDOS, 2013)

"Thriller gótico sureño sobre una joven en busca de su hermana perdida en los Apalaches. Allí se encontrará con un extraño culto religioso y descubrirá la verdad sobre el destino de su hermana. (FILMAFFINITY)"

Lástima de thriller rural que promete más de lo que al final nos dá. Los ingredientes están y precisamente MITCHELL ALTIERI es un especialista en este tipo de films de minorías sórdidas y familias disfuncionales... nada más tenéis que echar un vistazo a su filmografía con títulos como el binomio THE HAMILTONS (2006) y THE THOMPSONS (2012) o la muy superior, bizarra y psicotrónica THE VIOLENT KIND.

Creo que MITCHELL ALTIERI ha querido darle un toque más serio a su cine, y quizás la sobriedad le haya quitado algo de encanto. HOLY GHOST PEOPLE está basado en el documental de dominio público de 1967 del mismo nombre, dirigido por PETER ADAIR y que nos mete de lleno en un servicio religioso de una oscura comunidad pentecostal de SCRABBLE CREEK, WEST VIRGINIA, del que Mitchell Altieri ha cogido imágenes para incrustarla en su película.

El problema del film es que tarda demasiado en explotar, y cuando lo hace, no pasa de ser una especie de clímax final a lo THE WICKER MAN de ROBIN HARDY pero descafeinado.

No son todo defectos. HOLY GHOST PEOPLE se deja ver y entretiene bastante... aunque analizándola concienzudamente no entiendo porqué el director no la ha llevado a otro nivel. En fin, me imagino que lo fácil es criticar, así que démosle un aprobado y esperemos a su próximo trabajo.


LES SALAUDS (CLAIRE DENIS, FRANCIA, 2013)

"Marco Silvestri, capitán de un carguero, recibe una llamada para que vaya inmediatamente a París. Su hermana Sandra está desesperada: su marido se ha suicidado, la empresa familiar está al borde de la quiebra y su hija ha sido internada en un centro psiquiátrico. Sandra acusa al poderoso empresario Edouard Laporte de ser el responsable de la situación. Decidido a encontrar el punto débil de este hombre para poder vengarse de él, Marco se muda al edificio donde vive Raphaelle, la amante de Laporte. FILMAFFINITY"

La directora francesa CLAIRE DENIS nos trae un seco, crudo y visceral drama con toques de thriller, un marcado ambiente sórdido y claustrofóbico y elevadas dosis de erotismo.

Excesiva quizás en algunas partes, LES SALAUDS (fácilmente traducible como LOS CANALLAS o LOS HIJOS DE PUTA) es una historia que bebe del cine francés más agrio y tremebundo a lo NOTRE JOUR VIENDRA (2010) de ROMAIN GAVRAS o LA HAINE de MATHIEU KASSOVITZ (1995). Cine marcado a fuego lento y lleno de bilis y mala leche...

VINCENT LINDON se come la pantalla con un toque a caballo entre un JAMES CAAN crepuscular y un BELMONDO sin humor, con unas tórridas escenas de sexo con CHIARA MASTROIANNI que también está excelente en su papel.

En definitiva, cine oscuro, ácido y cargado de mala baba y con una muy buena banda sonora. Si eres amante de este tipo de cine disfrutarás de lo LINDO(N) (lo siento, un chiste malo).