sábado, 31 de diciembre de 2011

NADA PARA NADIE...



En el último post del año no queda más que agradeceros a todos la fidelidad y la constancia que habéis tenido (además de la paciencia) en la lectura de este blog. Hemos tenido un poquito de cine, otro poquito de música... algo de relatos, un mucho de sandeces varias... algo de crítica, una chispita de humor (negro)...

Oséase (acto de convertirse en hueso), que hemos estado arropados y acompañaditos durante un año bastante intenso (tan intenso que diríase bisiesto...), intentando hacer algo distinto, tan distinto que empecé a escribir el blog en una antigua máquina olivetti pero como lo que escribía no aparecía en la pantalla, al final tuve que optar por hacerme con un ordenador...

Buceando por la red he llegado a descubrir incluso otros CORONELES MORTIMERS de los que no tenía constancia, con lo cual he de decir que cualquier opinión, comentario, escupitajo o cosa que os encontréis por ahí no tiene que ser necesariamente de un servidor. Por otro lado, este blog sí que se responsabiliza por lo escrito en el (coño, si lo escribo yo, cómo no me voy a responsabilizar...), pero no por lo que sea leído... es decir, yo escribo sin leer, así que el que lea que interprete lo que quiera pero que no me haga responsable de nada.

En otro orden de cosas, esperar que el año que entra no acabe saliendo y que se quede, para así estar con vosotros otro año más compartiendo otra literatura, otro cine, otra música, y en definitiva otras cosas que no sean las mismas... (oséase, otras).
Quien no haya entendido nada de lo anteriormente escrito rogaría que no volviese a entrar en este blog, puesto que aquí está la esencia de lo que escribo... NADA PARA NADIE.

jueves, 29 de diciembre de 2011

AATHMA - DECLINE... TOWERS OF SILENCE



Ya tenía yo ganas de hincar el diente al segundo larga duración de los madrileños AATHMA, sobre todo después del grandísimo THE CALL OF SHIVA, que me había dejado boquiabierto con su frescura y buen hacer.
Pues bien, este segundo album ha sido editado por la discográfica madrileña NOMA RECORDS y muestra una tremenda evolución y mejora en el sonido de la banda. El disco en sí es una obra conceptual sobre las Torres del Silencio, monumentos funerarios de los seguidores de Zoroastro (Zaratustra, fundador del Zoroastrismo o Mazdeísmo) y de como los cadáveres humanos son devorados por buitres en la cima de estas torres que albergan los cuerpos impuros que no deben contaminar la tierra. Dichas torres estarían quedando sepultadas en las grandes urbes, lo que junto con la extinción paulatina de los buitres estaría aniquilando la misión purificadora de dichas torres, entrando el ser humano en una espiral de autodestrucción.

Bajo tan interesante reflexión se esconde un monumental disco de Doom con mayúsculas con un sonido muy fresco y original que bebe de diferentes fuentes como el rock oscuro de unos Danzig hasta de la solemnidad y oscuridad de bandas como Katatonia, pasando por el doom clásico y hasta incluso el stoner o el post-rock, creando una amalgama dura y pétrea a base de tremebundos riffs de guitarra y una base rítmica sólida como un yunque. La verdad es que se me ha hecho complicado analizar el sonido de la banda, ya que no me recuerdan a nada en particular lo cual creo que es un punto a su favor, ya que si en THE CALL OF SHIVÁ sonaban distintos, aquí lo han mejorado todavía más... corro el riesgo pues de equivocarme en las influencias y sonidos descritos, pero qué diablos... a cada uno le dirá una cosa distinta.
Destacaría la impresionante evolución de Juan Domínguez a las voces... voz clara a la vez que profunda y oscura, muy acorde con el resultado final del disco. Mucha variedad de registros y experimentación con las entonaciones que me recuerdan a Danzig y su variedad de registros en los temas más oscuros, junto con una voz más rasgada y chillona que le da potencia a los temas pero sin abusar de ella.

Grabado y mezclado por Carlos Santos (Hamlet, Adrift o Toundra) en los estudios madrileños Sadman, y masterización a cargo del mítico Jens Bogren (Opeth, Enslaved...) y finalmente publicado por NOMA RECORDS, sello madrileño de reciente creación pero que poco a poco va haciéndose un hueco en el panorama nacional a base de buen hacer. Poco más queda que decir, salvo que han conseguido una sonidazo tremendo, claro y limpio pero a la vez atmosférico y opresivo que en conjunto me ha recordado a las producciones de los discos clásicos de KATATONIA por su atmósfera e incluso a KRUX en algunas ocasiones por lo fresco de su propuesta.

VALLEY OF DOOM abre el disco con un pegadizo riff de guitarra y un aire hardrockero de alto octanaje que poco a poco va recrudeciéndose y metiéndose en terrenos más pantanosos a lo stoner pero con un matiz más doom a mitad del tema con la incursión de voces rasgadas mientras que batería, guitarra y bajo entran en un sugerente bucle musical muy hipnótico y deudor de unos NEUROSIS más melódicos de lo habitual; UNDER BLACK WATERS destaca por los fraseos vocales depresivos y estremecedores de Juan Domínguez, con un fondo musical muy postrockero para luego irse haciendo más melódico y adentrándose en terrenos más propios del doom clásico; THE LAST VULTURE es un interludio de teclados que me ha recordado a los pequeños cortes de este tipo utilizados por la banda COUNT RAVEN... y que sirve de preludio de HOLE OF DEATH, un tema con muchas reminiscencias del doom clásico pero sin dejar de lado ese ambiente stoner que está presente en todo el álbum, con unos riffs de guitarra machacones y pegadizos... me ha encantado nuevamente las voces en este tema, con ese reverb natural al final de las frases que le dan un toque muy original (por cierto, en algunas ocasiones del disco no puedo quitarme de la cabeza toques a lo GLOW sobre todo del GONE, BUT NEVER FORGOTTEN por razones evidentes, no en vano en GLOW estuvo la semilla de estos AATHMA); ABYSS empieza sosegada, muy a lo ANTIMATTER de DUNCAN PATTERSON o incluso a lo KATATONIA, con ese aire oscuro y frío propio de grupos de doom melódico nórdicos... para irse entonando poco a poco; A GOD RETURNS suena épicamente doom... temazo tremendo a medio tiempo con guitarrazos como campanas de una catedral llamando a misa de difuntos. La voz rasgada canta himnos de muerte como si a Glenn Danzig le hubiese poseído un vocalista Sludge... brutal, mientras la música va desarrollándose en un paso de procesión lento y compungido. De los mejores temas del disco; RED STORM (DECLINE OF A BREED) empieza con una melodía de piano a la que poco a poco se van sumando el resto de instrumentos en un atmosférico tema deudor de NEUROSIS, ISIS, CULT OF LUNA y similares pero más orgánicos y cercanos, y que por momentos incluso me ha retrotraído al disco ETERNITY de ANATHEMA (sobre todo por la guitarra que parece doblarse a sí misma y las voces que parecen estar llorando y lamentándose).

En definitiva, creo que AATHMA han sabido aunar lo mejor del doom clásico con las nuevas tendencias instrumentales del post rock y el stoner creando un sonido único y personal de difícil catalogación pero tremendamente adictivo. Toda una sorpresa y por supuesto... COMPRA OBLIGADA.


DREAM HOUSE (JIM SHERIDAN; ESTADOS UNIDOS, 2011)



"Will Atenton (Daniel Craig) deja su exitosa carrera de editor en Nueva York para trasladarse con su mujer Libby (Rachel Weisz) y sus dos hijas a un pequeño pueblo de Nueva Inglaterra, pero pronto descubrirá que la casa que habitan fue el escenario de un terrible asesinato. Investigando las causas de la tragedia, Will conoce a Ann Paterson (Naomi Watts), una vecina que había conocido a la familia que murió en la casa. (FILMAFFINITY".


Cuando todavía estoy lamiéndome las heridas de la visión de NO TEMAS A LA OSCURIDAD, va y se me ocurre a mí saldar la deuda viendo DREAM HOUSE... lo dicho, algo no funciona bien en mi azotea. Al señor JIM SHERIDAN, (que por otro lado grabó en 2009 la muy interesante BROTHERS, y ya retrocediendo un poco más al pasado, EN EL NOMBRE DEL PADRE (1993) y MI PIE IZQUIERDO (1989)) va y se le ocurre pasarse al género del terror psicológico o de casas con pasado desastroso o de mentes que andan perturbadas o de vecinos que no están del todo bien o de niñas tontorronas que no tienen otra cosa que hacer que descubrir recovecos secretos en las casas o de yo que diablos sé.............

Curiosamente, la carrera del director Irlandés parece ser más mediocre desde que se pasó a la industria del cine americano, dejando las producciones de su país y ateniéndose a otros menesteres, salvándose la más interesante BROTHERS (a su vez remake de una película de SUSANNE BIER de 2004).
Lejos de hacer yo aquí resumen de la carrera de nadie, prefiero atenerme a lo que me encontré en este engendro. DETRÁS DE LAS PAREDES (seguimos con la manía de traducir los títulos al español como nos sale de las narices) comienza correctamente. Un escritor, una casa, una familia idílica... lo típico vaya, para de pronto transformarse y sin querer destrozarle la trama a nadie en un berenjenal mental de mucho cuidado donde lo peor de todo es que ningún recurso utilizado resulta creíble. Lo más curioso de todo el asunto es que con los diversos trailers, posters, teasers y demás se ha creado un halo de expectación con esta película haciéndonos creer erróneamente a todos que se trataba de una película de terror sobrenatural (quizás las niñas de la portada recordándonos un poco a EL RESPLANDOR tengan algo que ver). Lo único cierto es que el género de "terror o thriller amable", como creo que voy a bautizarlo a partir de ahora, vende en taquilla una barbaridad teniendo muchos adeptos que a pesar de hechar pestes de este tipo de cine siguen acudiendo religiosamente al estreno mensual de rigor.

Y no es que DANIEL CRAIG o RACHEL WEISZ actúen mal (de NAOMI WATTS mejor no hablo, porque desde que la descubrió DAVID LYNCH en MULHOLLAND DRIVE parece no enderezar cabeza), es que la trama resulta tan artificiosa como gratuita. Los productores de este tipo de cine se vuelcan en hacer la misma historia una y otra vez pero con diferentes matices y la cosa ya cansa... no sé, quizás para algún tipo de público la película funcione, pero lo que está claro es que no puede funcionar en amantes curtidos del cine de terror y del celuloide en general.

Los clichés se van sucediendo delante de nuestras narices a ritmo de vértigo, de tal modo que cuando venimos a darnos cuenta, los títulos de crédito nos informan que todo se ha terminado y que o bien hemos sufrido una cruel inocentada, o de verdad lo que hemos visto es una muestra de thriller psicológico y no hemos terminado de coger el puntito a la trama... porque hablando de trama... floja, flojísima.

Y lo peor de todo, es que estas películas se hacen como churros... en cadena.


martes, 27 de diciembre de 2011

MARGIN CALL (J.C. CHANDOR; ESTADOS UNIDOS, 2011)



"Crónica de la vida de ocho trabajadores de un poderoso banco de inversión durante las 24 horas previas al inicio de la crisis financiera de 2008. Cuando Peter Sullivan (Zachary Quinto), un analista principiante, revela datos que podrían conducir la empresa a la ruina, se desencadena una catarata de decisiones tanto morales como financieras que producen un terremoto en las vidas de los implicados en el inminente desastre. (FILMAFFINITY)".


Con un excelente reparto, la ópera prima del director estadounidense J.C. CHANDOR está dando mucho que hablar en los círculos cinematográficos, recogiendo buenas críticas, nominaciones y premios allí donde se presenta. Valiente, arriesgada y distinta, MARGIN CALL se encuadra dentro del drama y el thriller pero con un transfondo económico y bursátil de fondo. Tensa y realista, gracias al estupendo reparto (con un KEVIN SPACEY descomunal, un JEREMY IRONS soberbio, una sobria y fría DEMI MOORE y un talento a descubrir, el de ZACHARY QUINTO) la película crea un estado contínuo de tensión en el espectador que siente como de alguna manera, a pesar de estar viviendo los entresijos de la crisis financiera desde las altas escalas, se verá afectado irremediablemente por las acciones de personas que controlan anónimamente nuestras vidas.

Una película totalmente de autor, sin clichés ni estereotipos inanes que nos ablanden la trama. Con los grandes rascacielos de fondo y los intocables hombres de negocios que dominan nuestras vidas uno no puede más que sentirse sobrecogido con lo que se estará tramando o estará ocurriendo ahora mismo en los mayores centros económicos del mundo... y si esta puñetera crisis no es más que una operación fallida de unos cuantos que han intentado enriquecerse a costa del trabajador medio.
No te la pierdas.


sábado, 24 de diciembre de 2011

DON´T BE AFRAID OF THE DARK (TROY NIXEY; ESTADOS UNIDOS, 2011)



"Remake de la producción televisiva homónima estrenada en 1973. Una chica se va a vivir con su padre y su nueva novia, pero, en la casa, descubrirá que debajo de la escalera viven unas extrañas y siniestras criaturas. (FILMAFFINITY)".


Veamos como digo esto suavemente... ¿se puede grabar una película de terror que resulte amable e incluso casi para todos los públicos?; ¿se puede grabar una película que de tan poco terrorífica acabe resultando casi una comedia?; ¿se puede actuar peor que KATIE HOLMES?...
Dios Santo... qué pedazo de bodrio de película. Producida por Guillermo del Toro (que poco a poco va cerrándose en un submundo de películas de imaginería parecida tipo "cuento de navidad", fábulas grotescas y similares) y dirigida por TROY NIXEY, que ya realizó una especie de película de terror tipo "cuento de hadas" que fué lo que decidió a Guillermo del Toro para elegir a este director como artífice final de esta imposible película. Seguramente el telefilm de 1973 en el que está basada la película sea infinitamente mejor, así que indagaré al respecto y seguro que me llevo una agradable sorpresa, como suele ser habitual en todo tipo de remakes.
Para comenzar, la casa donde se desarrolla la película es tan gótica y victoriana que da hasta risa... a lo THE HAUNTING, vaya, con escaleras tan recargadas y rocambolescas como el estúpido guión de la película... y entiéndaseme bien, no es que la idea sea mala del todo, es que el producto final es cuasi infantiloide, con unos bichejos más cercanos a las películas animadas de PIXAR que a una película de terror.
Lo peor es que nos intentan vender la película como el súmun de la atmósfera y el miedo, con críticas de expertos en cine alabando hasta lo indecible la sutilidad (¿es sutil un bichejo de 15 centímetros de alto haciendo el payaso con un destornillador en las manos?) y la atmósfera (¿se referirán con atmósfera a la humedad que hay por toda la casa, con más niebla que un videoclip de EUROPE?...)
Ni la actuación de GUY PEARCE se salva (y mira que me gusta este actor), por no hablar de una anodina y demacrada KATIE HOLMES, cuya actuación resulta tan patética e imposible de creer que da vergüenza ajena... vaya, que entre los dos hacen la pareja más vacía y sin gracia de la historia del cine.
La música pasable, muy estereotipada y sin alma, y la fotografía excesiva y recargada... y paro ya que se me está subiendo la tensión nada más de pensar en el tiempo gastado en semejante bazofia.


viernes, 23 de diciembre de 2011

LIBROS DE SANGRE VOL. 3 de CLIVE BARKER



No es la primera vez que se habla en este blog del revolucionario CLIVE BARKER tanto de su faceta literaria como de la cinematográfica. Revulsivo, polémico, brutal e imaginativo, los adjetivos se nos quedan cortos para el que fue llamado sucesor de Stephen King (y que éste no se ha cansado de alabar).
Pues bien, en la década de los 80 salieron los LIBROS DE SANGRE, compendios de relatos de terror que pusieron patas arriba a crítica y lectores. Fue vilipendiado por muchos por lo extremo de su prosa, sobre todo en aquellos crítcos que no saben leer entre líneas e ir un poco más allá, mientras que los lectores quedaron encantados por lo distinto de sus cuentos, a caballo entre lo onírico y surrealista y el puro y extremo gore.
No quiero aquí profundizar en una obra de sobras conocida, sino comentar el último libro del señor Barker que he tenido el placer de leer: el volumen 3 de LOS LIBROS DE SANGRE.
Los dos anteriores volúmenes me habían dejado sin habla, y es que muchos de sus relatos ya tenía el placer de haberlos leído en anteriores ediciones de Martínez Roca de los 80. Ahora que he comprado poco a poco sus reediciones de LA FACTORÍA DE IDEAS disfruto de una cuidada edición en cuatro volúmenes imprescindible para todo amante del género del terror en todas sus facetas.

Pues bien, el tercer volumen de los libros de sangre empieza con el relato "LA POLÍTICA DEL CUERPO", original y surrealista relato con todas las señas de identidad de Barker; crudo y bien escrito...; "LA CONDICIÓN INHUMANA" me ha recordado a HELLRAISER en algunos detalles que no quiero desvelar; "REVELACIONES" es un original y distinto cuento de fantasmas en clave de RoadMovie con predicadores de esos que vagan por los desiertos estadounidenses... muy bueno; "LA EDAD DEL DESEO" es otro típico (que no tópico) relato Made in Barker: sexualmente polémico, crudo, directo y violento a la yugular... vaya, de esos que hacen encresparse a los críticos en sus sillones frotándose las manos de sólo pensar en lo que van a criticar a su autor; "LO PROHIBIDO" es el relato que inspiró la película CANDYMAN y es sin duda uno de los mejores relatos del libro, com permiso del último "LA MADONA", que es el punto culminante del libro y uno de los relatos más increíbles que he leído...simplemente genial y absorvente.
Y ya está. En los próximas semanas empezaré el último LIBROS DE SANGRE volumen 4 sabiendo que no voy a volver a leer otro compendio de relatos tan bestialmente genuinos, originales y extremos. IMPRESCINDIBLE.

LOS NAZIS DESPUÉS DEL NAZISMO



LOS NAZIS DESPUÉS DEL NAZISMO, de Julio Bogatsvo, es un interesante ensayo publicado por la EDITORIAL DE VECCHI en 1973 que se adentra en el áspero mundo de post-nazismo; es decir, lo que fue principalmente de los jerarcas nazis tras el fin de la guerra.
Con una traducción algo torpe, el libro a veces divaga y se pierde en datos en los que no profundiza demasiado, haciendo que en ocasiones vaguemos dispersos por algunos de sus capítulos, cosa que constrasta con los sucesos interesantes que nos narra.
Desde los Juicios de Nuremberg, hasta el éxodo de los nazis a Oriente Medio o América Latina, pasando incluso por África, analizándose con exactitud de datos juicios, veredictos, fechas de fallecimiento... en definitiva, un curioso compendio de datos sobre todos los aconteceres que ocurren tras un gran conflicto bélico.
Sin lugar a dudas, uno de los apartados más interesantes es el de las indemnizaciones al final de la guerra, y como a fin de cuentas acabaron lucrándose incluso algunos nazis que fueron absueltos con el salvoconducto de "ACTUAMOS POR ÓRDENES DE NUESTROS SUPERIORES".
Resumiendo: difícilmente encontrable libro de coleccionista indispensable para todo aquel que ame la historia y quiera vivir y aprender de hechos que nunca debieron haber ocurrido. Todavía disponible en librerías de antiguo para quien quiera hacerse con él aunque lo literal de su traducción dificulta algo la lectura. Posiblemente más que mejorado en la actualidad con los datos de los que disponemos hoy día, no ha quedado sin embargo en desuso como ha ocurrido con otros ensayos históricos. Interesante pues para coleccionistas del tema.

jueves, 22 de diciembre de 2011

ANOTHER EARTH (MIKE CAHILL; ESTADOS UNIDOS, 2011)



"Rhoda Williams, una brillante joven que acaba de ser aceptada en un programa de astrofísica del MIT, aspira a explorar el universo. John Burroughs, un compositor que acaba de alcanzar la cima de su carrera, está a punto de ser padre por segunda vez. Rhoda y John no se conocen, pero la víspera del descubrimiento de un Planeta Tierra duplicado tiene lugar una horrible tragedia que entrelaza y altera de modo irreversible sus vidas. (FILMAFFINITY)".


Aclamada nueva obra del director novel MIKE CAHILL (anteriormente en 2007 rodó EL REY DE CALIFORNIA con Michael Douglas) en un drama teñido de tintes de ciencia ficción y reflexiones existencialistas que viene cosechando a lo largo de 2011 una ristra de diversos premios en reputados festivales como SUNDANCE, SITGES, INDEPENDENT SPIRIT AWARDS o los PREMIOS GOTHAM.

La cinta resulta pausada y sutil, llena de matices y detalles que nos sumergen en el interior atormentado de sus dos protagonistas. ¿Qué pasaría si hubiese una posibilidad de que no hubiesen acaecido nunca hechos que nos han cambiado radicalmente nuestras vidas?... ¿Realmente deseamos un contacto con civilizaciones de otros mundos?... ¿Qué habita más allá de las fronteras de nuestro más inmediato hábitat cósmico y, realmente nuestras vidas, actos y culpas se empequeñecerían ante tan tamaño descubrimiento?...

Buena fotografía y banda sonora, y unos actores correctos que despliegan su buen hacer en una película con aires independientes y que rehusa caer en clichés y efectismos baratos. Impactante y reflexivo final para que le demos vuelta a las encallecidas neuronas y disfrutemos de buen cine de ciencia ficción tan real como la vida misma, y es que esta es la ciencia ficción que me gusta, cercana a los existencialismos de STANISLAV LEM en SOLARIS, y otras películas que tocan la fibra atávica interna del ser humano. Nada de naves, explosiones ni abrumadores efectos especiales; eso sí, un soberbio guión y mucha, mucha pasión.

miércoles, 21 de diciembre de 2011

UNA PUTA PIEDRA PÓMEZ CEREBRAL...



Una puta piedra pómez cerebral es lo que voy a pedir a los Reyes Magos de Oriente. Una puta piedra pómez cerebral para limar las células muertas del cerebro de aquellos que claman por la era digital como sustitutivo y mejora de tiempos pretéritos. Porque me están quitando todo aquello que amo y lo están conviertiendo en asunto de la nostalgia, y eso me envejece y me convierte en algo del pasado y para qué negarlo... me jode.

Me joden las BLACKBERRYS, los EBOOKS, los IPADS, el SPOTIFY, las listas de reproducción y en general todo aquello que implique progreso... porque soy un maldito anacrónico anarco-analógico purista que odia todo aquello que vaya en contra de la socialización y que promulgue el aspecto nihilista-solitario del puto homo sapiens (y perdóneseme tanta ordinariez pero es que son las 3 de la mañana y estoy teniendo un turno horrible en el curro).

Pues bien, como digo quiero regalar una puta piedra pómez cerebral a los que han acabado con las tiendas de discos, con los videoclubs... una puta piedra pómez a los que conspiran contra el papel y la celulosa en general e idolatran las baterías de litio, sobretodo ahora que me estoy anquilosando en el pasado, vivo como puedo el presente y odio profundamente el futuro. ¿Soy muy radical?... el tiempo lo dirá. De momento me quedo sin lugares de reunión donde comprar discos y charlar de música; sin lugares donde me deje llevar por la imaginación y el buen hacer de vendedores que son amigos y disfrutan de la música más que el mismo cliente.

Una puta piedra pómez cerebral al BLUERAY y al HD, al 5.1, al 3D, a los remakes americanos de películas de éxito, a las grandes franquicias que han destruido la cultura tal y como yo la conocía y está construyendo un extraño páramo de incultura basada en la inconsistencia y el minimalismo. Una puta piedra pómez a los que no tienen espacio en sus casas para libros, cds y cultura en general, pero que disponen de 30 cuberterías, ordenadores, reproductores, televisores, 32 portarretratos por cada miembro de la familia y 28 figuritas de porcelana por centímetro cuadrado... una puta piedra pómez a los que se lucran con las salas de cine y obvian el cine en versión original y programan la misma película en cuatro salas distintas.

Y paro ya no sea que tanta célula muerta y tanta exfoliación cerebral acabe afectándome profundamente y me suma en un irreversible estado de lobotómicos pensamientos.
CARPE DIEM.

lunes, 19 de diciembre de 2011

APOLLO18 (GONZALO LÓPEZ GALLEGO; ESTADOS UNIDOS, 2011)



"A modo de falso documental, revela la "verdadera" historia de la última misión secreta de la NASA en la Luna, el Apollo 18, lanzado en diciembre de 1972. El terrorífico contenido de estas grabaciones muestra la verdadera razón por la que el hombre nunca ha vuelto a la Luna. (FILMAFFINITY)".

Producción américana para el director español Gonzalo López Gallego que pega el salto hacia Hollywood prácticamente de rebote; el que fuera artífice de la impresionante EL REY DE LA MONTAÑA (2007), esta vez nos brinda una película de terror y ciencia-ficción en clave de falso documental perfectamente realizado y con una calidad por encima de la media.

Se cumplen todos los cánones del género, sin obviar ninguno, pero tamizándolos por la claustrofóbica sensación de hallarse perdido y amenazado en un ambiente tan hostil como es el espacio exterior. Perfectas caracterizaciones de sus personajes protagonistas, perfectos decorados y efectos... la verdad es que APOLLO 18 resulta bastante interesante si eres capaz de meterte dentro de su aparentemente simplista historia (algo bastante común en el mockumentary, por cierto).

Tras un confuso inicio, nos vemos metidos en una trama muy deudora de ALIEN, EL OCTAVO PASAJERO pero en clave de cámara en mano, siendo precisamente el entorno en el que está desarrollada su trama y su carácter pseudo histórico (la utilización de la NASA y sus proyectos APOLLO) una de sus principales bazas a la hora de crear el aire de "realidad" tan obviado últimamente en este tipo de cine... y es que la película juega con la duda conspiranoica de ¿por qué no podría ocurrir algo así?... o tal y como magníficamente define su frase publicitaria... ¿por qué el hombre no ha vuelto a la Luna?.

Sea como fuere, digno mockumentary por encima de la media y que entretiene bastante. Para mi gusto a años luz de otros que están teniendo ahora un desmesurado éxito y que no resultan ni la mitad de originales que éste.

ATTACK THE BLOCK (INGLATERRA; JOE CORNISH, 2011)



"En pleno Londres, un grupo de chavales tendrá que enfrentarse a una invasión de alienígenas. Todo empieza cuando los adolescentes asaltan a una enfermera, a la que dejan en paz, cuando un extraño objeto aterriza sobre un coche. Al acercarse al vehículo, de su interior sale una extraña criatura... (FILMAFFINITY)".


Premio del público en Sitges al mejor guión y ganadora a la mejor banda sonora, ATTACK THE BLOCK es todo un espectáculo y avatar del mejor cine de monstruitos de serie B de los 80 (véase CRITTERS y similares). Con todo el encanto del cine de videoclub pero adaptado a los nuevos tiempos y eso sí, sin caer en efectismos, el film es encantador y sugerente, y me ha hecho retrotraerme a una época deliciosa de mi vida en la que uno degustaba este tipo de películas por cientos. Sin embargo, ATTACK THE BLOCK es fresca y divertida, no exenta de violencia y escenas crudas y sin un ápice de estancamiento o pesadez en su trama, haciéndosenos muy, muy corta y es que cuando uno se lo pasa bien, olvida todos los aconteceres del día a día.
Fresca y digna comedia de terror deudora de los grandes hitos ochenteros del género, ATTACK THE BLOCK no inventa nada nuevo, pero sí da un soplo de aire fresco a un género que ya parecía totalmente acabado. Divertidísima.


jueves, 15 de diciembre de 2011

PYG - ORIGINAL FIRST ALBUM (1971)



Anoche tuve un terrible sueño. Sin saber cómo ni porqué, me encontraba arreglándome para una fiesta guatequera. Me puse un jersey de cuello vuelto, unos pantalones de pana acampanados y unas lustrosas botas picudas de ante. Me peiné las tremebundas y berracas patillas y me puse brillantina en el tupé...
Para colmo de males, yo que no fumo me encontraba en el sueño portando una extraña pitillera dorada con finos puritos mentolados... mi destino: BOBBY LOGAN.

La discoteca abarrotada de BOBBY LOGAN acogía misteriosamente a un grupo japonés que volvía loco a las féminas. Tipos con aspecto aflamencado y pañuelos de colores en los anchos cuellos de las camisas tocaban instrumentos melosos mientras la sala exhalaba humedad y vapor humano.
Mi camisa se pegó al cuerpo, surgiendo dos nauseabundos roales de sudor en la zona de las axilas... además, dos tremendas rozaduras en los pies no auguraban nada bueno para mis recién estrenadas botas. Las bolas de cristalitos cual Fiebre del Sábado Noche me tenían mareado... ¿era posible que me estuviese dando un bajón de azúcar?.

Ni corto ni perezoso me dirijo a la zona de la barra y con cinco duros que saco del bolsillo me compro un algodón de azúcar más grande que las pelusas que limpio debajo de mi canapé. Mientras, los tipos tocan una versión que me es conocida aunque no se precisar el nombre... las nenas están enamoradas del cantante y yo creo que voy a pedir un cenicero de esos que ponen CINZANO en el lateral y me voy a fumar un purito...

Y de repente me despierto.


lunes, 12 de diciembre de 2011

LA MÚSICA Y EL SPAGUETTI WESTERN



La creación del Spaguetti Western y su particular submundo de clichés autoparódicos trajo la creación de un género musical bastante denostado por la crítica especializada pero que sin embargo ganaba en calidad y originalidad a su principal enemigo: el western americano, más centrado en sinfonismos y orquestas pero mucho más aséptico y frío en el resultado final en un cine tan visceral como es el western.

La trilogía de Leone no solo revolucionó un género que se encontraba prácticamente estancado, sino que además trajo consigo el surgimiento de un particular movimiento musical histriónico y para nada encasillado que no le hacía ascos a nada y no temía experimentar cuando era necesario. Morricone y su particular trilogía de bandas sonoras marcó un estilo que posteriores compositores agrandaron (y en muchos casos estropearon) capturando todos los guiños propios del cine de explotación italiano. Trompetas, chasquidos, silbidos, música con latas, arpas de boca... todo un universo de exotismo al servicio de los compositores que tenían el particular cometido de imbuir a las imágenes de una poderosa fuerza sónica que las elevara a cotas casi de surrealismo (de ahí que casi la mayoría de los buenos westerns crepusculares parezcan estar dotados de una cualidad cuasi hipnótica, con unos oníricos personajes y entornos que refuerzan el aire de irrealidad; véase por ejemplo KEOMA).

Los primeros planos de caras quemadas por el sol, de ojos entrecerrados surcados de mil arrugas producto de un sol de justicia eran arrebatadoramente más épicos si cabe con la música de un Morricone en estado de gracia, con unas bandas sonoras que no temían a la experimentación... y es que hasta entonces no se había escuchado algo igual en el cine de oeste (ni prácticamente en ningún género fílmico). Desde su primera banda sonora en el western (GRINGO, 1963) hasta la última (DOS GRANUJAS EN EL OESTE, 1980), pasando por la majestuosidad épica de LA TRILOGÍA DEL DÓLAR (POR UN PUÑADO DE DÓLARES, LA MUERTE TENÍA UN PRECIO, EL BUENO EL FEO Y EL MALO) y su trilogía americana (HASTA QUE LLEGÓ SU HORA, AGÁCHATE MALDITO y la gansteriana ÉRASE UNA VEZ EN AMÉRICA), Morricone creó un estilo propio deconstruyendo la misma música minimizándola de tal forma que se mimetizaba completamente con las imágenes que estábamos contemplando. Otras grandes bandas sonoras algo más desconocidas nos muestran a un Morricone más maduro (EL GRAN SILENCIO, LOS COMPAÑEROS...) y algunas otras llegan incluso a mejorar las mismas películas, y es que el gran compositor italiano cultivó el género como ningún otro llegando a ser más interesantes sus bandas sonoras que los propios films.

Antes de la ridiculización del género del Western Crepuscular (la invasión de la comedia por la comedia restando seriedad a las películas), otros como RIZ ORTOLANI (EL SABOR DE LA VENGANZA, y creador de la onírica banda sonora de HOLOCAUSTO CANÍBAL) o LUIS BAKALOV (SUGAR COLT o la genialmente pegadiza DJANGO), PIERO PICCIONI (SI ENCUENTRAS A SARTANA, REZA POR TU MUERTE), ANGELO FRANCESCO LAVAGNINO (que trabajó codo con codo con directores españoles), FRANCESCO DE MASI (que ostenta el récord de 37 bandas sonoras en el spaguetti), STELVIO CIPRIANI (Y AHORA LE LLAMAN ALELUYA), NICO FIDENCO (DINAMITA JIM), ARMANDO TROVAIOLI (y su única aportación al western con LOS LARGOS DÍAS DE LA VENGANZA), fueron otros cultivadores del género que a día de hoy son objeto de culto para fanáticos japoneses.

Mención especial merece BRUNO NICOLAI por su semejanza compositiva con el talento de Morricone, o las bandas sonoras paródicas de los Hermanos DeAngelis (LE LLAMABAN TRINIDAD, LE SEGUÍAN LLAMANDO TRINIDAD o la encantadoramente pastichera KEOMA), auténticos especialistas en el cine de explotación italiano en todas sus vertientes: aventuras, ciencia-ficción, terror, cine negro... unos auténticos todo terreno musicales con melodías tan pegadizas como un caramelo sin envoltura tirado en el asfalto en pleno Agosto...

En definitiva, todo un submundo a descubrir que desgraciadamente ha sido denostado tanto por la crítica de cine como por la musical, y que gracias a genios como el de Tarantino está siendo recuperada para algunos proyectos cinematográficos actuales... una música adictiva que invita a desenfundar el polvoriento revólver, no vaya a ser que con tanto silbido no escuche al pistolero que tengo tras mi espalda, presto a meterme plomo entre los omóplatos.

domingo, 11 de diciembre de 2011

CANNIBAL (BENJAMÍN VIRÉ; BÉLGICA, 2010)



"Max es un agorafóbico que vive en una cabaña en medio de ninguna parte. Una noche, se encuentra en el bosque a una bella mujer inconsciente (Bianca); Su cuerpo está cubierto de sangre y la joven no parece ser lo que aparenta".

Debut del director Belga Benjamín Viré en otra muestra original de cine de caníbales, esta vez pasada por un tamiz distinto lleno de matices sórdidos con reminiscencias al cine social extremo francés. Sugerente, extraña y cautivadora película que poco a poco se va haciendo más oscura y extrema para concluir en un extraño clímax final nada habitual. Toques de cine negro y de mafias, pinceladas de cine de caníbales sin caer en orgías viscerales innecesarias, y muchos silencios y miradas sugerentes de sus protagonistas (excelentes primeros planos dotados de una sensual belleza de su protagonista femenina).

Como detalle negativo el desarrollo de la trama me parece a veces demasiado embarrullado con un guión que parece ir a trompicones, con saltos que confunden demasiado al espectador y que hace que no termine de conectar con la historia como debiera. Sin embargo, en conjunto me ha parecido una buena película que sugiere más que muestra, de forma que absténganse los que gusten de guiones llenos de detalles y explicaciones, y adelante los que prefieran una película que funciona como un insano viaje en busca del amor, sean cuales sean las consecuencias...

THE WOMAN (LUKY MCGEE; ESTADOS UNIDOS, 2011)



"The Woman es la última superviviente del feroz clan que ha estado en la costa noreste durante décadas. Cuando el último miembro de su familia muere en una pelea con la policía, la mujer se encontrará sola, severamente herida y vulnerable. Ahora es una presa fácil para el cazador local, el abogado de éxito y hombre gravemente perturbado Christopher Cleek, el cual se embarcará en un desquiciado proyecto, capturarla y hacerla pedazos, una decisión que no tardará en amenazar su vida, la de su familia y la de La Mujer. Continuación del film de 2009, Offspring.(FILMAFFINITY)"


El sorprendente director LUCKY MCKEE es un habitual en las galas de premios del Festival de Sitges. En THE WOMAN consiguió el premio al mejor guión en SITGES 2011, realizado por cierto junto con el también genial escritor de novelas de terror y guionista de cine JACK KETCHUM. Uno de los aspectos curiosos es que se trata de la continuación del film OFFSPRING de 2009 cuyo guión también está realizado por el propio JACK KETCHUM basándose en una de sus novelas (aunque la película esté dirigida por otro director).
Sin haber visto OFFSPRING me da la sensación de haberme perdido una parte importante del guión de la película, o por lo menos parte de la trama subyacente en pequeños matices que se me escapan. No obstante, THE WOMAN puede verse independientemente como una buena muestra de original cine de terror con muchos matices y capas bajo el aparentemente simple guión (más que simple diríamos que utiliza uno de los clásicos temas del cine de terror: el canibalismo).
El cine de caníbales cumple sus propias pautas y algoritmos, pero cuando lo mezclamos con el cine de terror made in psicópatas perturbados salen cosas interesantes como este film, que realmente respira un aire de surrealismo por todos sus fotogramas que nos despistan continuamente sin saber a ciencia cierta a donde va a ir a parar toda la trama.
Ya me dejó muy buen sabor de boca el director Luky McKEE con la sorprendente MAY (2002) y creo sin temor a equivocarme que sus originales trabajos dan un aire nuevo y totalmente fresco a los estancados clichés del género.

Si te apetece ver algo distinto (aunque no demasiado, no vayas a crearte tremendas expectativas), te sugiero que le des una oportunidad a una de las películas del año en SITGES. Queda dicho.


martes, 6 de diciembre de 2011

TERRITOIRES, de OLIVIER ABBOU (CANADÁ, 2010)



"El film nos lleva hasta Canada, cerca de la frontera con Estados Unidos, donde Jalil, Michelle, Gab, Leslie y Tom conducen después de una boda cuando se encuentran con un coche que bloquea el camino. Se ven obligados a pararse. Se trata de la policía, que les piden las identificaciones. Los policías parecen sospechosos y empiezan a interrogarlos. La situación empieza a ponerse tensa y el grupo acaba detenido y enviado a una cárcel especial en el corazón del bosque donde les esperan las jaulas y un buen número de preguntas sin respuesta. (FILMAFFINITY)".

Hay películas realizadas con el simple propósito de convertirse en conversación que rula de boca en boca por todos los aficionados al género. TERRITORIES nace con la intención de convertir el típico cine de psicópatas en algo más extremo y desagradable, pero que sin embargo acaba en agua de borrajas al caer en los clichés de siempre. La película empieza bien, tensa y cruda a lo FUNNY GAMES de HANEKE, pero por desgracia va deslabazándose hasta convertirse en una parodia de sí misma. La entrada en la película del detective que investiga el caso se carga totalmente el pulso mantenido entre película y espectador, desinflando la trama y la tensión en un anti-clímax que por desgracia no remonta ni en los minutos finales, donde este tipo de cine suele mostrar sus principales bazas.
TERRITORIES navega por los mismos cauces que el actual cine extremo francés (no en vano la película es una producción Franco-Canadiense), pero lo que a priori podría haber sido un ejercicio interesante de cine de terror malsano (magistrales sus primeros quince minutos), acaba en un bluff y hora y media perdidas delante de la pantalla. Como nota final, a pesar de la crítica negativa absténganse de ver el film personas sensibles pues la crudeza de alguna de sus imágenes y situaciones no son baladí y pueden provocar más de un disgusto.


jueves, 1 de diciembre de 2011

FANCINE 2011... MIÉRCOLES 30 DE NOVIEMBRE



Todo comienzo tiene un final, y hoy miércoles es por desgracia mi último día de FANCINE. Los compromisos laborales no van a permitirme asistir a la gala de clausura así que tengo que aprovechar la tarde lo máximo posible... además, no me gustan las despedidas (todo aficionado al cine de terror tiene su lado humano, leñe), y las galas de clausura me sumen de una nostalgia y pena que me dura por lo menos varios días. Pero no hay mal que por bien no venga, ya que en un principio creía que hoy miércoles no iba a poder asistir al festival y sin embargo aquí estoy, nuevamente delante de la pantalla, la cual por un momento me ha parecido ver curvarse y sonreírme en una mueca de complicidad... HOLA, COMPAÑERO DE FATIGAS... ¿PREPARADO PARA OTRA TARDE DE CINE?... y luego, incomprensiblemente, se vuelve a poner recta, la luz se apaga, los murmullos se atenuan y vuelvo a caer en trance...

FASE 7 (Nicolás Goldbart; ARGENTINA, 2011)

"Un edificio de apartamentos está en cuarentena debido a una enfermedad no identificada. Totalmente aislado del mundo exterior, todo lo que ocurre en él se queda dentro del edificio, donde los vecinos están considerados potencialmente peligrosos porque pueden extender la enfermedad".

Ganadora en SITGES de 2010 del mejor guión, FASE 7 es una delicia para los aficionados al fantástico, y es que los argentinos siempre que se meten en el campo del fantaterror saben dotarlo de una cualidad hipnótica que te tiene pegado a la pantalla. Con un soberbio Federico Luppi, detalles del cine de John Carpenter o el cine de explotación italiano, la película va en aumento hasta su magnífico clímax final, muy deudor del cine ochentero de videoclub, pero con un guión y unos diálogos mucho más trabajados. La música es una delicia retro que también me ha recordado a las melodías del mismo Carpenter o incluso a la música de Simonetti, los hermanos D`angelis y similares (incluso el mismo Morricone): simple, pegadiza y extravagante. Poco queda decir de esta película, salvo que tienes que verla... IMPECABLE.



BEDEVILLED (Jang Cheol-soo; COREA DEL SUR, 2010)

"Hae-won, una soltera de treinta y tantos estresada con su trabajo, es testigo de un asesinato. Superada por los acontecimientos, acaba por tomarse unas vacaciones en Moodo, una pequeña isla subdesarrollada".

No es la primera vez ni creo que será la última que ensalce el thriller coreano. Crudo, duro y violento como masticar un limón con sal con la boca llena de llagas. BEDEVILLED está en la onda del cine de venganzas coreano: I SAW THE DEVIL, OLDBOY, SYMPATHY FOR MR. VENGEANCE y en general todo el cine de PARK CHAN-WOOK o de incluso algunos títulos del japonés TAKESHI KITANO. Una película lenta en desarrollo que te va preparando el cuerpo para un final de infarto con escenas de extrema violencia y el toque poético coreano del que sólo ellos conocen la fórmula. Seguramente no tardaremos en ver por ahí que los yanquis harán su versión descafeinada... IMPRESCINDIBLE (NO APTA PARA GENTE SENSIBLE).



CAVE OF FORGOTTEN DREAMS (Werner Herzog; ALEMANIA, CANADÁ, ESTADOS UNIDOS, FRANCIA, REINO UNIDO, 2010) 3D

"Documental en el que Werner Herzog consigue acceso exclusivo para rodar dentro de las Cuevas Chauvet en el sur de Francia, capturando las creaciones pictóricas más antiguas de la humanidad en su asombroso emplazamiento natural".

De la mano del mítico cineasta alemán nos sumergimos en un bello viaje a las entrañas de la tierra donde el uso del 3d ayuda a vivir la ancestral sensación de sacralidad que vive el grupo de documentalistas. Pocas veces un documental resulta tan apasionante, vívido y real haciéndonos partícipes de la aventura, hasta el punto de sentir que estamos tocando los trabajos pictóricos más antiguos y mejor conservados de la humanidad. Con una maravillosa música de cámara que nos imbuye de un aura de profunda espiritualidad, nos damos cuenta que el pasado está perdido, y que no podemos más que intentar interpretarlo... SUBLIME.



Y esto es prácticamente todo. El festival continúa hoy pero yo no. Llega el momento de las despedidas... y también de agradecer a la organización de FANCINE y de la UMA el haber podido vivir el festival desde una óptica distinta, la del humilde cronista que os ha traído en seis entregas más de una veintena de películas y cortos reseñados. FANCINE en sus últimas dos entregas ha ganado en público y calidad, adaptándose a los nuevos tiempos y ofreciendo cine fantástico a todo tipo de público, lo que es de agradecer. También dar las gracias a todos los trabajadores y gente del CINE ALBÉNIZ que se han portado maravillosamente con un servidor, haciéndome sentir como en casa y una parte más del entramado del festival.

Agradecer también a Migue de MIGUEFLYINGCIRCUS.BLOGSPOT.COM y Juani de MALAGADECINE la oportunidad que me han dado, en espera de que futuras colaboraciones den su fruto.

Y ya está... voy a meterme en mi cápsula criogenizadora esperando que el año que viene las circunstancias sean favorables y ojalá la colaboración con FANCINE continúe. Parafraseando a la película KROKODYLE: SI LOS SERES REALES PUEDEN HACER CREACIONES IMAGINARIAS... ¿PORQUÉ LOS SERES IMAGINARIOS NO VAN A PODER HACER CREACIONES REALES?...